معلومة

فن الآرت نوفو وتاريخ آرت ديكو


كان Art Nouveau عبارة عن حركة فنية وتصميم انبثقت من حركة الفنون والحرف اليدوية في أواخر القرن التاسع عشر. سلط الفن الحديث الضوء على الخطوط الرشيقة ، غالبًا ما تكون مستوحاة من النباتات والزهور ، فضلاً عن الأنماط الهندسية. كان Art Deco عبارة عن حساسية تصميم مترامية الأطراف شق طريقه عبر العديد من أشكال الفن والتصميم في أوائل القرن العشرين ، من الفنون الجميلة والهندسة المعمارية إلى الأزياء والأثاث ، بالإضافة إلى الأجهزة اليومية وحتى وسائل النقل.

حركة الفنون والحرف

ركزت حركة الفنون والحرف ، وهي مقدمة لفن الآرت نوفو ، على الحرف اليدوية في الفنون الزخرفية وتجسدها مصمم المنسوجات المؤثر ويليام موريس.

في Art Nouveau ، لم يتم تحديد نمط الكائن مسبقًا وفرضه ولكن تم تطويره بشكل عضوي من خلال عملية الإنشاء ، وهي فكرة مستمدة من المهندس المعماري الاسكتلندي Charles Rennie Mackintosh.

يعتقد ماكينتوش أن الأسلوب يأتي من الوظيفة ، ويجب بناء الهياكل من الداخل إلى الخارج. واحدة من أشهر مبانيه هي مدرسة غلاسكو للفنون ، التي تم الانتهاء منها في عام 1910.

احتضن المعماريون الفن الحديث من خلال استخدام المنحنيات والحديد والزجاج في التصميمات. وكانت النتيجة عبارة عن مبانٍ مثل كاسا باتلو العضوية المتعرجة التي صممها أنطوني غاودي في برشلونة بإسبانيا ، والتي اكتملت في عام 1906.

الفن الحديث في الفنون المرئية

كان لأفكار ماكينتوش تأثير كبير على الفنون البصرية. اعتمد الرسام النمساوي غوستاف كليمت نقوشه التجريدية ، التي تدل على لف النباتات ، كخلفيات للوحات التصويرية. جلب الرسام أوبري بيردسلي الفن الحديث لتصميم الكتب ، موضحًا أعمال السير توماس مالوري لا مورت دارثر ويعمل كمحرر فني في الجريدة الشعبية كتاب أصفر مجلة في انجلترا.

كانت الملصقات هي الوسيلة الرئيسية التي انتشر الفن الحديث من خلالها. استحوذت صور الفنان التشيكي ألفونس موتشا على النساء الفاتنات اللائحات على مخيلة الجمهور. ملصقه عام 1894 جيسموندا، الذي تم إنشاؤه للفنانة سارة برنهارد ، حقق له أول نجاح كبير له.

ART NOUVEAU في التصميم

تميز فن الآرت نوفو بمصممي الكائنات بدلاً من النحاتين. أشهرها لويس كومفورت تيفاني ، رسام سابق ابتكر عناصر زخرفية لعملائه الأثرياء.

كانت ابتكارات تيفاني الرئيسية مع الزجاج الملون ، والذي كان حاسمًا لتصميم أكثر عروضه شهرة ، مصباح تيفاني. يشتهر تيفاني أيضًا بمجوهراته وصناديقه وساعاته وتصميماته الفخارية. صممت كلارا دريسكول ، التي عملت لدى تيفاني من عام 1888 إلى عام 1909 ، معظم مصابيح تيفاني الأكثر شهرة ، بالإضافة إلى العديد من العناصر الأخرى للشركة.

شكّل صانع المزهريات الفرنسي إيميلي جالي "مدرسة نانسي" المؤثرة في مسقط رأسه في نانسي بفرنسا ، مع النحات البرونزي لويس ماجوريل ، لجمع أساتذة فن الآرت نوفو من مختلف التخصصات مثل تصميم الأثاث وصناعة المجوهرات.

بحلول نهاية الحرب العالمية الأولى ، تبدد الفن الحديث كقوة في عالم الفن. حلت الحركات الحداثية مكانها ، وأبرزها آرت ديكو.

التعريف بفن DECO

تم الإعلان عن آرت ديكو للعالم في 1925 Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes في باريس ، ليس كحركة جديدة ولكن كانت قيد التطوير لأكثر من عقد من الزمان.

كان المعرض مشهدًا عالميًا على طراز المعرض استمر ستة أشهر وغطى 57 فدانًا في باريس. قام عرض شعبي يعتمد على المعرض بجولة في الولايات المتحدة في العام التالي.

في عام 1927 ، أقام متجر Macy متعدد الأقسام معرضًا مؤثرًا على طراز Art Deco سلط الضوء على ثمانية مهندسين معماريين ، بما في ذلك Raymond M.

فروقات ART DECO

تزامن صعود فن الآرت ديكو مع التدافع على إقامة ناطحات السحاب ، وتأثيرها محسوس في جميع أنحاء أمريكا.

يعتبر مبنى كرايسلر ، الذي تم تصميمه في عام 1928 ، أحد أكثر الأمثلة شهرةً وانتشارًا. عمل المهندس المعماري William Van Alen ، مستدقته المصنوعة من الفولاذ المقاوم للصدأ مع قاعدة صدفيّة تجعلها سهلة التعرّف عليها على الفور.

كان Art Deco هو اختيار التصميم لدور السينما في ذلك العصر ، مثل مسرح Grauman’s Egyptian في لوس أنجلوس و Radio City Music Hall في مدينة نيويورك.

كان آرت ديكو أيضًا المبدأ التوجيهي لوسائل النقل الأنيقة ، مثل سيارات بوجاتي تايب 57SC أتلانتيك ، والقطارات مثل شركة هنري دريفوس للقرن العشرين المحدودة ، والقطارات الفاخرة مثل كوين ماري.

تغلغل آرت ديكو في الحياة الشخصية للناس في تأثيره على المفروشات والعناصر الزخرفية. كانت أعمال تصميم إميل جاك روهلمان في الأثاث ، وجان بيسنارد في الفخار ، ورينيه لاليك في الزجاج ، وألبرت أرماند راتو في المعدن ، وجورج فوكيه في المجوهرات ، وسيرج جلادكي في المنسوجات ، مجرد أمثلة قليلة لها تأثيرات كبيرة ودائمة.

صور من ART DECO

في الفنون البصرية ، روجت آرت ديكو لحساسية متطورة. يشتهر الرسام الفرنسي جان دوباس بجدارياته وإعلاناته المطبوعة. تم عرض فيلمه الشهير Les Perruches في معرض عام 1925. اشتهرت الرسامة البولندية تمارا دي ليمبيكا بصورها للأثرياء والمشاهير.

مثل Art Nouveau ، كانت فنون الجرافيك حاسمة في ترسيخ فن الآرت ديكو في الخيال العام وتحديد الثقافة المرتبطة به. اشتهر تشارلز جيسمار بملصقاته للفنان الفرنسي ميستينجويت ، والتي أعطت هوية لعصر الجاز. كانت ملصقات الفنان الفرنسي بول كولين لجوزفين بيكر من العوامل الرئيسية في إطلاق مسيرة بيكر المهنية. استوحى جان كارلو الإلهام من التكعيبية واكتسب شهرة مع ملصقه لفيلم تشارلي تشابلن عام 1921 الطفل.

شكل آرت ديكو أيضًا وجهة النظر العامة للسفر. تخصص الفنان الأوكراني كاساندر في ملصقات النقل ، وأبرزها ملصقه عام 1935 لسفينة الرحلات الفرنسية نورماندي، كما اشتهر بعمله الإعلاني المميز.

كانت الحيوانات موضوعًا شائعًا بين فناني آرت ديكو. ركزت لوحات ومنحوتات بول جوف على الحيوانات الأفريقية. ظهر تمثال الدب القطبي البرونزي الشهير للنحات فرانسوا بومبون في معرض عام 1925.

فن النحت

غالبًا ما وجدت منحوتات آرت ديكو منازل في العرض العام. أشهر أعمال بول مانشيب ، عام 1933 بروميثيوس، تقع في النافورة في مركز روكفلر. وجد النحات الإيطالي البرازيلي فيكتور بريشيريت شهرة مع نظيره نصب تذكاري لبانديراس في حديقة Ibirapuera Park في ساو باولو ، البرازيل ، والتي بدأت في عام 1921 واكتملت في عام 1954.

الضخم ، 98 قدمًا ، 700 طن المسيح المخلص تم تصميم النحت على قمة جبل كوركوفادو البالغ ارتفاعه 2300 قدم في ريو دي جانيرو بالبرازيل من قبل النحات الفرنسي بول لاندوفسكي ، مع وجه النحات الروماني جورجي ليونيدا. اكتمل التمثال في عام 1931 ويمكن رؤيته من أي مكان في المدينة.

النحات الأمريكي لي لوري هو واحد من أكثر فناني آرت ديكو شهرة وأقلهم شهرة. تزين أعماله المباني في جميع أنحاء الولايات المتحدة - الأكاديمية الوطنية للعلوم في واشنطن العاصمة ، ومكتبة لوس أنجلوس العامة ، ودار ولاية نبراسكا ، ومركز روكفلر في مدينة نيويورك والعديد من المواقع الأخرى.

يُنسب أيضًا إلى مشروع الفن الفيدرالي التابع لإدارة تقدم الأعمال (WPA) لنشر نموذج Art Deco في الولايات المتحدة مع فنانين مثل Rockwell Kent و Diego Rivera و Reginald Marsh.

ART DECO WANES

غالبًا ما كان آرت ديكو يتماشى مع أذواق الأثرياء. أعاد انهيار سوق الأسهم عام 1929 توجيه الحركة نحو الإنتاج الضخم.

بحلول أوائل الثلاثينيات من القرن الماضي ، تم تحديث Art Deco المسمى Streamline Moderne (أو Art Moderne) في أمريكا ، وتبسيط التصميمات ، وفي الهندسة المعمارية ، والتركيز على هياكل قصة واحدة لخدمة احتياجات البناء الأكثر شيوعًا بشكل أفضل مثل محطات الوقود والمطاعم. بحلول الحرب العالمية الثانية ، تراجعت آرت ديكو وآرت نوفو واستبدلت إلى حد كبير بالحداثة.

مصادر

الفن الحديث: الانطباعية إلى ما بعد الحداثة. حرره ديفيد بريت.
فن حديث. بقلم جان لاهور.
روح وروعة آرت ديكو. بقلم آلان ليسيوتر.
الفن ديكو. بقلم فيكتور ارواس.
الفرنسية آرت ديكو. متحف متروبوليتان للفنون.


تاريخ موجز لحركة تصميم آرت ديكو

إنها فترة العشرينيات رسميًا مرة أخرى ، ونحن نعيدها مرة أخرى إلى عشرينيات القرن العشرين الصاخبة طوال الأسبوع. سواء كنت تحب ديكور عصر موسيقى الجاز ، أو المنازل التاريخية ، أو مجرد معرفة كيف عاش الناس قبل 100 عام ، فقد قمنا بتغطيتك. في صحتك أيها الشاب القديم!

من المحتمل أنك سمعت عبارة "آرت ديكو" المستخدمة هنا وهناك - وربما تفكر في مبنى كرايسلر في مدينة نيويورك أو الواجهات الملونة في أوشن درايف في ميامي ، وكلاهما من السمات المميزة الرئيسية لفن الآرت ديكو. ولكن كيف بالضبط نشأ النمط - والاسم -؟ وفقًا لهيلين فيندلمان ، خبيرة تثمين الفنون الجميلة والتحف ، فإن مصطلح "آرت ديكو" قد أصبح حقًا قيد الاستخدام على نطاق واسع في الجزء الأوسط من القرن العشرين ، بعد سنوات من ظهور النمط الزخرفي الشهير بالفعل.

لكن المرة الأولى التي تم فيها صياغة العبارة ، على حد علم الجميع ، كانت في عام 1925 المعرض الباريسي الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة - إنها في الواقع اختصار لاسم المعارض الفنية الأسطورية ، حيث القطع في ما توصلنا إليه تعرف بأسلوب "آرت ديكو" لأول مرة. كيف هذا بالنسبة لبعض التوافه غير المعروفة؟ نظرًا لأننا نحب معرفة المزيد عن التاريخ المكتوب لبعض حركات التصميم المفضلة لدينا ، فقد اعتقدنا أننا سنلقي نظرة عميقة على أصول Art Deco ، والطرق التي تعيش بها اليوم ، وكيف يمكنك جعل المظهر يعمل في منزلك.

عندما بدأ تصميم Art Deco في إحداث موجات منذ حوالي قرن من الزمان ، ظهر دوره كرد فعل ضد حركة Art Nouveau شديدة الأسلوب. "كنا ننتقل من عصر كانت فيه أشياء كثيرة مزخرفة ومتعرجة ومليئة بالتفاصيل ،" تقول مرسيدس أوستن من Mercury Mosaics. من الطبيعي إذن أن يبسط أسلوب آرت ديكو الأمور قليلاً. لكن من المؤكد أن ديكو لم تكن هي نفسها مدرسة باوهاوس ، التي ظهرت تقريبًا في نفس الوقت تقريبًا ودافعت عن زواج الجمال والمنفعة - والتوفيق بين الإنتاج الضخم والفن.

على النقيض من هذا النقاء ، كان أسلوب آرت ديكو الفريد من نوعه نوعًا من التناقض في بعض الأحيان - أشكال أنيقة ولكن غالبًا ما تكون مصنوعة يدويًا ، وتشطيبات غنية ولكن ليست مزخرفة ، وأشكال مبهرجة ولكنها ليست زخرفية بشكل مفرط. بدأت مواد التصميم الجديدة في الظهور - بدءًا من الكروم وزجاج الألواح وحتى التشطيبات الفاخرة مثل الأخشاب الغريبة والأسطح المطلية واللمعان. على العموم ، "بدأ الأثاث والديكور في التحول إلى منحوتة ، محاكية الدعائم الأساسية المعمارية والداخلية لتلك الفترة من الأسطح الملساء والمبسطة والخطوط العمودية" ، كما تقول أليساندرا وود ، خبيرة الموضة في Modsy. "العديد من الزخارف والأنماط الهندسية الجديدة أصبحت أيضًا أكثر شيوعًا ، بما في ذلك المتعرجة ، والشيفرون ، والانفجارات النجمية ، والمراوح ، والتصميمات الدائرية."

كانت المباني والديكورات الداخلية وحتى المنتجات المصممة على طراز آرت ديكو تتمتع بقدر معين من الوفرة والطاقة. مع اكتساب النمط شعبية ، أصبح المظهر مرتبطًا بالتكنولوجيا والتفاؤل والازدهار ، كما يقول وود. وهذا ليس من قبيل المصادفة. يوضح جون ليندن ، مصمم الديكور الداخلي والأثاث: "عندما اشتهرت آرت ديكو لأول مرة خلال أوائل عشرينيات القرن الماضي ، كان العالم في فترة ثروة عالمية هائلة". "تتمتع كل من الولايات المتحدة وأوروبا باقتصاديات صحية ، وهو ما ينعكس في الأسلوب." إذا كنت ستنظر إلى ردهة منزل أو بنك على طراز فن الآرت ديكو ، على سبيل المثال ، فسترى الكثير من المواد المعدنية والأنماط المزدحمة. يقول ليندن: "الأمر كله يتعلق بالإفراط". "لهذا السبب ، عندما نفكر في آرت ديكو ، عادة ما نربطها بشخصيات مثل" غاتسبي العظيم "."

على الرغم من أصولها الأوروبية ووجودها في المدن الأمريكية ، إلا أن فن الآرت ديكو لا يزال يعكس تأثيرًا عالميًا ، حيث سافر العديد من المصممين والمهندسين المعماريين الرائدين في الحركة إلى اليابان وأماكن أخرى أثناء خدمتهم في الحرب العالمية الأولى. يقول ليندن: "عناصر من تلك الثقافات في عملهم". "تشبه أعمال آرت ديكو السابقة إلى حد كبير التصميم الآسيوي وأمريكا الجنوبية ولكن بلمسة أوروبية لامعة. في وقت لاحق ، أصبح الأمر أكثر ضآلة ، وبدأنا نرى بذور منتصف القرن الحداثة ".

بشكل عام ، صمدت شعبية الأسلوب بالتأكيد أمام اختبار الزمن ، ربما لأنه بدا مختلفًا تمامًا عما جاء قبله. ومع ذلك ، عندما تعرض الاقتصاد لتراجع كبير بسبب الكساد الكبير ، خفت حدة النمط قليلاً. لكن القليل من الابتكار أبقى روح آرت ديكو حية لبضع سنوات أخرى. يقول ليندن: "في الثلاثينيات من القرن الماضي ، استبدل المصممون الديكور المصنوع يدويًا بمواد منتجة بكميات كبيرة". "ظلت الأشياء على حالها ، لكن العناصر كانت مصنوعة من مواد أرخص بكثير." هذا هو السبب في أن تجار التحف يبحثون دائمًا عن قطع آرت ديكو المصنوعة خلال العشرينات - فهي تستحق أكثر ، كما يقول ليندن ، لمجرد أنها مصنوعة من مواد أكثر قيمة.

بينما أشارت الحرب العالمية الثانية إلى النهاية الرسمية لحركة آرت ديكو ، عاد الأسلوب ، كما تفعل العديد من الأساليب ، في وقت لاحق في القرن العشرين. يقول وود: "لقد رأينا إحياء فن الآرت ديكو في الماضي ، وآخرها في الثمانينيات". "بالنظر إلى الاتجاهات السابقة بالترتيب الزمني ، اتبعت إحياء ديكو في الثمانينيات أسلوب منتصف القرن في الستينيات والسبعينيات." لذلك إذا كنت تعتقد أن الاتجاهات دورية ، يقول وود إنه من المنطقي أننا نشهد إحياءًا آخر للديكو في ثقافتنا الحالية ، بعد أكثر من عقد من الهوس الحديث في منتصف القرن.

فكيف يمكنك إعادة ابتكار إطلالة العشرينيات من القرن الماضي في عام 2020؟ إنها في الواقع بسيطة للغاية ، خاصة إذا كان الجزء الداخلي أعلاه يشير إلى أي شيء. من المؤكد أن هذا النمط يلعب بشكل جيد مع الجدران البيضاء والأرضيات الخشبية ومجموعة اللمسات الذهبية التي أصبحت شائعة جدًا مؤخرًا. يوضح وود قائلاً: "نشهد اليوم عودة ظهور الأنماط الهندسية لفن الآرت ديكو وزيادة في الاستثمارات المادية مثل الرخام وخشب العقدة". "ابحث عن القطع التي تتمتع ببعض التألق بهذه الطريقة."

لا تحتاج إلى التوجه إلى متجر التحف للحصول على عناصر أصلية تعود إلى الفترة الزمنية أيضًا. CB2 ، لشخص واحد ، مليء بالإكسسوارات المذهلة المستوحاة من فن الآرت ديكو مثل صينية الخشب المعلقة وعربة البار المنحنية. ومع ذلك ، ربما يكون من الأفضل تركيز هذه الأنواع من الإكسسوارات وقطع الأثاث العرضية بدلاً من الأشياء الأكثر ثباتًا مثل التشطيبات والتركيبات ، على الرغم من أن هذه الأشياء يمكن إجراؤها بطريقة الديكور أيضًا.

بغض النظر ، ليست هناك حاجة لاستبدال كل متعلقاتك والبدء من نقطة الصفر. كما يلاحظ جريج فريمان من Comfort and Flair ، "يمكن إدخال عناصر آرت ديكو في أي ديكور داخلي تقريبًا من خلال شراء عناصر مثل مصابيح بدوار ، وتماثيل صغيرة ، ودفاتر ، وإطارات صور مطلية بالزجاج العكسي ، وشاشات / فواصل ، ومنحوتات بارزة." حسنًا ، هناك قائمة التسوق الخاصة بك ، إذا كنت ترغب في إضافة لمسة عصرية من فن الآرت ديكو إلى مساحتك.


التاريخ وراء ... آرت ديكو

يستكشف أحدث إصدار في سلسلة The History Behind من National Jeweller واحدة من أكثر الفترات شهرة وتأثيراً في تصميم المجوهرات ، وهي حقبة آرت ديكو.

نيويورك - إنها فترة شائعة جدًا ، وقد تمتعت بالعديد من الإحياء ، حيث تم استخدام مصطلح آرت ديكو بشكل فضفاض للإشارة إلى المجوهرات والهندسة المعمارية والأثاث من عدة عقود مختلفة.

خاتم Oscar Heyman المصمم على طراز فن الآرت ديكو مصنوع من البلاتين ومرصع بحجر الياقوت البرتقالي بقطع الوسادة 13.93 قيراط ويحيط به 2.44 قيراط من الماس. لكي تكون فن الآرت ديكو حقًا ، يجب أن تكون قطعة قد تم تصنيعها في الفترة ما بين الحربين العالميتين. خلاف ذلك ، إنه مجرد أسلوب آرت ديكو.

في هذه الحلقة من The History Behind ، الجواهري الوطني التفت إلى خبيرين في التحف - جانيت ليفي ، من شركة المجوهرات العتيقة The DeYoung Collection ، وباتريشيا فابر من معرض آرون فابر - لمعرفة المزيد عن أصول الجمالية النظيفة للعصر.

متى ظهرت مجوهرات آرت ديكو لأول مرة في السوق؟ يتفق كل من ليفي وفابر على أنه لا توجد تواريخ مؤكدة لأي فترة من تصميم المجوهرات تندمج حركة واحدة ببساطة مع تلك التي تليها.

قال ليفي: "لا يوجد هذا النوع من الجدار الذي يقسم أي شيء". "إنه مائع للغاية."

أثناء معرض متجول أقامه متحف فيكتوريا وألبرت في لندن الفترة من 1910 إلى 1939قالت ليفي في ذهنها أن أقدم قطع فن الآرت ديكو تعود إلى حوالي عام 1918 أو 1919 ، مع تراجع الاهتمام بالحركة في الأربعينيات.

لماذا سمي آرت ديكو وما الذي أثر على تصميم تلك الفترة؟ أخذ آرت ديكو اسمه من المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة (المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعية الحديثة). أقيم في باريس في عام 1925 ويقال إنه قد فعل الكثير لتعزيز الشعبية العالمية لتصميم آرت ديكو أكثر من أي معرض آخر في ذلك الوقت.

مثل معظم الحركات في التصميم ، كان Art Deco رفضًا للأشكال الناعمة والمتعرجة للفترة التي سبقته ، فن حديث.

كان ذلك بعد الحرب العالمية الأولى ، وقال ليفي: "كان الناس بحاجة إلى تعبير سعيد للهروب من تلك الحرب المروعة".

تمتعت النساء بفترة من التحرر من حيث تسريحات شعرهن وأنماط حياتهن وملابسهن - فكر في مدى قلة ارتداء الفتيات الصغيرات في ذلك العصر - وأردن مجوهرات جديدة ذات مظهر جديد تتماشى معها.

يمكنهم الحصول عليها ، بفضل الاستخدام المتزايد للآلات ، التي يمكن أن تنتج المجوهرات بخطوط نظيفة ، وإنتاجها بكميات أكبر مما كان ممكنًا في الماضي.


التطورات اللاحقة - بعد الفن الحديث

إذا استحوذ الفن الحديث على أوروبا بسرعة في السنوات الخمس الأخيرة من القرن التاسع عشر ، فقد تخلى عنه الفنانون والمصممين والمعماريين بنفس السرعة في العقد الأول من القرن العشرين. على الرغم من أن العديد من ممارسيها قد جعلوا العقيدة القائلة بأن "الشكل يجب أن يتبع الوظيفة" مركزية في روحهم ، فإن بعض المصممين يميلون إلى الإسراف في استخدامهم للزخرفة ، وبدأ انتقاد الأسلوب لكونه مفرطًا في التفصيل. بمعنى ما ، مع نضوج الأسلوب ، بدأ في العودة إلى نفس العادات التي كان يحتقرها ، وبدأ عدد متزايد من المعارضين يتهمون أنه بدلاً من تجديد التصميم ، فقد استبدل القديم بالجديد السطحي. حتى باستخدام أساليب الإنتاج الضخم الجديدة ، فإن الحرفية المكثفة التي ينطوي عليها الكثير من تصميمات الفن الحديث منعتها من الوصول حقًا إلى جمهور كبير ، كما كان مؤيدوها يأملون في البداية. في بعض الحالات ، كما هو الحال في دارمشتات ، منعت قوانين حقوق النشر الدولية المتساهلة الفنانين من الاستفادة المالية من تصاميمهم.

سرعان ما ساهم ارتباط Art Nouveau بالمعارض في التراجع.بادئ ذي بدء ، كانت معظم مباني المعرض نفسها عبارة عن هياكل مؤقتة تم هدمها فور إغلاق الحدث. لكن الأهم من ذلك ، أن المعارض نفسها ، على الرغم من أنها عقدت تحت ستار تعزيز التعليم والتفاهم الدولي والسلام ، تميل بدلاً من ذلك إلى تأجيج التنافس والمنافسة بين الدول بسبب الطبيعة المقارنة بطبيعتها للعرض. اعتبرت العديد من البلدان ، بما في ذلك فرنسا وبلجيكا ، الفن الحديث كمنافسين محتملين للحصول على لقب "النمط الوطني" ، قبل اتهامات بالأصول الأجنبية لفن الآرت نوفو أو النغمات السياسية التخريبية (في فرنسا ، ارتبطت بشكل مختلف بالمصممين البلجيكيين والتجار الألمان ، و كان أحيانًا هو الأسلوب المستخدم في المباني الاشتراكية) قلب الرأي العام ضده. مع بعض الاستثناءات البارزة حيث تمتعت بدائرة ملتزمة من الرعاة المحليين المتفانين ، بحلول عام 1910 ، اختفى فن الآرت نوفو من مشهد التصميم الأوروبي.

من Wiener Werkstätte إلى Art Deco

بدأ موت فن الآرت نوفو في ألمانيا والنمسا ، حيث بدأ المصممون مثل بيتر بيرنس وجوزيف هوفمان وكولومان موسر بالتحول نحو جمالية هندسية أكثر حدة في وقت مبكر من عام 1903. في ذلك العام ، أسس العديد من المصممين المرتبطين سابقًا بانفصال فيينا المجموعة المعروفة باسم Wiener Werkstätte ، والتي كان تفضيلها للأشكال الزاويّة والمستقيمة بشكل صارخ يستدعي جمالية أكثر دقة ومستوحاة من الصناعة والتي حذفت أي إشارات علنية إلى الطبيعة. تم التأكيد على هذا التجسيد لصفات التصميم المصنوعة آليًا في عام 1907 من خلال حدثين رئيسيين: تثبيت Behrens كرئيس لجميع تصميمات الشركات في AEG ، من المباني إلى المنتجات إلى الإعلانات ، مما جعله أول مصمم صناعي في العالم وتأسيس شركة German Werkbund ، التحالف الرسمي بين الصناعيين والمصممين الذي حاول بشكل متزايد تحديد نظام لأنواع المنتجات على أساس التوحيد القياسي. إلى جانب الاحترام المكتشف حديثًا للكلاسيكية ، المستوحى جزئيًا من المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893 ومنح مباركة رسمية من حركة City Beautiful في الولايات المتحدة ، فإن هذه الجمالية المستوحاة من الآلات ستتطور في نهاية المطاف ، في أعقاب الحرب العالمية. أنا ، في الأسلوب الذي نسميه الآن متأخراً آرت ديكو. تم التعبير عن طابعها التجاري الواضح بشكل أكثر إيجازًا في المعرض الدولي للفنون الزخرفية والصناعات الحديثة في باريس في عام 1925 ، وهو الحدث الذي من شأنه أن يعطي آرت ديكو اسمه في الستينيات.

تأثيرات ما بعد الحداثة

على الرغم من حياتها القصيرة ، فقد أثبتت آرت نوفو أنها مؤثرة في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي للمصممين الراغبين في التحرر من الجمالية المحصورة والمتقشفة وغير الشخصية والمتدنية بشكل متزايد التي سادت في فنون الجرافيك. أصبحت الصفات الخطية المتدفقة وغير المنضبطة لفن الآرت نوفو مصدر إلهام لفنانين مثل بيتر ماكس ، الذي يستدعي استحضاره لتجربة بديلة حالمة ومخدرة تذكيرًا بالعالم الجمالي الخيالي ، سريع الزوال ، والتدفق الحر في مطلع القرن.

يُعرف الفن الحديث دائمًا منذ البداية كخطوة مهمة في تطوير الحداثة في كل من الفن والعمارة ، واليوم لا يُفهم الفن الحديث على أنه جسر انتقالي بين فترات الفن لأنه تعبير عن الأسلوب والروح والفكر الفكري لشخص ما. الإطار الزمني ، تمركز حول عام 1900. في بحثها لتأسيس جمالية حديثة حقًا ، أصبحت اللغة المرئية المحددة للحظة عابرة من العصر.


تاريخ تصميم آرت ديكو

الأيام الأولى (أوائل العشرينيات إلى منتصفها): أصبحت New Moderne (المصطلح لـ Art Deco حتى حصلت على لقب أكثر جاذبية في الستينيات) شائعًا في المعرض الفرنسي في عام 1920 كرد فعل عنيف ضد التصميمات الأكثر تقليدية التي كانت شائعة جدًا في ذلك الوقت. جمعت الحركة ، التي نشأت من فن الآرت نوفو الأكثر زخرفية ، العديد من الأساليب في ذلك الوقت ، بما في ذلك التكعيبية والتعاقب الفييني. بدأ آرت ديكو في الانطلاق في صناعة الأزياء والمجوهرات ، والتي بدأت بعد ذلك في التأثير على تصميم الأثاث ، والتي بدورها أبلغت أيضًا الحركة المعمارية. ارتبطت الهندسة المعمارية للديكو ارتباطًا جوهريًا بالفن والحركات الاجتماعية في ذلك الوقت: كان بيلتمور في لوس أنجلوس ووالدورف أستوريا في مدينة نيويورك ، وكلاهما من المباني الشهيرة ديكو ، المراكز الاجتماعية لمدنهم في أوائل العشرينات من القرن الماضي وجذبت الفنانين والمثقفين.

في ذروتها (منتصف العشرينيات): في حين أن المباني الأنيقة في بداية العشرينيات غالبًا ما كانت تتميز بسقوف مغطاة بأسقف مستوية وأفقية ، إلا أن المزيد والمزيد من المدن كانت تنمو عموديًا لاستيعاب الأعمال التجارية المتزايدة والبيئات الحضرية المركزة. بشكل ملائم ، يقول الكثيرون أن شعار تصميم آرت ديكو كان "إتقان السماء". كان آرت ديكو يدور حول الابتعاد عن الماضي وتمهيد طريق جديد للمستقبل ، ثقافيًا وجماليًا ، مما يعني الاحتفاظ ببعض العناصر الزخرفية ولكن أيضًا منحها لمسة عالمية أكثر أناقة. على هذا النحو ، ترتدي العديد من مباني فن الآرت ديكو "تاجًا" ، وهو الاسم المستعار للأرضيات غير القابلة للتأجير (يتحدث عن القيمة الزخرفية للتصميم الذي كانت هذه الحركة رائدة فيه حقًا). التيجان تجعل المباني أطول ومميزة ، تدعوك للبحث عنها.

مثل العلامات الأساسية لعشرينيات القرن الماضي وعصر الجاز ، تم تشكيل آرت ديكو من خلال التخفيف التدريجي للثقافة بشكل عام ، مع التركيز على المتعة والتعبير والإفراط. هذا الموقف كذب بطن قاتم (الكساد وبداية الحرب العالمية الثانية).

أواخر ديكو (ثلاثينيات القرن العشرين): أدى انهيار سوق الأوراق المالية في عام 1929 إلى الابتعاد عن الأساليب المتقنة والزخرفية لتصميم آرت ديكو السابق ، والذي يعكس الإيمان بالنمو التكنولوجي والاقتصادي. بالنسبة لمعظم المباني ، تباطأ التمويل أو توقف تمامًا ، وذلك عندما انطلق Streamlined Moderne ، وهو تفسير أبسط بكثير لتصميم Art Deco. من الناحية المرئية ، عُرفت هذه الأنماط بالعودة إلى الاتجاهات الأفقية وكانت أبسط بكثير ، حيث كان أي نوع من العروض التفاخر يعتبر شكلاً سيئًا.

لهذا السبب سترى الكثير من المباني التي تبدو أكثر انسيابية في كل مكان ولكن المستويات السفلية مع تباطؤ التمويل ، سيؤكد المهندسون المعماريون على المظلات والسرادقات. وإذا كانوا يعيدون بناء المباني القديمة ، فإنهم سيركزون على المستوى السفلي المواجه للشارع.

إرث ديكو اليوم: في معظم المدن خلال عشرينيات القرن الماضي ، كان وسط المدينة لا يزال بؤرة الحياة ، لذلك تم العثور على معظم الفنون في تلك الأحياء ، مما يعني أنها حصلت أيضًا على المزيد من التمويل. عندما بدأت الثروة في الانتقال إلى الضواحي بعد الحرب العالمية الثانية ، اعتمد الناس بدرجة أقل على المحلات التجارية والموارد في وسط المدينة ، لذلك حصلوا على تمويل أقل. نتيجة لذلك ، سقط العديد من تلك المجوهرات التي توجت في فن العمارة على طراز فن الآرت ديكو في حالة سيئة.

اليوم ، تجسد العديد من مباني Art Deco إعادة الاستخدام التكيفي ، وهو نهج للتطوير يعيد تخيل المساحات الحالية بوظائف جديدة و mdashsay ، مما يحول متجرًا لمرة واحدة إلى سكن سكني.


محتويات

المصطلح فن حديث تم استخدامه لأول مرة في ثمانينيات القرن التاسع عشر في الجريدة البلجيكية الفن الحديث لوصف عمل ليه فينجعشرين رسامًا ونحاتًا يسعون إلى الإصلاح من خلال الفن. شاع الاسم من قبل Maison de l'Art Nouveau ("House of the New Art") ، وهو معرض فني افتتح في باريس عام 1895 من قبل تاجر الفن الفرنسي الألماني Siegfried Bing. في بريطانيا ، المصطلح الفرنسي فن حديث كان شائعًا ، بينما في فرنسا ، غالبًا ما كان يطلق عليه المصطلح أسلوب حديث (أقرب إلى المصطلح البريطاني الطراز الحديث)، أو ستايل 1900. [9] في فرنسا ، كان يطلق عليه أحيانًا ستايل جول فيرن (بعد الروائي جول فيرن) ، ستايل ميترو (بعد مداخل مترو الأنفاق المصنوعة من الحديد والزجاج في هيكتور غيمارد) ، فن الحسناء Époque، أو الفن النهائي للعصر. [10]

يرتبط Art Nouveau بالأنماط التي ظهرت في العديد من البلدان في أوروبا في نفس الوقت تقريبًا ، ولكنها ليست متطابقة معها. غالبًا ما تم استخدام أسمائهم المحلية في بلدانهم لوصف الحركة بأكملها.

  • في بلجيكا ، كان يطلق عليه أحيانًا ستايل انقلاب fouet ("أسلوب الاصابة")، Paling Stijl ("نمط ثعبان البحر") ، أو أسلوب nouille ("أسلوب المعكرونة") من قبل منتقديها. [10]
  • في بريطانيا ، إلى جانب الفن الحديث ، كان يُعرف باسم الطراز الحديث، أو بسبب أعمال مدرسة غلاسكو ، مثل أسلوب غلاسكو. المصطلح عصري يستخدم أيضًا في أذربيجان وكازاخستان وروسيا وأوكرانيا و مودرناس في ليتوانيا.
  • في ألمانيا والدول الاسكندنافية ، كان يطلق عليه ريفورمستيل ("أسلوب الإصلاح") ، أو جوجيندستيل ("أسلوب الشباب") ، بعد المجلة الفنية الألمانية الشعبية بهذا الاسم ، [10] كذلك ويلينستيل ("نمط الموجة") ، أو ليلينستيل ("نمط الزنبق"). [9] يطلق عليه الآن جوجند في فنلندا والسويد والنرويج ، Juugend في إستونيا ، و Jūgendstils في لاتفيا.
  • في الدنمارك ، يُعرف باسم Skønvirke ("عمل الجمال").
  • في النمسا والدول المجاورة ثم جزء من الإمبراطورية النمساوية المجرية ، وينر جوجيندستيل، أو انشقاقات ("أسلوب الانفصال") ، بعد فناني انفصال فيينا (المجري: szecesszió، التشيكية: secese، السلوفاكية: سيسيسيا، تلميع: secesja).
  • في إيطاليا ، كان يُطلق عليه غالبًا أسلوب Liberty style ، على اسم Arthur Lasenby Liberty ، مؤسس شركة Liberty & amp Co في لندن ، والذي كانت تصميماته النسيجية شائعة. كان يطلق عليه أحيانًا أيضًا ستايل floreale ("نمط الأزهار") ، أو آرتي نوفا ("فن جديد"). [10]
  • في الولايات المتحدة ، نظرًا لارتباطه بـ Louis Comfort Tiffany ، كان يطلق عليه أحيانًا "أسلوب Tiffany". [3] [11] [9] [12]
  • في هولندا ، كان يطلق عليه نيو كونست ("الفن الجديد") ، أو نيو ستيجل ("أسلوب جديد"). [11] [9]
  • في البرتغال، آرتي نوفا.
  • فى اسبانيا، مودرنسمو, الحداثة (في الكاتالونية) و آرتي جوفن ("الفن الشاب").
  • في سويسرا ، Style Sapin ("نمط شجرة الصنوبر"). [9]
  • في فنلندا، كاليفالا ستايل.
  • في روسيا ، Модерн ("حديث") أو ، للرسم ، Мир Искусства (مير اسكوسستفا، "عالم الفن").
  • في اليابان، شيرو أوما. [13]
  • في رومانيا، عرتا نووي ("الفن الجديد") أو نول ستيل ("أسلوب جديد"). [14]

الأصول تحرير

طباعة خشبية يابانية بواسطة أوتاغاوا كونيسادا (خمسينيات القرن التاسع عشر)

تصميم المنسوجات المطبوعة ويليام موريس (1883)

تصميم ورق حائط البجعة والاندفاع والقزحية بواسطة والتر كرين (1883)

كرسي صممه آرثر ماكوردو (1882-1883)

تعود جذور الحركة الفنية الجديدة إلى بريطانيا ، في تصاميم الأزهار لوليام موريس ، وفي حركة الفنون والحرف اليدوية التي أسسها تلاميذ موريس. تشمل النماذج الأولية للأسلوب البيت الأحمر مع الديكورات الداخلية لموريس والهندسة المعمارية لفيليب ويب (1859) ، وغرفة الطاووس الفخمة لجيمس أبوت ماكنيل ويسلر. تأثرت الحركة الجديدة أيضًا بشدة برسامي ما قبل رافائيليت ، بما في ذلك دانتي غابرييل روسيتي وإدوارد بورن جونز ، وخاصة من قبل فناني الجرافيك البريطانيين في ثمانينيات القرن التاسع عشر ، بما في ذلك Selwyn Image و Heywood Sumner و Walter Crane و Alfred Gilbert وخاصة أوبري بيردسلي. [15] تم التعرف على الكرسي الذي صممه آرثر ماكموردو على أنه مقدمة لتصميم الآرت نوفو. [16]

في فرنسا ، تأثرت بالمنظر المعماري والمؤرخ Eugène Viollet-le-Duc ، وهو العدو المعلن للطراز المعماري التاريخي للفنون الجميلة. في كتابه 1872 Entretiens sur l'architectureكتب ، "استخدم الوسائل والمعرفة التي قدمها لنا عصرنا ، دون التقاليد المتداخلة التي لم تعد قابلة للحياة اليوم ، وبهذه الطريقة يمكننا افتتاح معمارية جديدة. لكل وظيفة مادتها لكل مادة شكلها و زخرفته ". [17] أثر هذا الكتاب على جيل من المهندسين المعماريين ، بما في ذلك لويس سوليفان وفيكتور هورتا وهيكتور غيمارد وأنطوني غاودي. [18]

لعب الرسامون الفرنسيون موريس دينيس وبيير بونارد وإدوار فويلارد دورًا مهمًا في دمج الرسم الفني مع الزخرفة. كتب دينيس في عام 1891: "أعتقد أنه قبل كل شيء يجب أن تزين اللوحة". "اختيار الموضوعات أو المشاهد ليس شيئًا. إنه من خلال قيمة النغمات والسطح الملون وتناغم الخطوط يمكنني الوصول إلى الروح و أيقظ المشاعر ". [19] قام هؤلاء الرسامون جميعًا بالرسم التقليدي والرسم الزخرفي على الشاشات والزجاج ووسائط أخرى. [20]

تأثير آخر مهم على النمط الجديد كان Japonism. كانت هذه موجة من الحماس لطباعة القوالب الخشبية اليابانية ، لا سيما أعمال هيروشيغي ، هوكوساي ، وأوتاغاوا كونيسادا ، التي تم استيرادها إلى أوروبا بداية من سبعينيات القرن التاسع عشر. أسس سيجفريد بينج المغامر مجلة شهرية ، لو جابون أرتيتيك في عام 1888 ، ونشر ستة وثلاثين عددًا قبل أن ينتهي في عام 1891. أثرت على كل من هواة الجمع والفنانين ، بما في ذلك جوستاف كليمت. ظهرت الملامح المنمقة للمطبوعات اليابانية في رسومات فن الآرت نوفو والخزف والمجوهرات والأثاث. منذ بداية عام 1860 ، ظهر تأثير الشرق الأقصى فجأة. في عام 1862 ، استطاع عشاق الفن من لندن أو باريس شراء الأعمال الفنية اليابانية ، لأنه في ذلك العام ظهرت اليابان لأول مرة كعارض في المعرض الدولي في لندن. أيضا في عام 1862 ، في باريس ، لابورت شينواز كان المتجر ، في شارع ريفولي ، مفتوحًا ، حيث تم بيع أوكييو-إي اليابانية وأشياء أخرى من الشرق الأقصى. في عام 1867 ، أمثلة على الحلي الصينية من قبل أوين جونز ظهرت ، وفي عام 1870 الفن والصناعات في اليابان بواسطة R. Alcock ، وبعد عامين ، نشر O. H. Moser و T.W Cutler كتبًا عن الفن الياباني. امتلك بعض فناني فن الآرت نوفو ، مثل فيكتور هورتا ، مجموعة من فنون الشرق الأقصى ، وخاصة اليابانية. [13]

سمحت التقنيات الجديدة في الطباعة والنشر لـ Art Nouveau بالوصول بسرعة إلى جمهور عالمي. لعبت المجلات الفنية ، المزودة بالصور والطباعة الحجرية الملونة ، دورًا أساسيًا في تعميم الأسلوب الجديد. الاستوديو في انجلترا، الفنون والآداب و الفن والديكور في فرنسا و جوجند في ألمانيا سمح للأسلوب بالانتشار بسرعة في جميع أنحاء أوروبا. حصل أوبري بيردسلي في إنجلترا ، ويوجين جراسيت ، وهنري دي تولوز لوتريك ، وفيليكس فالوتون على تقدير دولي كرسامين. [21] مع ملصقات جول شيريت للراقصة لوي فولر في عام 1893 ، وألفونس موتشا للممثلة سارة برنهارد في عام 1895 ، أصبح الملصق ليس إعلانًا فحسب ، بل أصبح شكلاً من أشكال الفن. خصصت سارة برنهارد عددًا كبيرًا من ملصقاتها لبيعها لهواة الجمع. [22]

التنمية - بروكسل (1893 - 1898) تحرير

واجهة فندق Tassel لفيكتور هورتا (1892-1893)

درج فندق Tassel

كرسي Bloemenwerf الذي صنعه Van de Velde لإقامته (1895)

تم بناء أول منازل مدينة على طراز فن الآرت نوفو ، منزل هانكار من تصميم بول هانكار (1893) وفندق تاسيل بواسطة فيكتور هورتا (1892–1893) ، [4] [5] في وقت واحد تقريبًا في بروكسل. استوحى هانكار بشكل خاص من نظريات المهندس المعماري الفرنسي أوجين فيوليت لو دوك. بهدف إنشاء توليفة من الفنون الجميلة والفنون الزخرفية ، أحضر Adolphe Crespin [fr] و Albert Ciamberlani [fr] لتزيين الداخل والخارج بـ سغرافيتو، أو الجداريات. قام هانكر بتزيين المتاجر والمطاعم وصالات العرض فيما وصفه ناقد محلي بأنه "هذيان حقيقي من الأصالة". توفي عام 1901 ، عندما بدأت الحركة في الحصول على الاعتراف. [23]

كان فيكتور هورتا من بين المهندسين المعماريين الأكثر تأثيرًا في فن الآرت نوفو المبكر ، وكان فندق Hôtel Tassel (1892–1893) أحد معالم الأسلوب. [24] [25] كان تدريب هورتا المعماري كمساعد لألفونس بالات ، مهندس معماري ليوبولد الثاني في بلجيكا ، حيث قام ببناء صوب زجاجية ضخمة من الحديد والزجاج في لاكن. [26] في 1892-1893 ، استخدم هذه التجربة لاستخدام مختلف تمامًا. قام بتصميم مسكن الكيميائي البلجيكي البارز إميل تاسيل في موقع ضيق للغاية وعميق. كان العنصر المركزي للمنزل هو السلم ، غير المحاط بالجدران ، ولكنه مفتوح ، ومزين بدرابزين من الحديد المطاوع ، ويوضع تحت كوة عالية. كانت الأرضيات مدعومة بأعمدة حديدية رفيعة مثل جذوع الأشجار. تم تزيين الأرضيات والجدران الفسيفسائية بأرابيسك رقيق بأشكال نباتية ونباتية ، والتي أصبحت أكثر توقيعات الأسلوب شهرة. [27] [28] في فترة قصيرة ، بنى هورتا ثلاثة منازل أخرى ، جميعها ذات تصميمات داخلية مفتوحة ، وكلها مزودة بمناور لأقصى قدر من الإضاءة الداخلية: فندق سولفاي ، وفندق فان إيتفيلدي ، وميزون وأتيليه هورتا. الأربعة جميعهم الآن جزء من أحد مواقع التراث العالمي لليونسكو.

كان هنري فان دي فيلدي ، المولود في أنتويرب ، شخصية مؤسِّسة أخرى في ولادة الفن الحديث. تضمنت تصميمات Van de Velde التصميم الداخلي لمقر إقامته ، Bloemenwerf (1895). [29] [30] الشكل الخارجي للمنزل مستوحى من البيت الأحمر ، مقر إقامة الكاتب والمنظر ويليام موريس ، مؤسس حركة الفنون والحرف اليدوية. تدرب Van de Velde كرسام ، وتحول إلى الرسم التوضيحي ، ثم إلى تصميم الأثاث ، وأخيراً إلى الهندسة المعمارية. بالنسبة إلى Bloemenwerf ، ابتكر المنسوجات وورق الحائط والأواني الفضية والمجوهرات وحتى الملابس التي تتناسب مع أسلوب الإقامة. [31] ذهب فان دي فيلدي إلى باريس ، حيث صمم الأثاث والديكور لصامويل بينج ، الذي أعطى معرضه في باريس اسمه لهذا النمط. كان أيضًا من أوائل منظري الفن الحديث ، حيث طالب باستخدام خطوط ديناميكية متعارضة في كثير من الأحيان. كتب فان دي فيلدي: "الخط هو قوة مثل كل القوات الأولية الأخرى. العديد من الخطوط مجتمعة ولكن معارضة لها وجود قوي مثل العديد من القوات". في عام 1906 ، غادر بلجيكا إلى فايمار (ألمانيا) ، حيث أسس مدرسة جراند دوكال للفنون والحرف ، حيث تم حظر تدريس الأساليب التاريخية. لعب دورًا مهمًا في Werkbund الألمانية ، قبل أن يعود إلى بلجيكا. [32]

رافق ظهور فن العمارة على طراز فن الآرت نوفو في بروكسل موجة من الفن الزخرفي بأسلوب جديد. كان من بين الفنانين المهمين غوستاف سترافن ، الذي استخدم الحديد المطاوع لتحقيق تأثيرات الباروك على واجهات بروكسل ، مصمم الأثاث غوستاف سيرورييه بوفي ، المعروف بكراسيه الأصلية للغاية والأثاث المعدني المفصلي ومصمم المجوهرات فيليب ولفرس ، الذي صنع المجوهرات على شكل اليعسوب والفراشات والبجع والثعابين. [33]

جذب معرض بروكسل الدولي الذي أقيم في عام 1897 الانتباه الدولي إلى أسلوب هورتا وهانكار وفان دي فيلدي وسيرورييه بوفي ، من بين آخرين ، شاركوا في تصميم المعرض ، وأنشأ هنري بريفات ليفمونت الملصق الخاص بالمعرض.

باريس - Maison de l'Art Nouveau (1895) و Castel Beranger (1895–1898) تحرير

دعا Siegfried Bing الفنانين لعرض أعمالهم الحديثة في منزله الجديد Maison de l'Art Nouveau (1895).

معرض Maison de l'Art Nouveau لـ Siegfried Bing (1895)

ملصق من Félix Vallotton للدار الجديد Maison de l'Art Nouveau (1896)

لعب تاجر الفن الفرنسي الألماني والناشر Siegfried Bing دورًا رئيسيًا في الإعلان عن الأسلوب. في عام 1891 ، أسس مجلة مكرسة لفن اليابان ، والتي ساعدت في نشر الجابونيزم في أوروبا. في عام 1892 ، قام بتنظيم معرض لسبعة فنانين ، من بينهم بيير بونارد ، وفيليكس فالوتون ، وإدوار فويلارد ، وتولوز لوتريك ويوجين غراست ، والذي تضمن الرسم الحديث والعمل الزخرفي. تم عرض هذا المعرض في Société nationale des beaux-Arts في عام 1895. وفي نفس العام ، افتتح Bing معرضًا جديدًا في 22 rue de Provence في باريس ، Maison de l'Art Nouveau ، مكرسًا لأعمال جديدة في كل من الفنون الجميلة و الفنون الزخرفية. تم تصميم الديكور الداخلي والأثاث للمعرض من قبل المهندس المعماري البلجيكي هنري فان دي فيلدي ، أحد رواد فن العمارة على طراز فن الآرت نوفو. ال Maison de l'Art Nouveau عرضت لوحات لجورج سورات وبول سينياك وتولوز لوتريك ، وزجاج من لويس كومفورت تيفاني وإميل غالي ، ومجوهرات لرينيه لاليك ، وملصقات لأوبري بيردسلي. الأعمال المعروضة لم تكن موحدة في الأسلوب على الإطلاق. كتب Bing في عام 1902 ، "لم تكن آرت نوفو ، في وقت إنشائها ، تطمح بأي شكل من الأشكال في الحصول على شرف أن تصبح مصطلحًا عامًا. لقد كان ببساطة اسم منزل تم افتتاحه كنقطة تجمع لجميع الشباب والشابات. الفنانين المتحمسين نفد صبرهم لإظهار حداثة ميولهم ". [34]

لوحظ هذا النمط بسرعة في فرنسا المجاورة. بعد زيارة Horta Hôtel Tassel ، بنى Hector Guimard Castel Béranger ، من بين المباني الأولى في باريس على الطراز الجديد ، بين 1895 و 1898. [ملحوظة 1] كان الباريسيون يشكون من رتابة الهندسة المعمارية للشوارع التي بنيت في عهد نابليون الثالث من قبل جورج أوجين هوسمان. كان Castel Beranger مزيجًا مثيرًا للفضول بين القوطية الجديدة والفن الحديث ، مع خطوط منحنية وأشكال طبيعية. صرح Guimard ، وهو دعاية ماهر لعمله ، قائلاً: "ما يجب تجنبه بأي ثمن هو. التوازي والتماثل. الطبيعة هي أعظم باني على الإطلاق ، والطبيعة لا تصنع شيئًا متوازيًا ولا شيء متماثل." [36]

رحب الباريسيون بأسلوب Guimard الأصلي والرائع ، تم اختيار Castel Béranger كواحدة من أفضل الواجهات الجديدة في باريس ، حيث أطلق مسيرة Guimard. تم تكليف Guimard بتصميم مداخل نظام Paris Métro الجديد ، والذي جذب انتباه ملايين الزوار إلى المدينة عام 1900. معرض يونيفرسيل. [10]

باريس معرض يونيفرسيل (1900) تحرير

جناح بيجوت ، الذي يعرض أعمال فنان الخزف ألكسندر بيغو

مدخل الجناح النمساوي يضم معروضات من تصميم جوزيف هوفمان

مدخل محطة مترو باريس في Abbesses الذي صممه Hector Guimard لعام 1900 المعرض العالمي

حاز كل من أرماس ليندغرين وإيليال سارينن على تقدير دولي لتصميمهما جناح فنلندا

قائمة الطعام التي صممها ألفونس موتشا لمطعم جناح البوسنة

Portico of the Sevres Porcelain Pavilion (1900) ، الآن على ساحة Félix-Desruelles في باريس

باريس 1900 المعرض العالمي يمثل ذروة فن الآرت نوفو. بين أبريل ونوفمبر 1900 ، استقطب ما يقرب من خمسين مليون زائر من جميع أنحاء العالم ، وعرض العمارة والتصميم والأواني الزجاجية والأثاث والأشياء الزخرفية من الطراز. غالبًا ما كانت بنية المعرض عبارة عن مزيج من فن الآرت نوفو والهندسة المعمارية للفنون الجميلة: كانت قاعة العرض الرئيسية ، القصر الكبير بواجهة من الفنون الجميلة لا علاقة لها تمامًا بدرج الفن الحديث المذهل وقاعة العرض في الداخل.

قام المصممون الفرنسيون جميعًا بأعمال خاصة للمعرض: مجوهرات Lalique Crystal و Jewellery من تصميم Henri Vever و Georges Fouquet Daum glass ، و Manufacture nationale de Sèvres من الخزف الخزفي من قبل Alexandre Bigot من المصابيح الزجاجية والمزهريات المنحوتة من قبل أثاث إميل غالي من قبل إدوارد كولونا ولويس ماجوريل. العديد من شركات الفنون والحرف البارزة الأخرى. في معرض باريس عام 1900 ، قدم سيجفريد بينج جناحًا يسمى فن الآرت نوفو بينغ، والتي تضم ستة تصميمات داخلية مختلفة مزينة بالكامل على الطراز. [37] [38]

كان المعرض أول معرض دولي لمصممي وفناني فن الآرت نوفو من جميع أنحاء أوروبا وخارجها. كان من بين الفائزين بالجوائز والمشاركين ألفونس موتشا ، الذي صنع جداريات لجناح البوسنة والهرسك وصمم قائمة لمطعم الجناح ، المصممون والمصممون برونو بول وبرونو مورينغ من بافاريا كارلو بوجاتي من تورين بيرنهاردت بانكوك من المهندس المعماري الروسي - المصمم Fyodor Schechtel و Louis Comfort Tiffany and Company من الولايات المتحدة. [39] كان المهندس المعماري الفييني أوتو فاجنر عضوًا في لجنة التحكيم ، وقدم نموذجًا للحمام المصمم على طراز فن الآرت نوفو لشقته في بلدته في فيينا ، والذي يتميز بحوض استحمام زجاجي. [40] صمم جوزيف هوفمان معرض فيينا في معرض باريس ، وسلط الضوء على تصاميم انفصال فيينا. [41] حاز إيليال سارينن لأول مرة على تقدير دولي لتصميمه الخيالي لجناح فنلندا. [42]

في حين أن معرض باريس كان الأكبر إلى حد بعيد ، فإن المعارض الأخرى فعلت الكثير لتعميم الأسلوب. كان معرض برشلونة العالمي لعام 1888 بمثابة بداية لأسلوب Modernisme في إسبانيا ، مع بعض المباني في Lluís Domènech i Montaner. ال Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna عام 1902 في تورينو بإيطاليا ، عرض مصممين من جميع أنحاء أوروبا ، بما في ذلك فيكتور هورتا من بلجيكا وجوزيف ماريا أولبريتش من فيينا ، جنبًا إلى جنب مع فنانين محليين مثل كارلو بوجاتي وجاليليو تشيني وأوجينيو كوارتي. [43]

الفن الحديث في فرنسا تحرير

ملصق للراقصة لوي فولر لجول شيريت (1893)

ملصق ألفونس موتشا لـ جيسموندا بطولة سارة برنهارد (1894)

درج قصر بيتي ، باريس (1900)

مدخل مبنى لافيروت لجول لافيروت ، 29 ، شارع راب، باريس (1901)

محل المجوهرات جورج فوكيه في 6 ، شارع رويال، باريس ، صممه ألفونس موتشا ، الآن في متحف كارنافاليت (1901)

مشط من القرن والذهب والماس برينيه لاليك (سي 1902) (متحف أورسيه)

فيلا ماجوريل في نانسي لمصمم الأثاث لويس ماجوريل للمهندس هنري سوفاج (1901–02)

أثاث غرفة نوم فيلا ماجوريل (1901–02) ، الآن في متحف نانسي للفنون الجميلة

شواية من الزجاج والحديد المطاوع للباب الأمامي لفيلا ماجوريل (1901)

بعد معرض عام 1900 ، كانت باريس عاصمة الفن الحديث. تم بناء المساكن الأكثر فخامة في الأسلوب من قبل Jules Lavirotte ، الذي غطى الواجهات بالكامل بزخارف منحوتة من السيراميك. المثال الأكثر لمعانًا هو مبنى Lavirotte ، في 29 ، شارع راب (1901). تتميز مباني المكاتب والمتاجر الكبرى بساحات فناء عالية مغطاة بقباب زجاجية ملونة وزخارف خزفية. كان النمط شائعًا بشكل خاص في المطاعم والمقاهي ، بما في ذلك مكسيم على الساعة 3، شارع رويال، و لو ترين بلو في Gare de Lyon (1900). [44]

جذبت حالة باريس الفنانين الأجانب إلى المدينة. كان الفنان السويسري المولد يوجين غراسيت من أوائل المبدعين لملصقات الفن الحديث الفرنسية. ساعد في تزيين الملهى الشهير Le Chat Noir في عام 1885 ، وقام بعمل ملصقاته الأولى لـ Fêtes de Paris وملصق شهير لسارة برنهارد في عام 1890. في باريس ، درس في مدرسة غيران للفنون (École normale d'enseignement du dessin) ، حيث كان من بين طلابه أوغوستو جياكوميتي وبول بيرثون. [45] [46] ابتكر ثيوفيل ألكسندر شتاينلن المولود في سويسرا الملصق الشهير لكاباريه باريس لو شات نوير في عام 1896. وصل الفنان التشيكي ألفونس موتشا (1860-1939) إلى باريس عام 1888 ، وفي عام 1895 ، رسم ملصقًا للممثلة سارة برنهارد في المسرحية. جيسموندا بواسطة Victorien Sardou في Théâtre de la Renaissance. أدى نجاح هذا الملصق إلى عقد لإنتاج ملصقات لستة مسرحيات أخرى لبرنهاردت.

أصبحت مدينة نانسي في لورين العاصمة الفرنسية الأخرى للأسلوب الجديد. في عام 1901 ، تم إصدار التحالف الإقليمي للصناعات الفنية، المعروف أيضًا باسم مدرسة نانسي، مكرسة لزعزعة التسلسل الهرمي الذي يضع الرسم والنحت فوق الفنون الزخرفية. كان من بين الفنانين الرئيسيين العاملين هناك المزهرية الزجاجية ومصباح المصباح إميل جالي ، والإخوان دوم في تصميم الزجاج ، والمصمم لويس ماجوريل ، الذي صنع أثاثًا بأشكال نباتية وزهرية رشيقة. جلب المهندس المعماري هنري سوفاج الطراز المعماري الجديد إلى نانسي بفيلا ماجوريل في عام 1902.

تم نشر النمط الفرنسي على نطاق واسع من قبل المجلات الجديدة ، بما في ذلك الاستوديو, الفنون والآداب و الفن والديكور، التي جعلت صورها وطباعتها الحجرية الملونة أسلوبها معروفًا للمصممين والعملاء الأثرياء حول العالم.

في فرنسا ، وصل الأسلوب إلى ذروته في عام 1900 ، وبعد ذلك انزلق سريعًا عن الموضة ، واختفى فعليًا من فرنسا بحلول عام 1905. كان الفن الحديث أسلوبًا فاخرًا يتطلب خبراء وحرفيين ذوي رواتب عالية ، ولا يمكن أن يكون بسهولة أو بثمن بخس. -أنتجت. كانت زجاجة العطر واحدة من منتجات Art Nouveau القليلة التي يمكن إنتاجها بكميات كبيرة ، ولا تزال تُصنع بأسلوب اليوم.

الفن الحديث في بلجيكا تحرير

تفاصيل الحديقة الشتوية في فندق فان إيتفيلدي

متجر متعدد الأقسام سابقًا في إنجلترا القديمة من تصميم Paul Saintenoy ، بروكسل (1898-1899)

منزل سان سير لجوستاف سترافن ، بروكسل (1901-1903)

منزل المهندس المعماري بول كاوتشي يضم سغرافيتو ، بروكسل (1905)

سرير ومرآة من تصميم Gustave Serrurier-Bovy (1898-1899) ، الآن في متحف أورسيه ، باريس

فيليب ولفرس ، بلوم دي باون ، (مجموعة مؤسسة King Baudouin ، المستودع: KMKG-MRAH)

كانت بلجيكا مركزًا مبكرًا لفن الآرت نوفو ، ويرجع الفضل في ذلك إلى حد كبير إلى الهندسة المعمارية لفيكتور هورتا ، الذي صمم واحدًا من أوائل منازل الفن الحديث ، وهو Hôtel Tassel في عام 1893 ، وثلاثة منازل أخرى في أشكال مختلفة من نفس الطراز. هم الآن مواقع التراث العالمي لليونسكو. كان لـ Horta تأثير قوي على عمل الشاب هيكتور غيمارد ، الذي جاء لرؤية Hôtel Tassel قيد الإنشاء ، وأعلن لاحقًا أن Horta كان "مخترع" Art Nouveau. [47] لم يكن ابتكار هورتا هو الواجهة ، ولكن التصميم الداخلي ، باستخدام وفرة من الحديد والزجاج لفتح المساحات وإغراق الغرف بالضوء ، وتزيينها بأعمدة من الحديد المطاوع ودرابزين بأشكال نباتية منحنية ، والتي تردد صداها على الأرضيات والجدران وكذلك الأثاث والسجاد الذي صممه هورتا. [48]

كان بول هانكار رائدًا آخر في فن الآرت نوفو في بروكسل. تم الانتهاء من منزله في عام 1903 ، وهو نفس العام الذي تم فيه إنشاء Horta Hôtel Tassel ، وظهرت فيه جداريات sgraffiti على الواجهة. تأثر هانكار بكل من فيوليت لو دوك وأفكار حركة الفنون والحرف الإنجليزية. كانت فكرته هي الجمع بين الفنون الزخرفية والفنون الجميلة في كل متماسك. كلف النحات ألفريد كريك والرسام Adolphe Crespin [بالفرنسية] لتزيين واجهات المنازل بأعمالهم. كان أبرز مثال على ذلك هو المنزل والاستوديو الذي تم بناؤه للفنان ألبرت سيامبرلاني في سن 48 ، شارع Defacqz/Defacqzstraat في بروكسل ، حيث ابتكر من أجلها واجهة غزيرة مغطاة بجداريات sgraffito ذات الأشكال والزخارف المرسومة ، مما أعاد إنشاء الهندسة المعمارية الزخرفية لـ Quattrocento ، أو إيطاليا في القرن الخامس عشر. [26] توفي هنكر في عام 1901 ، عندما كان عمله يتلقى التقدير. [49]

كان Gustave Strauven مساعدًا لهورتا ، قبل أن يبدأ ممارسته الخاصة في سن 21 عامًا. أشهر أعماله هو Maison Saint Cyr في ساحة Ambiorix في بروكسل. يبلغ عرضها أربعة أمتار فقط ، وهي مزينة من الأعلى إلى الأسفل بزخرفة منحنية ، على طراز فن الآرت نوفو-الباروك تقريبًا.

من بين الفنانين المهمين الآخرين في فن الآرت نوفو من بلجيكا المهندس المعماري والمصمم هنري فان دي فيلدي ، على الرغم من أن الجزء الأكثر أهمية من حياته المهنية قضى في ألمانيا ، فقد أثر بشدة على زخرفة Jugendstil. ومن بين آخرين مصمم الديكور غوستاف سيرورييه بوفي وفنان الجرافيك فرناند خنوف. [5] [50] [51] استفاد المصممون البلجيكيون من الإمدادات الوفيرة من العاج المستورد من المنحوتات المختلطة في الكونغو البلجيكية ، وكان الجمع بين الحجر والمعادن والعاج ، من قبل فنانين مثل فيليب ولفرز ، ذائع الصيت. [52]

نيو كونست في هولندا تحرير

بورصة السلع في أمستردام ، بقلم هندريك بيتروس بيرلاج (1896-1903)

خزانة / مكتب من Berlage (1898)

ملصق زيت سلطة دلفت بواسطة جان تروب (1893)

مزهرية بتصميم زهور تجريدية من تصميم ثيو كولينبراندر (1898)

إناء من البورسلين صممه J. Jurriaaan Kok وزينه W.R. Sterken (1901)

في هولندا ، كان النمط معروفًا باسم نيو ستيجل ("نمط جديد") ، أو نيو كونست ("الفن الجديد") ، واتخذ اتجاهًا مختلفًا عن الأسلوب الزهري والأنيق في بلجيكا. وقد تأثرت بأشكال هندسية ومنمقة أكثر من Jugendstil الألمانية وانفصال فيينا النمساوي. [52] كما تأثرت بالفن والأخشاب المستوردة من إندونيسيا ، ثم جزر الهند الشرقية الهولندية ، ولا سيما تصاميم المنسوجات والباتيك من جاوة.

كان أهم مهندس معماري ومصمم أثاث في الأسلوب هندريك بيتروس بيرلاج ، الذي ندد بالأنماط التاريخية ودافع عن الهندسة المعمارية الوظيفية البحتة. كتب: "من الضروري محاربة فن الوهم ، والتعرف على الكذب ، من أجل العثور على الجوهر وليس الوهم". [53] مثل فيكتور هورتا وجاودي ، كان من المعجبين بالنظريات المعمارية لفوليت لو دوك. [53] تم تصميم أثاثه ليكون وظيفيًا بصرامة ، ولاحترام الأشكال الطبيعية للخشب ، بدلاً من ثنيه أو لفه كما لو كان معدنًا. وأشار إلى مثال الأثاث المصري ، وفضل الكراسي بزوايا قائمة. كان أول وأشهر أعماله المعمارية هي Beurs van Berlage (1896-1903) ، بورصة السلع في أمستردام ، والتي بناها وفقًا لمبادئ البنائية. كان كل شيء عمليًا ، بما في ذلك خطوط المسامير التي كانت تزين جدران الغرفة الرئيسية. غالبًا ما قام بتضمين أبراج عالية جدًا لمبانيه لجعلها أكثر بروزًا ، وهي ممارسة استخدمها مهندسو فن الآرت نوفو الآخرون في تلك الفترة ، بما في ذلك جوزيف ماريا أولبريتش في فيينا وإيلييل سارينن في فنلندا. [54]

تشمل المباني الأخرى في الطراز الفندق الأمريكي (1898-1900) ، وكذلك من قبل بيرلاج وأستوريا (1904-1905) لهيرمان هندريك باندرز وجيريت فان أركيل في أمستردام ومحطة السكك الحديدية في هارلم (1906-1908) والمكتب السابق بناء خطوط هولاند أمريكا (1917) في روتردام ، والآن فندق نيويورك.

شمل فناني الجرافيك والرسامين البارزين في الأسلوب جان توروب ، الذي يميل عمله نحو التصوف والرمزية ، حتى في ملصقاته الخاصة بزيت السلطة. في ألوانهم وتصميماتهم ، أظهروا أحيانًا تأثير فن جافا. [54]

ومن الشخصيات المهمة في صناعة الخزف والبورسلين الهولندي جوريان كوك وتيو كولينبراندر. استخدموا نمط الأزهار الملونة وزخارف فن الآرت نوفو الأكثر تقليدية ، جنبًا إلى جنب مع أشكال غير عادية من الفخار والألوان الداكنة والفاتحة المتناقضة ، المستعارة من زخرفة الباتيك في جافا. [55]

مودرن ستايل ومدرسة غلاسكو في بريطانيا تحرير

مبنى الحانة (1899-1900) بواسطة James Hoey Craigie (1870-1930). 59 طريق دمبارتون ، غلاسكو

تصميم الغلاف من قبل آرثر ماكموردو لكتاب عن كريستوفر رين (1883)

مبنى "ذا هاتراك" لجيمس سالمون ، 142 أ ، 144 شارع سانت فنسنت ، غلاسكو (1899-1902)

أعمال طباعة إيفيرارد السابقة ، شارع برود ، بريستول ، بقلم هنري ويليامز (1900)

تعود جذور الفن الحديث إلى بريطانيا ، في حركة الفنون والحرف اليدوية التي بدأت في ستينيات القرن التاسع عشر ووصلت إلى الاعتراف الدولي بحلول ثمانينيات القرن التاسع عشر. دعت إلى معالجة أفضل للفنون الزخرفية ، واستلهمت من الحرف والتصميم في العصور الوسطى ، والطبيعة. [56] أحد الأمثلة المبكرة البارزة على الطراز الحديث هو تصميم آرثر ماكموردو لغلاف مقالته عن كنائس مدينة السير كريستوفر رين ، والتي نُشرت عام 1883 ، وكذلك كرسيه الماهوجني من نفس العام. [57]

ومن بين المبتكرين المهمين الآخرين في بريطانيا مصممي الجرافيك أوبري بيردسلي الذي تضمنت رسوماته الخطوط المنحنية التي أصبحت السمة الأكثر شهرة في الأسلوب. يمكن أيضًا إضافة الحديد المطاوع المتدفق بحرية من ثمانينيات القرن التاسع عشر ، أو بعض تصميمات المنسوجات الزهرية المسطحة ، والتي يدين معظمها ببعض الزخم لأنماط تصميم القرن التاسع عشر. ومن بين فناني الجرافيك البريطانيين الآخرين الذين احتلوا مكانة مهمة في الأسلوب والتر كرين وتشارلز أشبي. [58]

لعب متجر Liberty متعدد الأقسام في لندن دورًا مهمًا ، من خلال تصميماته الزهرية الملونة والمنسوجة للمنسوجات ، وتصميمات الفضة والقصاصات والمجوهرات لمانكسمان (من أصل اسكتلندي) أرشيبالد نوكس. انفصلت تصاميمه للمجوهرات من المواد والأشكال تمامًا عن التقاليد التاريخية لتصميم المجوهرات.

بالنسبة للهندسة المعمارية وتصميم الأثاث على طراز فن الآرت نوفو ، كان مركز غلاسكو أهم مركز في بريطانيا ، مع إبداعات تشارلز ريني ماكينتوش ومدرسة جلاسكو ، التي استلهم عملها من العمارة البارونية الاسكتلندية والتصميم الياباني. [59] وابتداءً من عام 1895 ، عرض ماكينتوش تصميماته في المعارض الدولية في لندن وفيينا وتورينو ، وقد أثرت تصميماته بشكل خاص على أسلوب الانفصال في فيينا. تضمنت إبداعاته المعمارية مبنى غلاسكو هيرالد (1894) ومكتبة مدرسة غلاسكو للفنون (1897). كما اكتسب سمعة كبيرة كمصمم أثاث ومصمم ديكور ، حيث عمل عن كثب مع زوجته ، مارغريت ماكدونالد ماكينتوش ، رسامة ومصممة بارزة. معًا ، ابتكروا تصميمات مذهلة جمعت بين الخطوط المستقيمة الهندسية والزخرفة الزهرية المنحنية بلطف ، ولا سيما الرمز الشهير للأسلوب ، وردة غلاسكو ".

قدم Léon-Victor Solon مساهمة مهمة في صناعة الخزف على طراز Art Nouveau كمدير فني في Mintons. تخصص في اللوحات والمزهريات المبطنة بالأنبوب التي يتم تسويقها على أنها "أدوات انفصالية" (عادة ما توصف بأنها تحمل اسم حركة الفن الفيينية). [61] بصرف النظر عن السيراميك ، قام بتصميم منسوجات لصناعة حرير الكراث [62] ومضاعفة لمجلد الكتب (جي تي باجولي من نيوكاسل تحت حكم لايم) ، الذي حصل على براءة اختراع ساذرلاند ملزمة في عام 1895.

ربما كان جورج سكيبر أكثر مهندسي فن الآرت نوفو نشاطًا في إنجلترا. يتميز مبنى إدوارد إيفيرارد في بريستول ، الذي تم بناؤه خلال الفترة من 1900 إلى 0101 لإيواء أعمال الطباعة الخاصة بإدوارد إيفيرارد ، بواجهة على طراز فن الآرت نوفو. الأرقام المصورة هي ليوهانس جوتنبرج وويليام موريس ، وكلاهما بارز في مجال الطباعة.يرمز الشكل المجنح إلى "روح النور" ، بينما يرمز الشكل الذي يحمل مصباحًا ومرآة إلى النور والحقيقة.

جوجيندستيل في ألمانيا تحرير

غلاف مقلاة مجلة جوزيف ساتلر (1895)

غلاف جوجند بواسطة أوتو إكمان (1896)

نسيج البجع الخمس بواسطة أوتو إكمان (1896–97)

مقبض باب Jugendstil في برلين (حوالي عام 1900)

طقم غرفة طعام Jugendstil وأطباق من تصميم Peter Behrens (1900–1901)

صحن بيوتر Jugendstil من تصميم WMF رقم 232. ج 1906

يُعرف الفن الألماني الحديث باسمه الألماني ، جوجيندستيل، أو "أسلوب الشباب". الاسم مأخوذ من المجلة الفنية ، يموت Jugend، أو شباب، الذي تم نشره في ميونيخ. تأسست المجلة عام 1896 على يد جورج هيرث ، وظل محررًا حتى وفاته عام 1916. واستمرت المجلة حتى عام 1940. خلال أوائل القرن العشرين ، جوجيندستيل تم تطبيقه فقط على فنون الرسم. [63] وأشار بشكل خاص إلى أشكال الطباعة والتصميم الجرافيكي الموجودة في المجلات الألمانية مثل جوجند, مقلاة، و Simplicissimus. جوجيندستيل تم تطبيقه لاحقًا على إصدارات أخرى من Art Nouveau في ألمانيا ، هولندا. تم استعارة المصطلح من الألمانية بعدة لغات من دول البلطيق ودول الشمال لوصف الفن الحديث (انظر قسم التسمية). [11] [64]

في عام 1892 اختار جورج هيث اسم انفصال ميونيخ لجمعية الفنانين التشكيليين في ميونيخ. تأسس انفصال فيينا عام 1897 ، [65] كما أخذ انفصال برلين أسمائهم من مجموعة ميونيخ.

المجلات جوجند و Simplicissimus، المنشورة في ميونيخ ، و مقلاة، التي نُشرت في برلين ، كانت من المؤيدين المهمين لـ جوجيندستيل. جوجيندستيل جمع الفن بين المنحنيات المتعرجة والمزيد من الخطوط الهندسية ، واستخدم في أغلفة الروايات والإعلانات وملصقات المعارض. غالبًا ما ابتكر المصممون أنماطًا أصلية من الخطوط التي تعمل بانسجام مع الصورة ، على سبيل المثال محرف أرنولد بوكلين في عام 1904.

كان أوتو إيكمان أحد أبرز الفنانين الألمان المرتبطين بكليهما يموت Jugend و مقلاة. كان حيوانه المفضل هو البجعة ، وكان تأثيره كبيرًا لدرجة أن البجعة أصبحت بمثابة رمز للحركة بأكملها. المصمم البارز الآخر في الأسلوب هو ريتشارد ريمرشميد ، الذي صنع الأثاث والفخار والأشياء الزخرفية الأخرى بأسلوب هندسي رصين يشير إلى آرت ديكو. [66] رسم الفنان السويسري هيرمان أوبريست ، المقيم في ميونيخ ، صورة انقلاب fouet أو الحافز ، وهو منحنى مزدوج منمق للغاية يوحي بالحركة المأخوذة من ساق زهرة بخور مريم.

منزل إرنست لودفيج لجوزيف ماريا أولبريتش (1900) يستضيف الآن متحف دارمشتات كولوني

مجمع سبا سبروديلهوف في باد نوهايم (1905-1911)

باب على طراز فن الآرت نوفو بزخرفة عباد الشمس (ريبنيك سيليزيا)

تأسست مستعمرة دارمشتات للفنانين في عام 1899 على يد إرنست لودفيج ، دوق هيس الأكبر. المهندس المعماري الذي بنى منزل الدوق الكبير ، بالإضافة إلى أكبر مبنى للمستعمرة (برج الزفاف) ، كان جوزيف ماريا أولبريتش ، أحد مؤسسي انفصال فيينا. ومن الفنانين البارزين الآخرين في المستعمرة بيتر بيرنس وهانس كريستيانسن. كلف إرنست لودفيج أيضًا بإعادة بناء مجمع السبا في باد نوهايم في بداية القرن. تم إنشاء مجمع Sprudelhof [de] الجديد تمامًا في 1905-1911 تحت إشراف Wilhelm Jost [de] وحقق أحد الأهداف الرئيسية لـ Jugendstil: توليف جميع الفنون. [67] عضو آخر في الأسرة الحاكمة أمر ببناء فن الآرت نوفو هو الأميرة إليزابيث من ولاية هيسن وبواسطة الراين. أسست دير Marfo-Mariinsky في موسكو عام 1908 وتم التعرف على katholikon باعتباره تحفة فنية على طراز فن الآرت نوفو. [68]

اتحاد آخر بارز في الإمبراطورية الألمانية كان دويتشر ويركبوند ، الذي تأسس في عام 1907 في ميونيخ بتحريض من هيرمان موتيسيوس من قبل فنانين من دارمشتات كولوني جوزيف ماريا أولبريتش وبيتر بيرينز من قبل مؤسس آخر لانفصال فيينا جوزيف هوفمان ، وكذلك من قبل وينر ويركستاتي (تأسست بواسطة Hoffmann) ، لريتشارد ريمرشميد ، برونو بول وفنانين وشركات أخرى. [69] لاحقًا انضم البلجيكي هنري فان دي فيلدي إلى الحركة [رقم 2]. كانت مدرسة Grand-Ducal للفنون والحرف [دي] ، التي أسسها في فايمار ، سلفًا لمدرسة باوهاوس ، أحد أكثر التيارات تأثيرًا في العمارة الحداثية. [71]

تم اختيار Jugendstil في برلين لبناء العديد من محطات السكك الحديدية. أبرزها [72] هو Bülowstraße بواسطة Bruno Möhring (1900–1902) ، والأمثلة الأخرى هي Mexikoplatz (1902–1904) ، و Botanischer Garten (1908–1909) ، و Frohnau (1908–1910) ، و Wittenbergplatz (1911–1913) و Pankow (1912-1914) محطات. هيكل آخر بارز في برلين هو Hackesche Höfe (1906) الذي استخدم الطوب المزجج متعدد الألوان لواجهة الفناء.

فن الآرت نوفو في ستراسبورغ (كانت آنذاك جزءًا من الإمبراطورية الألمانية كعاصمة ل Reichsland Elsaß-Lothringen) كانت علامة تجارية محددة ، من حيث أنها جمعت بين تأثيرات نانسي وبروكسل ، مع تأثيرات من دارمشتات وفيينا ، لتشغيل توليفة محلية تعكس تاريخ المدينة بين العوالم الجرمانية والفرنسية.

الانفصال في النمسا والمجر تحرير

تحرير انفصال فيينا

مصاص دماء في Ver Sacrum # 12 (1899) p. 8 بواسطة إرنست شتور

امرأة في فستان أصفر من ماكس كورزويل (1907)

أصبحت فيينا مركزًا لنوع مميز من فن الآرت نوفو ، والذي أصبح يُعرف باسم انفصال فيينا. أخذت الحركة اسمها من انفصال ميونيخ التي تأسست عام 1892. تأسست فيينا انفصال في أبريل 1897 من قبل مجموعة من الفنانين من بينهم جوستاف كليمت ، وكولومان موسر ، وجوزيف هوفمان ، وجوزيف ماريا أولبريتش ، وماكس كورزويل ، وإرنست شتور ، وآخرين. [65] أصبح الرسام كليمت رئيسًا للمجموعة. لقد اعترضوا على التوجه المحافظ نحو التاريخانية الذي عبر عنه Vienna Künstlerhaus ، الاتحاد الرسمي للفنانين. أسست The Secession مجلة ، فير ساكروم، للترويج لأعمالهم في جميع وسائل الإعلام. [73] صمم المهندس المعماري جوزيف أولبريتش مبنى الانفصال المقبب بالطراز الجديد ، والذي أصبح عرضًا لرسوم جوستاف كليمت وفنانين آخرين من الانفصال.

أصبح كليمت أشهر رسامي الانفصال ، وغالبًا ما كان يمحو الحدود بين الرسم الفني الجميل والرسم الزخرفي. كان Koloman Moser فنانًا متعدد الاستخدامات للغاية في أسلوب عمله بما في ذلك الرسوم التوضيحية للمجلات ، والهندسة المعمارية ، والأواني الفضية ، والسيراميك ، والخزف ، والمنسوجات ، والنوافذ الزجاجية الملونة ، والأثاث.

تصميم الأزهار من قبل Alois Ludwig على واجهة Maiolica House بواسطة Otto Wagner (1898)

كان من أبرز مهندسي انفصال فيينا أوتو واجنر ، [74] انضم للحركة بعد وقت قصير من بدايتها ليتبع طلابه هوفمان وأولبريتش. تضمنت مشاريعه الرئيسية عدة محطات لشبكة السكك الحديدية الحضرية (Stadtbahn) ومباني Linke Wienzeile (التي تتكون من Majolica House و House of Medallions والمنزل في Köstlergasse). أصبحت محطة Karlsplatz الآن قاعة عرض لمتحف فيينا. يعد Kirche am Steinhof من مستشفى Steinhof للطب النفسي (1904-1907) مثالًا فريدًا ومصنوعًا بدقة على العمارة الدينية الانفصالية ، مع تصميم خارجي مقبب تقليدي ولكنه أنيق وعصري ذهبي وأبيض مضاء بوفرة من الزجاج الملون الحديث.

في عام 1899 ، انتقل جوزيف ماريا أولبريتش إلى مستعمرة دارمشتات للفنانين ، وفي عام 1903 أسس كلومان موسر وجوزيف هوفمان Wiener Werkstätte ، وهي مدرسة تدريب وورشة عمل للمصممين والحرفيين في الأثاث والسجاد والمنسوجات والأشياء الزخرفية. [75] في عام 1905 انفصل كلومان موسر وغوستاف كليمت عن انفصال فيينا ، وفي وقت لاحق في عام 1907 ترك كولومان موسر وينر ويركستات ، بينما انضم مؤسسها الآخر جوزيف هوفمان إلى دويتشر ويركبوند. [69] واصل كل من جوستاف كليمت وجوزيف هوفمان التعاون ، ونظموا معرض كونستشاو في عام 1908 في فيينا وقاموا ببناء قصر ستوكلت في بروكسل (1905-1911) الذي أعلن عن ظهور العمارة الحداثية. [76] [77] تم تصنيفها كموقع للتراث العالمي من قبل اليونسكو في يونيو 2009. [78]

المجرية Szecesszió يحرر

قصر Gróf في Szeged بواسطة Ferenc Raichle (1913)

رائد ونبي Szecesszió (الانفصال في المجرية) ، أنشأ المهندس المعماري Ödön Lechner المباني التي تميزت بالانتقال من التاريخية إلى الحداثة للعمارة المجرية. [79] كانت فكرته عن أسلوب معماري مجري هي استخدام الخزف المعماري والزخارف الشرقية. في أعماله ، استخدم البيجورجانيت الذي تم إنتاجه بحلول عام 1886 بواسطة Zsolnay Porcelain Factory. [79] تم استخدام هذه المواد في تشييد المباني المجرية البارزة ذات الأنماط الأخرى ، على سبيل المثال مبنى البرلمان المجري وكنيسة ماتياس.

تشمل أعمال أودون ليشنر [80] متحف الفنون التطبيقية (1893–1896) ، ومبنى آخر له سمات مميزة مماثلة هو المتحف الجيولوجي (1896-1899) ومبنى بنك التوفير البريدي (1899–1902) ، وكلها في بودابست. ومع ذلك ، نظرًا لمعارضة المؤسسة المعمارية الهنغارية لنجاح Lechner ، سرعان ما لم يتمكن من الحصول على عمولات جديدة مماثلة لمبانيه السابقة. [79] لكن ليشنر كان مصدر إلهام ومعلم للجيل التالي من المهندسين المعماريين الذين لعبوا الدور الرئيسي في تعميم الأسلوب الجديد. [79] خلال عملية المجرية ، تم تكليف العديد من المباني لتلاميذه في ضواحي المملكة: على سبيل المثال تم تكليف مارسيل كومور [هو] وديزو جاكاب ببناء الكنيس (1901-1903) ومبنى البلدية (1908-1910) في زابادكا (سوبوتيكا حاليًا ، صربيا) ، ومحافظة المقاطعة (1905-1907) وقصر الثقافة (1911–1911). 1913) في Marosvásárhely (الآن ترجو موري ، رومانيا). وفي وقت لاحق ، بنى ليشنر بنفسه الكنيسة الزرقاء في بوزوني (براتيسلافا الحالية ، سلوفاكيا) في 1909-1913.

مهندس معماري آخر مهم كان كارولي كوس الذي كان من أتباع جون روسكين وويليام موريس. اتخذ Kós الحركة الرومانسية الوطنية الفنلندية كنموذج واللغة العامية الترانسيلفانية كمصدر إلهام. [81] أبرز مبانيه تشمل الكنيسة الرومانية الكاثوليكية في زيبيجيني (1908-1909) ، وأجنحة لحديقة الحيوانات البلدية في بودابست (1909-1912) ومتحف سيكيلي الوطني في Sepsiszentgyörgy (الآن Sfântu Gheorghe ، رومانيا ، 1911-1912).

فسيفساء لميكسا روث في مبنى بنك توروك [بالفرنسية] في بودابست (1906)

ارتياح في واجهة قصر جريشام لجيزا ماروتي في بودابست (1906)

مجلس الوزراء من قبل أودون فاراجو ، من بودابست (1901)

كانت الحركة التي روجت لسزيسيزيو في الفنون هي Gödöllő Art Colony ، التي أسسها Aladár Körösfői-Kriesch ، وهو أيضًا تابع لجون روسكين وويليام موريس وأستاذ في المدرسة الملكية للفنون التطبيقية في بودابست عام 1901. [82] شارك فنانونها في العديد من المشاريع ، بما في ذلك أكاديمية فرانز ليزت للموسيقى في بودابست. [83]

زميل في Gödöllő Art Colony ، [84] شارك Miksa Róth أيضًا في عدة عشرات من مشاريع Szecesszió ، بما في ذلك مباني بودابست بما في ذلك Gresham Palace (الزجاج المعشق ، 1906) و Török Bank [بالفرنسية] (الفسيفساء ، 1906) وقام أيضًا بإنشاء الفسيفساء والملطخة زجاج لقصر الثقافة (1911-1913) في ماروسفاسارلي.

مصمم أثاث بارز هو Ödön Faragó [هو] الذي جمع بين العمارة الشعبية التقليدية والعمارة الشرقية والفن الحديث الدولي بأسلوب رائع للغاية. كان Pál Horti [هو] ، وهو مصمم مجري آخر ، يتمتع بأسلوب عملي أكثر رصانة ، مصنوع من خشب البلوط مع زخارف دقيقة من خشب الأبنوس والنحاس.

المتغيرات الأخرى تحرير

نافذة زجاجية ملونة من تصميم ألفونس موتشا في كاتدرائية سانت فيتوس من براغ

نقش خزفي لمسرح فيولا في براغ من تصميم لاديسلاف aloun

قاعة المدينة الجديدة من براغ (1908-1911)

الأكثر غزارة السلوفينية كان المهندس المعماري لفن الآرت نوفو هو سيريل ميتود كوخ. [85] درس في صفوف أوتو فاجنر في فيينا وعمل في مجلس مدينة لايباخ (الآن ليوبليانا ، سلوفينيا) من 1894 إلى 1923. بعد الزلزال الذي وقع في لايباخ عام 1895 ، صمم العديد من المباني العلمانية بأسلوب الانفصال الذي تبناه منذ عام 1900 حتى عام 1910: [85] Pogačnik House (1901) ، مبنى uden (1901) ، The Farmers Loan Bank (1906–07) ، تم تجديد مبنى Hauptmann بأسلوب الانفصال في عام 1904. كان أبرز مسيرته المهنية هو Loan Bank في Radmannsdorf (الآن Radovljica) في عام 1906. [85]

أبرز مباني الانفصال في براغ هي أمثلة على الفن الكلي مع العمارة والنحت واللوحات المميزة. [86] صمم جوزيف فانتا محطة السكة الحديد الرئيسية (1901–1909) وتتميز بلوحات فاتسلاف جانسا ومنحوتات لاديسلاف ألون وستانيسلاف سوشاردا مع فنانين آخرين. تم تصميم البيت البلدي (1904-1912) من قبل أوزفالد بوليفكا وأنتونين بالشانيك ، ورسمه الرسام التشيكي الشهير ألفونس موتشا ويضم منحوتات لجوزيف ماتكا ولاديسلاف ألون. تعاون بوليفكا وماتكا وعلون في وقت واحد في بناء قاعة المدينة الجديدة (1908-1911) جنبًا إلى جنب مع ستانيسلاف سوكاردا ، وفي وقت لاحق قام موتشا بطلاء النوافذ الزجاجية الملونة في كاتدرائية سانت فيتوس بأسلوبه المميز.

كان أسلوب الجمع بين Szecesszió المجري والعناصر المعمارية الوطنية نموذجيًا للمهندس المعماري السلوفاكي Dušan Jurkovič. أكثر أعماله الأصلية هي البيت الثقافي في زاكولكا (الآن Skalica في سلوفاكيا ، 1905) ، ومباني المنتجع الصحي في Luhačovice (الآن جمهورية التشيك) ​​في 1901-1903 و 35 مقبرة حرب بالقرب من Nowy Żmigród في غاليسيا (بولندا الآن) ، معظم تأثروا بشدة بالفن الشعبي المحلي في ليمكو (روسين) والنجارة (1915-1917).

الفن الحديث في رومانيا تحرير

كازينو كونستانتا لدانيال رينارد وبيتر أنتونيسكو (1905-1910)

وسط موقد من منزل المدينة في منطقة ساحة روزيتي (بوخارست)

المدخل في ساحة ميخائيل كوجلنيسينو ، بوخارست

ارتياح على واجهة مبنى صغير بالقرب من مستشفى Colțea في بوخارست

Mița The Cyclist House من بوخارست (1900) ، مزيج من إحياء الباروك والفن الحديث

منزل في شارع ديميتري راكوفيتش ، بوخارست

منزل ديانو من كرايوفا (1900-1905)

منزل دينو ليباتي من بوخارست بواسطة بيتر أنتونيسكو (1902) ، [87] مزيج من إحياء الباروك والفن الحديث

منزل رومولوس بوريسكو من بوخارست من قبل دوميترو ميمارولو (1905) ، [88] فن الآرت نوفو مع تأثيرات إحياء الباروك

الجزء العلوي من موقد القرميد من متحف جورج سيفيريانو ، بوخارست

التفاصيل على سياج في شارع Lascăr Catargiu ، بوخارست

لوحات جدارية على سقف رواق كنيسة دير أنتيم ، بوخارست

باب قوس إحياء روماني ثلاثي الفصوص من بوخارست ، يُظهر عناصر فن الآرت نوفو

ربما يكون كازينو كونستانتا هو أشهر مثال على فن الآرت نوفو في رومانيا. ال كازينو, كورهاوس أو كورسال الموضوع خاص بـ Belle Époque. مؤلف الكازينو ، الذي بدأ في عام 1905 وانتهى عام 1910 ، هو المهندس المعماري دانيال رينارد ، الذي درس في باريس بين عامي 1894 و 1900. وقع على المخططات المعمارية والديكور للكازينو. خاص بفن الآرت نوفو هو الزخرفة المنقوشة للواجهات ، إما بزخارف نباتية طبيعية ، مثل تلك الخاصة بمدرسة نانسي ، أو الزخارف المستوحاة من الحيوانات البحرية ، مثل الأصداف والدلافين. أحد بيوت الفن الحديث في بوخارست هو Dinu Lipatti House (رقم 12 ، شارع Lascr Catargiu) ، من تصميم Petre Antonescu ، وكان العنصر الأساسي فيه هو قوس المدخل ، والذي يوجد فوقه ماسكارون نسائي بارز. من بين أمثلة العمارة على طراز فن الآرت نوفو في بوخارست ، منازل التاون هاوس ، التي تحتوي أحيانًا على نوافذ على شكل حدوة حصان أو أشكال أو زخارف أخرى خاصة بفن الآرت نوفو. ومن الأمثلة على ذلك منزل رومولوس بوريسكو (رقم 12 ، شارع دكتور باليولوج) ، والذي يحتوي أيضًا على نوافذ زجاجية ملونة على نوافذ الزاوية. تتميز بعض مباني إحياء الباروك في بوخارست بتأثيرات فن الآرت نوفو أو نيوروكيلي ، من بينها مرصد بوخارست (رقم 21 ، شارع Lascăr Catargiu) ، المنزل رقم. 58 في شارع Sfinții Voievozi ، و Mița the Cyclist House (رقم 9 ، شارع Biserica Amzei ، أو رقم 11 ، شارع Christian Tell) وقصر Cantacuzino (رقم 141 ، شارع النصر). [89] يشمل أسلوب الإحياء الروماني الموجود في العمارة والأثاث وتصميم الجرافيك عناصر فن الآرت نوفو. [90]

غلاف من Literaturăi Artă Român ("الأدب والفنون الرومانية") مجلة (1899)

لوحة زخرفية من قبل Ștefan Luchian (1900)

الخريف، لوحة زخرفية من قبل Ștefan Luchian (1901)

شابة بقلم ستيفان لوشيان ، رسم غلاف مجلة إليانا

ختم ويفر جمعية خيرية (1906)

غلاف كتاب شعر صغير من عام 1908

صفحة عنوان لكتاب شعر صغير من عام 1908

غلاف مجلة شعرية صغيرة من سلسلة مكتبة المجتمع المحلي (1912)

كان Ștefan Luchian أحد أبرز رسامي فن الآرت نوفو من رومانيا ، والذي تولى بسرعة الاتجاهات المبتكرة والزخرفية لفن الآرت نوفو لفترة قصيرة من الزمن. تزامنت هذه اللحظة مع تأسيس جمعية إليانا في عام 1897 ، والتي كان عضوًا مؤسسًا فيها ، وهي شركة نظمت معرضًا (1898) في فندق الاتحاد بعنوان معرض الفنانين المستقلين ونشرت مجلة - مجلة إليانا. [91]

يوجد في ترانسيلفانيا أمثلة على كل من مباني الفن الحديث والإحياء الروماني ، حيث كان الأول من العصر النمساوي المجري. يمكن العثور على معظمها في أوراديا ، الملقبة بـ "عاصمة الفن الحديث في رومانيا" ، [92] ولكن أيضًا في تيميشوارا وتارغو موري وسيبيو. [93] [94] [95]

ستايل ليبرتي في إيطاليا تحرير

ملصق لمعرض تورينو 1902

فيلينو فلوريو في باليرمو بواسطة إرنستو باسيلي (1899-1902)

مدخل كازا غوازوني (1904–05) في ميلانو بواسطة جيوفاني باتيستا بوسي (1904–06)

عُرف الفن الحديث في إيطاليا باسم آرتي نوفا, زهرة نمط, ستايل مودرنو وخاصة ستايل ليبرتي. أخذ ليبرتي ستايل اسمه من آرثر لاسينبي ليبرتي والمتجر الذي أسسه في عام 1874 في لندن ، متجر ليبرتي ، والمتخصص في استيراد الحلي والمنسوجات والأشياء الفنية من اليابان والشرق الأقصى ، والتي كانت منسوجاتها الملونة شائعة بشكل خاص في إيطاليا . كان من بين المصممين الإيطاليين البارزين في الأسلوب جاليليو تشيني ، الذي غالبًا ما كان الخزف مستوحى من أنماط الميوليكا. عُرف لاحقًا باسم الرسام ومصمم المناظر المسرحية ، حيث صمم مجموعات لأوبرا بوتشيني الشهيرة جياني شيشي و توراندوت. [96] [97] [11]

اختلفت هندسة أسلوب Liberty بشكل كبير ، وغالبًا ما اتبعت الأساليب التاريخية ، ولا سيما الباروك. غالبًا ما كانت الواجهات مبللة بالزخارف والنحت. من الأمثلة على أسلوب ليبرتي ، فيلينو فلوريو (1899-1902) لإرنستو باسيلي في باليرمو ، وقصر كاستيجليوني في ميلانو لجوزيبي سوماروغا (1901-1903) في ميلان ، وكازا غوازوني (1904-1905) في ميلانو بقلم جيوفاني باتيستا بوسي ( 1904–06). [98]

كانت اللوحات الجدارية الملونة ، المطلية أو المصنوعة من السيراميك ، والنحت ، في الداخل والخارج على حد سواء ، سمة شائعة لأسلوب Liberty. لقد اعتمدوا على كل من الموضوعات الكلاسيكية والزهرية. كما هو الحال في حمامات Acque della Salute وفي Casa Guazzoni في ميلانو.

كان كارلو بوجاتي هو الشخصية الأكثر أهمية في تصميم أسلوب ليبرتي ، وهو نجل مهندس معماري ومصمم ديكور ، ووالد رامبرانت بوجاتي ، نحات ليبرتي ، وإيتوري بوجاتي ، مصمم السيارات الشهير. درس في أكاديمية بريرا في ميلانو ، وفي وقت لاحق في أكاديمية الفنون الجميلة في باريس. تميز عمله بغرائبه وغرابة أطواره ، بما في ذلك الأواني الفضية والمنسوجات والسيراميك والآلات الموسيقية ، لكن من الأفضل تذكره بتصميماته المبتكرة للأثاث ، والتي عُرضت لأول مرة في معرض ميلان للفنون الجميلة عام 1888. غالبًا ما كان أثاثه يتميز بتصميم ثقب المفتاح ، وكان له أغطية غير عادية ، بما في ذلك المخطوطات والحرير وتطعيمات من العظام والعاج. كما كان لها أحيانًا أشكال عضوية مدهشة ، تم نسخها بعد القواقع والكوبرا. [99]

الحداثة في كاتالونيا وإسبانيا تحرير

كنيسة ساغرادا فاميليا في برشلونة بواسطة أنطوني غاودي (1883-)

ظهر نوع أصلي للغاية من الأسلوب في برشلونة ، كاتالونيا ، في نفس الوقت تقريبًا الذي ظهر فيه أسلوب فن الآرت نوفو في بلجيكا وفرنسا. كان يدعى الحداثة في الكاتالونية و مودرنسمو بالإسبانية. أشهر مبتكريها هو أنتوني غاودي. استخدم Gaudí الأشكال الزهرية والعضوية بطريقة جديدة جدًا في بالاو غويل (1886-1890). وفقًا لليونسكو ، "جمعت الهندسة المعمارية للحديقة عناصر من حركة الفنون والحرف اليدوية ، والرمزية ، والتعبيرية ، والعقلانية ، وأنشأت وأثرت على العديد من أشكال وتقنيات حداثة القرن العشرين". [101] [102] [103] قام بدمج الحرف مثل السيراميك والزجاج الملون والحديد المطاوع والحدادة والنجارة في هندسته المعمارية. في أجنحة غويل (1884-1887) ثم بارك غويل (1900-1914) استخدم أيضًا تقنية جديدة تسمى ترينكاديسالتي تستخدم نفايات قطع السيراميك. تصميماته من حوالي عام 1903 ، كازا باتلو (1904–1906) و كاسا ميلا (1906-1912) ، [100] أكثر ارتباطًا بالعناصر الأسلوبية للفن الحديث. [104] الهياكل اللاحقة مثل كنيسة العائلة المقدسة الجمع بين عناصر الفن الحديث مع إحياء القوطية الجديدة. [104] كاسا باتلو ، كاسا ميلا ، جويل بافيليونز ، وبارك غويل كانت نتيجة تعاونه مع جوزيب ماريا يوجول ، الذي أنشأ بنفسه منازل في سانت جوان ديسبي (1913-1926) ، والعديد من الكنائس بالقرب من تاراغونا (1918 و 1926) و متعرج كازا بلانيلس (1924) في برشلونة.

إلى جانب الوجود المهيمن لغاودي ، استخدم Lluís Domènech i Montaner أيضًا فن الآرت نوفو في برشلونة في مبانٍ مثل Castell dels Tres Dragons (1888) و Casa Lleó Morera و Palau de la Música Catalana (1905) و Hospital de Sant Pau (1901–1901) 1930). [104] تم إدراج المبنيين الأخيرين في قائمة اليونسكو للتراث الثقافي العالمي. [105]

كان Josep Puig i Cadafalch ، أحد الحداثيين الرئيسيين الآخرين ، الذي صمم Casa Martí ومقهى Els Quatre Gats ، ومصنع المنسوجات Casimir Casaramona (الآن متحف CaixaFòrum للفنون) ، و Casa Macaya ، و Casa Amatller ، و Palau del Baró de Quadras (يضم Casa Àsia) لمدة 10 سنوات حتى 2013) و Casa de les Punxes ("House of Spikes").

كانت حركة فن الآرت نوفو المميزة أيضًا في مجتمع بلنسية. بعض المهندسين المعماريين البارزين هم ديميتريو ريبس ماركو ، فيسنتي باسكوال باستور ، تيموتيو برييت مونتود ، وخوسيه ماريا مانويل كورتينا بيريز. تعتبر الخصائص المميزة لفن فالنسيا للفن الحديث استخدامًا ملحوظًا للسيراميك في الزخرفة ، سواء في الواجهة أو في الزخرفة ، وكذلك استخدام الدوافع الإقليمية في منطقة فالنسيا.

شكل آخر رائع هو Madrilenian Art Nouveau أو "Modernismo madrileño" ، مع مبانٍ بارزة مثل قصر Longoria أو Casino de Madrid أو Cementerio de la Almudena وغيرها. كان الحداثيون المشهورون من مدريد المهندسين المعماريين خوسيه لوبيز سالبيري ، وفرناندو أربوس إي تريمانتي وفرانسيسكو أندريس أوكتافيو [بالإسبانية].

نحت من الطين متعدد الألوان بواسطة لامبرت إسكالر [كاليفورنيا]

سقف من الزجاج الملون في Palau de la Música Catalana بواسطة Antoni Rigalt (1905–1908)

ال الحداثة تركت الحركة تراثًا فنيًا واسعًا بما في ذلك الرسومات واللوحات والمنحوتات والأعمال الزجاجية والمعدنية والفسيفساء والسيراميك والأثاث. يمكن العثور على جزء منه في Museu Nacional d'Art de Catalunya.

مستوحى من مقهى في باريس يسمى Le Chat Noir ، حيث كان يعمل سابقًا ، قرر Pere Romeu i Borràs [ca] فتح مقهى في برشلونة تم تسميته Els Quatre Gats (أربع قطط في الكاتالونية). [106] أصبح المقهى نقطة التقاء مركزية لأبرز الشخصيات في برشلونة الحداثة، مثل بابلو بيكاسو ورامون كاساس آي كاربو الذين ساعدوا في الترويج للحركة من خلال ملصقاته وبطاقاته البريدية. بالنسبة للمقهى ، ابتكر صورة تسمى Ramon Casas و Pere Romeu على ترادف تم استبدالها بتكوينه الآخر بعنوان Ramon Casas و Pere Romeu in a Automobile في عام 1901 ، ترمز إلى القرن الجديد.

صمم أنطوني غاودي أثاثًا للعديد من المنازل التي شيدها ، ومن الأمثلة على ذلك كرسي بذراعين يسمى Battle House. أثر في مصمم الأثاث الكاتالوني البارز الآخر ، جاسبار هومار [كاليفورنيا] (1870-1953) الذي غالبًا ما كان يجمع بين التطعيم والفسيفساء مع أثاثه. [107]

آرتي نوفا في البرتغال تحرير

واجهة منزل ميجور بيسوا في أفيرو (1907-1909) [108]

ردهة ميجور بيسوا ريزيدنس

مكتبة Livraria Lello في بورتو ، البرتغال (1906)

تفاصيل ألميرانتي ريس ، 2-2K مبنى في لشبونة (1908)

بلاط خزفي من Cooperativa Agrícola في Aveiro (1913)

تم استدعاء متغير Art Nouveau في Aveiro (البرتغال) آرتي نوفا، وكانت السمة الرئيسية المميزة لها هي التباهي: تم استخدام الأسلوب من قبل البرجوازية التي أرادت التعبير عن ثروتها على الواجهات مع ترك التصميمات الداخلية متحفظة. [109] ميزة أخرى مميزة لـ Arte Nova هي استخدام البلاط المنتج محليًا بزخارف فن الآرت نوفو. [109]

كان الفنان الأكثر نفوذاً في Arte Nova هو فرانسيسكو أوغوستو دا سيلفا روشا. [109] على الرغم من أنه لم يتم تدريبه كمهندس معماري ، فقد صمم العديد من المباني في أفيرو وفي مدن أخرى في البرتغال. [110] [109] واحد منهم ، مقر إقامة الميجور بيسوا ، له واجهة وتصميم داخلي على حد سواء ، ويستضيف الآن متحف Arte Nova. [109]

توجد أمثلة أخرى على Arte Nova في مدن البرتغال الأخرى. [111] [112] بعضها هو متحف - سكن د. أناستاسيو غونسالفيس لمانويل يواكيم نورتي جونيور [pt] (1904–1905) في لشبونة ، مقهى ماجستيك لجواو كويروز [حزب العمال] (1921) ومكتبة ليفراريا ليلو بواسطة Xavier Esteves [pt] (1906) ، كلاهما في بورتو.

جوجيندستيل في دول الشمال تحرير

تحرير فنلندا

المدخل الرئيسي لمبنى بوهجولا للتأمين (1899–1901) ، منحوتات لهيلدا فلودين

على ضفاف نهر تونيلا (1903) في النمط الرومانسي الوطني الفنلندي من تأليف أكسيلي غالن كاليلا

كان الفن الحديث شائعًا في بلدان الشمال الأوروبي ، حيث كان يُعرف عادةً باسم Jugendstil ، وغالبًا ما كان يتم دمجه مع النمط الرومانسي الوطني لكل بلد. الدولة الاسكندنافية التي تضم أكبر عدد من مباني Jugendstil هي دوقية فنلندا الكبرى ، ثم جزء من الإمبراطورية الروسية. [113] تزامنت فترة Jugendstil مع العصر الذهبي للفن الفنلندي والصحوة الوطنية. بعد معرض باريس عام 1900 كان الفنان الفنلندي الرائد أكسيلي جالن كاليلا. [114] اشتهر برسومه الإيضاحية لكاليفالا ، الملحمة الوطنية الفنلندية ، وكذلك برسم العديد من مباني جودندستيل في الدوقية.

كان مهندسو الجناح الفنلندي في المعرض هم هيرمان جيزيليوس وأرماس ليندغرين وإيليال سارينن. عملوا معًا من 1896 إلى 1905 وأنشأوا العديد من المباني البارزة في هلسنكي بما في ذلك مبنى Pohjola Insurance (1899–1901) والمتحف الوطني لفنلندا (1905-1910) [115] بالإضافة إلى سكنهم المشترك Hvitträsk في كيركونومي (1902). استوحى المهندسون المعماريون من الأساطير والطبيعة الاسكندنافية ، وبالتالي أصبحت واجهة الجرانيت الخشنة رمزًا للانتماء إلى الأمة الفنلندية. [116] بعد حل الشركة ، صمم سارينن محطة سكة حديد هلسنكي (1905-1914) بأشكال أوضح ، متأثرة بالعمارة الأمريكية. [116] كان النحات الذي عمل مع سارينن في بناء متحف فنلندا الوطني ومحطة سكة حديد هلسنكي هو إميل ويكستروم.

المهندس المعماري الآخر الذي ابتكر العديد من الأعمال البارزة في فنلندا هو لارس سونك. تشمل أعماله الرئيسية في Jugendstil كاتدرائية تامبيري (1902-1907) ، وأينولا ، ومنزل جان سيبيليوس (1903) ، ومقر جمعية الهاتف في هلسنكي (1903-1907) وكنيسة كاليو في هلسنكي (1908-1912). أيضًا ، قام Magnus Schjerfbeck ، شقيق Helene Schjerfbeck ، بإنشاء مصحة السل المعروفة باسم Nummela Sanatorium في عام 1903 باستخدام أسلوب Jugendstil. [117] [118] [119]

تحرير النرويج

كرسي Viking-Art Nouveau من قبل المصمم النرويجي Lars Kinsarvik (1900)

داخل مركز الفن الحديث في أليسوند

زخارف باب في مركز الفن الحديث في أليسوند

كانت النرويج تطمح أيضًا إلى الاستقلال (عن السويد) وارتبط فن الآرت نوفو المحلي بإحياء مستوحى من الفنون والحرف الشعبية للفايكنج. كان من بين المصممين البارزين لارس كيسارفيك ، الذي صمم الكراسي بأنماط الفايكنج والسلتية التقليدية ، وجيرهارد مونتي ، الذي صمم كرسيًا بشعار رأس تنين منمق من سفن الفايكنج القديمة ، بالإضافة إلى مجموعة متنوعة من الملصقات واللوحات والرسومات. [120]

تعتبر بلدة أليسوند النرويجية المركز الرئيسي للفن الحديث في الدول الاسكندنافية لأنها أعيد بناؤها بالكامل بعد حريق وقع في 23 يناير 1904. [121] تم بناء حوالي 350 مبنى بين عامي 1904 و 1907 بموجب مخطط حضري صممه المهندس فريدريك ناصر. أدى اندماج الوحدة والتنوع إلى ولادة أسلوب يعرف باسم آل ستيل. تتميز المباني ذات الطراز بديكور خطي وأصداء لكل من عناصر Jugendstil والعناصر المحلية ، على سبيل المثال أبراج الكنائس الرخوة أو الأسطح المتوجة. [121] أحد المباني ، وهو صيدلية سوان ، يستضيف الآن مركز الفن الحديث.

السويد والدنمارك تحرير

مزهرية مع بلاك بيري ، لوحة لبير ألجوت إريكسون ، وفضية لليفبفر ، في متحف بروهان (برلين)

فنجان وصحن من خدمة "iris" (1897) ، في متحف مقاطعة لوس أنجلوس للفنون

Inkwell وصندوق الطوابع ، بواسطة Jens Dahl-Jensen (سي 1900) ، في Hessisches Landesmuseum Darmstadt (دارمشتات ، ألمانيا)

القاعة الكبرى لمكتبة مدينة آرهوس لكارل هانسن ريستروب

تشمل روائع Jugendstil من بلدان الشمال الأوروبي الأخرى Engelbrektskyrkan (1914) والمسرح الملكي المسرحي (1901–1908) في ستوكهولم ، السويد [122] ومكتبة المدينة السابقة (الآن أرشيف الأعمال الوطنية الدنماركية) في آرهوس ، الدنمارك (1898-1901). [123] مهندس هذا الأخير هو هاك كامبمان ، ثم من مؤيدي النمط الرومانسي القومي الذي أنشأ أيضًا Custom House والمسرح وفيلا كامبين في آرهوس. كان أشهر مصممي الفن الحديث في الدنمارك هو صائغ الفضة جورج جنسن. يمكن اعتبار معرض البلطيق في مالمو 1914 آخر مظهر رئيسي لـ Jugendstil في السويد. [124]

عصري في روسيا تحرير

رسم توضيحي لـ فايربيرد بقلم إيفان بيليبين (1899)

تم تعيينه لباليه نيكولاي ريمسكي كورساكوف شهرزاد بواسطة ليون باكست (1910)

تصميم برنامج "بعد الظهر من فاون" بواسطة ليون باكست لـ باليه روس, (1912)

كراسي سيرجي ماليوتين ، Talashkino Art Colony

مدفأة خزفية على موضوع الفولكلور الروسي بواسطة ميخائيل فروبل (1908)

Модерн ("حديث") كان تنوعًا روسيًا ملونًا للغاية للفن الحديث ظهر في موسكو وسانت بطرسبرغ في عام 1898 مع نشر مجلة فنية جديدة ، "Мир искусства" (الترجمة الصوتية: مير اسكوسستفا) ("عالم الفن") للفنانين الروس الكسندر بينوا وليون باكست ، ورئيس التحرير سيرجي دياجيليف. نظمت المجلة معارض لكبار الفنانين الروس ، بما في ذلك ميخائيل فروبل ، كونستانتين سوموف ، إسحاق ليفيتان ، ورسام الكتاب إيفان بيليبين. استخدم أسلوب عالم الفن استخدامًا أقل للأشكال النباتية والزهرية للفن الحديث الفرنسي ، فقد اعتمد بشكل كبير على الألوان الزاهية والتصاميم الغريبة للفولكلور الروسي والحكايات الخيالية. كانت المساهمة الأكثر تأثيرًا في "عالم الفن" هي إنشاء شركة باليه جديدة ، The باليه روس، برئاسة دياجليف ، مع الأزياء والمجموعات التي صممها باكست وبينوا. عرضت فرقة الباليه الجديدة لأول مرة في باريس عام 1909 ، وقدمت عروضها هناك كل عام حتى عام 1913. كان للمجموعات الغريبة والملونة التي صممها Benois and Bakst تأثير كبير على الفن والتصميم الفرنسي. تم إعادة إنتاج تصاميم الأزياء والأطقم في المجلات الباريسية الرائدة ، التوضيحي, La Vie parisienne و جازيت دو بون تون، وأصبح الأسلوب الروسي معروفًا في باريس باسم على لا باكست. تقطعت السبل بالشركة في باريس أولاً بسبب اندلاع الحرب العالمية الأولى ، ثم بسبب الثورة الروسية في عام 1917 ، ومن المفارقات أنها لم تقدم عروضها في روسيا. [125]

من بين المهندسين المعماريين الروس ، كان فيودور شيشيل أبرز المهندسين المعماريين في فن الآرت نوفو النقي. أشهر مثال على ذلك هو Ryabushinsky House في موسكو. تم بناؤه من قبل رجل أعمال روسي وصاحب صحيفة ، وبعد الثورة الروسية ، أصبح مقر إقامة الكاتب مكسيم غوركي ، وهو الآن متحف غوركي. درجها الرئيسي ، المصنوع من كتلة مصقولة من الخرسانة والرخام والجرانيت ، له خطوط متعرجة متدفقة مثل أمواج البحر ، ويضيء بمصباح على شكل قنديل البحر العائم. يتميز التصميم الداخلي أيضًا بأبواب ونوافذ وسقف مزين بلوحات جدارية ملونة من الفسيفساء. [126] Schechtel ، الذي يُعتبر أيضًا شخصية رئيسية في الرمزية الروسية ، صمم العديد من المباني التاريخية الأخرى في موسكو ، بما في ذلك إعادة بناء محطة سكة حديد موسكو ياروسلافسكي ، بأسلوب إحياء موسكو الأكثر تقليدية. [126]

الدرج الرئيسي في Ryabushinsky House Moscow بواسطة Fyodor Schechtel (1900)

منزل Teremok في Talashkino عمل إحياء روسي لسيرجي ماليوتين (1901–1902)

خرطوش مع الماسكارون ، على واجهة Singer House ، بواسطة Pavel Suzor (1904)

منزل بيرتسوفا لسيرجي ماليوتين في موسكو (1905-1907)

واجهة فندق متروبول في موسكو بفسيفساء لميخائيل فروبيل (1899–1907)

كنيسة الروح القدس في تالاشكينو ، بقلم سيرجي ماليوتين

قام المهندسون المعماريون الروس الآخرون في تلك الفترة بإنشاء العمارة الروسية إحياء ، والتي استمدت من العمارة الروسية التاريخية. تم إنشاء هذه المباني في الغالب من الخشب ، وأشارت إلى الهندسة المعمارية في كييف روس. أحد الأمثلة هو Teremok House في Talashkino (1901–1902) لسيرجي ماليوتين ، و Pertsova House (المعروف أيضًا باسم Pertsov House) في موسكو (1905–1907). كما كان عضوًا في حركة Mir iskusstva. بنى المهندس المعماري في سانت بطرسبرغ نيكولاي فاسيليف مجموعة من الأساليب قبل الهجرة في عام 1923. هذا المبنى هو الأكثر شهرة بالمنحوتات الحجرية التي صنعها سيرجي فاشكوف المستوحاة من منحوتات كاتدرائية القديس ديمتريوس في فلاديمير وكاتدرائية القديس جورج في يورييف بولسكي في القرنان الثاني عشر والثالث عشر. دير Marfo-Mariinsky (1908-1912) من تأليف Alexey Shchusev هو نسخة محدثة من الكنيسة الأرثوذكسية الروسية الكلاسيكية. صمم Shchusev لاحقًا ضريح لينين (1924) في موسكو.

تم بناء العديد من المستعمرات الفنية في روسيا في هذه الفترة على طراز النهضة الروسية. تقع المستعمرتان الأكثر شهرة في أبرامتسيفو بتمويل من ساففا مامونتوف وتالاشكينو بمحافظة سمولينسك بتمويل من الأميرة ماريا تينيشيفا. أحد الأمثلة على العمارة الروسية النهضة هو دير مارفو ماريانسكي (1908-1912) ، وهو كنيسة أرثوذكسية روسية محدثة أنشأها أليكسي شتشوسيف ، الذي صمم لاحقًا ، ومن المفارقات ، ضريح لينين في موسكو.

Jūgendstils (Art Nouveau in Riga) تحرير

واجهة منزل في إليزابيت إيلا ، 10 ب ، بقلم ميخائيل آيزنشتاين (1903)

Stairway in Pēkšēns House by Konstantīns Pēkšēns (1903) تستضيف الآن متحف Riga Jūgendstils

زخرفة رومانسية وطنية على منزل بناه Konstantīns Pēkšēns (1908)

وزارة التربية والتعليم ، بناها إدغار فريزندورف (1911)

كانت ريغا ، العاصمة الحالية للاتفيا ، في ذلك الوقت واحدة من المدن الرئيسية للإمبراطورية الروسية. ومع ذلك ، فقد تطورت العمارة على طراز فن الآرت نوفو في ريغا وفقًا لديناميكياتها الخاصة ، وأصبح الأسلوب شائعًا بشكل كبير في المدينة. بعد فترة وجيزة من معرض لاتفيا الإثنوغرافي في عام 1896 ومعرض الصناعة والحرف اليدوية في عام 1901 ، أصبح الفن الحديث هو النمط السائد في المدينة. [127] وهكذا فإن فن العمارة على طراز فن الآرت نوفو يمثل ثلث جميع المباني في وسط ريغا ، مما يجعلها المدينة ذات أعلى تركيز لمثل هذه المباني في أي مكان في العالم. كانت كمية ونوعية فن الآرت نوفو من بين معايير إدراج ريغا في التراث الثقافي العالمي لليونسكو. [128]

كانت هناك اختلافات مختلفة في فن الآرت نوفو في ريغا:

  • في Eclectic Art Nouveau ، كانت العناصر الزهرية وغيرها من عناصر الزخرفة المستوحاة من الطبيعة الأكثر شيوعًا. أمثلة على هذا الاختلاف هي أعمال ميخائيل آيزنشتاين ،
  • في الفن الحديث العمودي ، تم دمج الزخارف الهندسية في التراكيب الرأسية للواجهات. تم بناء العديد من المتاجر الكبرى بهذا النمط ، ويشار إليه أحيانًا باسم "نمط المتجر متعدد الأقسام" أو وارنهاوسستيل في المانيا،
  • استلهم الفن الرومانسي الوطني الحديث من الفن الشعبي المحلي والأحجام الضخمة واستخدام مواد البناء الطبيعية.

كما احتوت بعض المباني الكلاسيكية الجديدة اللاحقة على تفاصيل فن الآرت نوفو.

ستايل سابين في لا شو دو فون ، سويسرا تحرير

فيلا Fallet مع زخرفة مستوحاة من خشب التنوب (1906) بواسطة Eduard Jeanneret (Le Corbusier) (1905)

محرقة جثث الموتى (1908–1010) ، داخلي ، مع تصميم منمق لشجرة التنوب في السقف. تمت إضافة الجداريات الرمزية لـ L'Epplattenier لاحقًا.

محرقة الجثث (1908-1010) ، مع تفاصيل منمقة "سابين" أو مخروط الصنوبر

محرقة الجثث (1908-10) ، مع تفاصيل مخروطية الصنوبر.

هناك اختلاف يسمى ستايل سابين ("نمط شجرة الصنوبر") ظهر في لا شو دو فون في كانتون نوشاتيل في سويسرا. تم إطلاق الأسلوب من قبل الرسام والفنان Charles l’Eplattenier وكان مستوحى بشكل خاص من سابين، أو شجرة الصنوبر وغيرها من النباتات والحياة البرية في جبال الجورا. كان أحد أعماله الرئيسية هو محرقة الجثث في المدينة ، والتي تضمنت أشكالًا ثلاثية من الأشجار وأقماع الصنوبر وموضوعات طبيعية أخرى من المنطقة. تم مزج النمط أيضًا مع العناصر الأسلوبية الهندسية لـ Jugendstil و Vienna Secession. [129]

مبنى آخر بارز في الأسلوب هو فيلا فالي La Chaux-de-Fonds ، شاليه تم تصميمه وبنائه في عام 1905 من قبل أحد طلاب L'Epplattenier ، تشارلز إدوارد جانيريه البالغ من العمر ثمانية عشر عامًا (1887-1965) والذي اشتهر لاحقًا باسم لو كوربوزييه ، كان المنزل عبارة عن شاليه سويسري تقليدي ، لكن زخرفة الواجهة تضمنت أشجارًا مثلثة وميزات طبيعية أخرى.قامت Jeanneret ببناء شاليهين آخرين في المنطقة ، بما في ذلك Villa Stotzer ، على طراز الشاليه الأكثر تقليدية. [130] [129] [131] [132]

تيفاني ستايل ولويس سوليفان في تحرير الولايات المتحدة

كنيسة تيفاني من المعرض الكولومبي في عام 1893 ، الآن في متحف تشارلز هوسمر مورس للفن الأمريكي في وينتر بارك ، فلوريدا

ملصق مئة عام بقلم لويس جون ريد (1894)

مصباح الوستارية من تصميم لويس كومفورت تيفاني (حوالي عام 1902) ، في متحف فيرجينيا للفنون الجميلة

نافذة تيفاني في منزله في أويستر باي ، نيويورك

ال هروب النفوس فاز Window by Louis Comfort Tiffany بميدالية ذهبية في معرض باريس عام 1900

تفاصيل مبنى Prudential (Guaranty) ، نيويورك لويس سوليفان (1896)

في الولايات المتحدة ، لعبت شركة Louis Comfort Tiffany دورًا مركزيًا في الفن الأمريكي الحديث. ولد عام 1848 ، ودرس في الأكاديمية الوطنية للتصميم في نيويورك ، وبدأ العمل بالزجاج في سن 24 ، ودخل الشركة العائلية التي بدأها والده ، وفي عام 1885 أسس مشروعه الخاص المكرس للزجاج الفاخر ، وطور تقنيات جديدة لتلوينه. في عام 1893 ، بدأ في صنع المزهريات والأوعية الزجاجية ، ومرة ​​أخرى طور تقنيات جديدة سمحت بمزيد من الأشكال الأصلية والتلوين ، وبدأ في تجربة زجاج النوافذ المزخرف. تمت طباعة طبقات من الزجاج ورخامها وتركيبها ، مما أعطى ثراءً استثنائيًا وتنوعًا في الألوان في عام 1895 ، ظهرت أعماله الجديدة في معرض الفن الحديث في Siegfried Bing ، مما منحه عملاء أوروبيين جدد. بعد وفاة والده في عام 1902 ، تولى إدارة شركة Tiffany بالكامل ، لكنه ما زال يكرس الكثير من وقته لتصميم وتصنيع القطع الفنية الزجاجية. بناءً على طلب توماس إديسون ، بدأ في تصنيع المصابيح الكهربائية بظلال زجاجية متعددة الألوان في هياكل من البرونز والحديد ، أو مزينة بالفسيفساء ، تم إنتاجها في العديد من السلاسل والإصدارات ، كل منها مصنوع بعناية من قطعة من المجوهرات. عمل فريق من المصممين والحرفيين على كل منتج. أصبح مصباح Tiffany على وجه الخصوص أحد رموز الفن الحديث ، لكن حرفيي Tiffany (والحرفيين) صمموا وصنعوا نوافذ ومزهريات غير عادية وفنون زجاجية أخرى. حقق زجاج تيفاني أيضًا نجاحًا كبيرًا في 1900 معرض يونيفرسال في باريس ، كانت نافذة زجاجه الملون تسمى هروب النفوس فاز بميدالية ذهبية. [133] كان المعرض الكولومبي مكانًا مهمًا لتيفاني ، وقد تم عرض الكنيسة الصغيرة التي صممها في جناح الفن والصناعة. تُعرض كنيسة تيفاني ، إلى جانب إحدى نوافذ منزل تيفاني في نيويورك ، في متحف تشارلز هوسمر مورس للفن الأمريكي في وينتر بارك ، فلوريدا.

شخصية مهمة أخرى في الفن الأمريكي كان المهندس المعماري لويس سوليفان. كان سوليفان رائدًا رائدًا في العمارة الأمريكية الحديثة. كان مؤسس مدرسة شيكاغو ، ومهندس بعض ناطحات السحاب الأولى ، ومعلم فرانك لويد رايت. وكان من أشهر مقولاته "الشكل يتبع الوظيفة". في حين أن شكل مبانيه كان يتشكل من خلال وظيفتها ، كانت زخارفه مثالًا على الفن الأمريكي الحديث. في المعرض الكولومبي العالمي لعام 1893 في شيكاغو ، الأكثر شهرة في العمارة الكلاسيكية الجديدة التي اشتهرت بها المدينة البيضاء، قام بتصميم مدخل مذهل على طراز فن الآرت نوفو لمبنى النقل العملي للغاية. [134] [135]

في حين أن الهندسة المعمارية له مبنى كارسون ، بيري ، سكوت وشركاه (1899) (الآن مركز سوليفان) كان حديثًا وعمليًا بشكل لافت للنظر ، وأحاط النوافذ بزخارف نباتية منمقة. ابتكر زخرفة أصلية بنفس القدر لمصرف المزارعين الوطني في أواتونا ، مينستوتا (1907-1908) وبنك التجار الوطني في جرينيل ، أيوا. اخترع مجموعة أمريكية خاصة من فن الآرت نوفو ، معلناً أن الأشكال الزخرفية يجب أن تتأرجح وتندفع وتختلط وتشتق بلا نهاية. لقد ابتكر أعمالًا عالية الدقة تجمع أحيانًا بين القوطية وموضوعات فن الآرت نوفو. [136]

الفن الحديث في الأرجنتين تحرير

الزجاج المعشق والمنحوتات من قبل Ercole Pasina في Calise House في بوينس آيرس (1911)

أشغال معدنية وسيراميك وتماثيل في واجهة مبنى Club Español [بالإسبانية] في روزاريو (1912)

مدخنة خزفية من Confitería La Europea في روزاريو (1916)

غمرت الأرجنتين المهاجرين الأوروبيين ، ورحبت بجميع الأساليب الفنية والمعمارية الأوروبية ، بما في ذلك فن الآرت نوفو. [١٣٧] من أبرز المدن التي تتميز بتراث فن الآرت نوفو في الأرجنتين بوينس آيرس وروزاريو ومار ديل بلاتا. [138]

كانت باريس نموذجًا أوليًا لبوينس آيرس مع بناء الجادات والطرق الكبيرة في القرن التاسع عشر. [137] كان النمط المحلي جنبًا إلى جنب مع التأثير الفرنسي يتبع الحرية الإيطالية حيث كان العديد من المهندسين المعماريين (فيرجينيو كولومبو ، فرانسيسكو جيانوتي ، ماريو بالانتي) إيطاليين. في أعمال Julián García Núñez [بالإسبانية] يمكن ملاحظة التأثير الكاتالوني عندما أكمل دراسته في برشلونة عام 1900. [137] يمكن العثور على تأثير انفصال فيينا في مبنى Paso y Viamonte. [137]

يرتبط إدخال الفن الحديث في روزاريو بفرانسيسكو روكا سيمو [بالإسبانية] الذي تدرب في برشلونة. [139] يتميز مبنى Club Español الخاص به [بالإسبانية] (1912) بواحدة من أكبر النوافذ الزجاجية الملونة في أمريكا اللاتينية التي أنتجتها (بالإضافة إلى التبليط والسيراميك) شركة Buxadera المحلية ، Fornells y Cía. [140] نحات المبنى هو دييغو ماسانا من برشلونة. [140]

يمثل التأثير البلجيكي على فن الآرت نوفو الأرجنتيني في فيلا أورتيز باسوالدو ، التي تستضيف الآن متحف خوان كارلوس كاستانيينو المحلي للفنون في مار ديل بلاتا حيث الأثاث والديكورات الداخلية والإضاءة من تصميم Gustave Serrurier-Bovy.

الفن الحديث في بقية العالم تحرير

الفن الحديث / الكلاسيكية الجديدة Palacio de Bellas Artes في مكسيكو سيتي (1904-1934)

عرس رمزي: رسم لسجادة (ثلاثية من اليمين إلى اليسار): المنفى ، الزواج ، الخلاص من قبل إفرايم موسى ليلين (1906)

حانة صغيرة في سوفيتيل ليجند متروبول هانوي (1902) مع فن الآرت نوفو والتصاميم الاستعمارية

كما هو الحال في الأرجنتين ، تأثر الفن الحديث في البلدان الأخرى بالفنانين الأجانب:

  • كان الإسبان وراء مشاريع الفن الحديث في هافانا ، كوبا ، حتى أنهم لم يكونوا مؤهلين بدرجة كافية ليتم تسميتهم بالمهندسين المعماريين. [141] لم يشارك الإسبان بشكل مباشر في الأعمال في بونس ، بورتوريكو ، لكنهم كانوا مصدر إلهام وموضوع دراسة للمهندسين المعماريين المحليين في بونس ، بورتوريكو ، [142]
  • كان الفرنسيون وراء الفن الحديث في تونس (كانت تلك محمية فرنسية في ذلك الوقت) ،
  • كان الألمان وراء تراث Jugendstil في Lüderitz ، ناميبيا. [143] تشينغداو ، الصين ،
  • كان الإيطاليون وراء الفن الحديث في فالبارايسو ، تشيلي [144] مونتيفيديو ، أوروجواي ريو دي جانيرو ، البرازيل ، [145]
  • كان الروس وراء تراث الفن الحديث في هاربين ، الصين ، [146]
  • يتألف تراث الفن الحديث في ليما من أعمال الأخوة الإيطاليين ماسبري ، والمهندس المعماري الفرنسي كلود ساهوت وأساتذة الزجاج الملون البريطانيين [147] في مكسيكو سيتي نتيجة لتعاون الإيطاليين (المهندس المعماري آدمو بواري والنحات ليوناردو بيستولفي) ، والمهندس المعماري المحلي فيديريكو ماريسكال [بالإسبانية] والفنانين المجريين Aladár Körösfői-Kriesch و Géza Maróti و Miksa Róth والنحات الكتالوني Agustí Querol Subirats والأستاذ الفرنسي إدغار برانت. [148]

يمكن أيضًا العثور على زخارف فن الآرت نوفو في الفن الاستعماري الفرنسي في جميع أنحاء الهند الصينية الفرنسية.

ظهرت حركة فنية بارزة تسمى مدرسة بتسلئيل في منطقة فلسطين في تاريخها إلى أواخر فترات الانتداب العثماني والبريطاني. وقد وُصِف بأنه "مزيج من الفن الشرقي و Jugendstil". [149] لوحظ العديد من الفنانين المرتبطين بمدرسة بتسلئيل بأسلوبهم الفني الحديث ، بما في ذلك زئيف ربان ، وأفرايم موسى ليلين وهابيل بان. [150]

Coup de Fouet أو شكل مصع ، يصور سيقان زهور بخور مريم ، بقلم هيرمان أوبريست (1895)

أشكال نباتية منمنمة مدخل محطة مترو أنفرز في باريس بواسطة هيكتور غيمارد (1900)

أنماط الأزهار. مصباح بتصميم الوستارية من تصميم لويس كومفورت تيفاني (1899-1900)

مواد وديكورات غريبة. خزانة من خشب الماهوجني والأموريت بزخرفة زنبق الماء من البرونز المذهب للويس ماجوريل (1905-1908)

تصاميم نباتية منمقة للغاية في الشرفات والسور. سلم أوتو واغنر في Majolica House ، فيينا (1898)

تميز الفن الحديث المبكر ، لا سيما في بلجيكا وفرنسا ، بأشكال متموجة ومنحنية مستوحاة من الزنابق والكروم وسيقان الزهور والأشكال الطبيعية الأخرى ، المستخدمة بشكل خاص في الديكورات الداخلية لفيكتور هورتا وديكور لويس ماجوريل وإميل جالي. [151] كما أنها تعتمد على أنماط تستند إلى الفراشات واليعسوب ، مستعارة من الفن الياباني ، والتي كانت شائعة في أوروبا في ذلك الوقت. [151]

غالبًا ما تميز الفن الحديث المبكر بأشكال أكثر منمنمة تعبر عن الحركة ، مثل انقلاب fouet أو خط "whiplash" ، تم تصويره في نباتات بخور مريم رسمها المصمم هيرمان أوبريست في عام 1894. وصف منشور في مقلاة مجلة معلقة على حائط هيرمان أوبريست بخور مريم (1894) ، بمقارنتها بـ "المنحنيات العنيفة المفاجئة الناتجة عن صدع السوط ،" [152] مصطلح "الجلد" ، على الرغم من أنه استخدم في الأصل للسخرية من النمط ، إلا أنه كثيرًا ما يطبق على المنحنيات المميزة التي يستخدمها Art الفنانين الجدد. [152] غالبًا ما توجد مثل هذه الخطوط المتموجة والمتدفقة المزخرفة بإيقاع متزامن وشكل غير متماثل في الهندسة المعمارية والرسم والنحت وأشكال أخرى من تصميم فن الآرت نوفو. [152]

كانت أشكال الأزهار الأخرى شائعة ، مستوحاة من الزنابق والويستريا والزهور الأخرى ، لا سيما في مصابيح لويس كومفورت تيفاني والأشياء الزجاجية التي صنعها فنانو مدرسة نانسي وإميل غالي. تضمنت الأشكال المنحنية والمموجة الأخرى المستعارة من الطبيعة الفراشات والطاووس والبجع وزنابق الماء. صورت العديد من التصميمات شعر المرأة متشابكًا مع سيقان الزنابق والقزحية والزهور الأخرى. [١٥٣] استخدم فيكتور هورتا أشكال الأزهار المنمقة بشكل خاص في السجاد ، والدرابزينات ، والنوافذ ، والأثاث. كما تم استخدامها على نطاق واسع من قبل هيكتور غيمارد للدرابزين ، والأكثر شهرة ، للمصابيح والسور عند مداخل مترو باريس. وأوضح غيمارد: "ما يجب تجنبه في كل ما هو مستمر هو التوازي والتماثل. الطبيعة هي البناء الأعظم والطبيعة لا تصنع شيئًا متوازيًا ولا شيء متماثل". [154]

تميز أثاث فن الآرت نوفو السابق ، مثل ذلك الذي صنعه لويس ماجوريل وهنري فان دي فيلدي ، باستخدام مواد غريبة ومكلفة ، بما في ذلك خشب الماهوجني مع تطعيمات من الأخشاب الثمينة والزخارف ، وأشكال التقويس بدون زوايا قائمة. أعطى إحساسًا بالخفة.

في المرحلة الثانية من الفن الحديث ، بعد عام 1900 ، أصبحت الزخرفة أكثر نقاءً وكانت الخطوط أكثر منمقًا. تطورت خطوط الانحناء والأشكال إلى مضلعات ثم إلى مكعبات وأشكال هندسية أخرى. تم استخدام هذه الأشكال الهندسية مع تأثير خاص في الهندسة المعمارية والأثاث لكل من جوزيف ماريا أولبريتش وأوتو واجنر وكولومان موسر وجوزيف هوفمان ، وخاصة قصر ستوكليت في بروكسل ، الذي أعلن عن وصول آرت ديكو والحداثة. [76] [77] [78]

سمة أخرى من سمات فن الآرت نوفو هي استخدام الضوء ، من خلال فتح المساحات الداخلية ، وإزالة الجدران ، والاستخدام المكثف للمناور لجلب أكبر قدر من الضوء إلى الداخل. كان استوديو سكن فيكتور هورتا والمنازل الأخرى التي بناها ذات مناور واسعة ، مدعومة بإطارات حديدية منحنية. في فندق Tassel أزال الجدران التقليدية حول الدرج ، بحيث أصبح الدرج عنصرًا مركزيًا في التصميم الداخلي.

كأسلوب فني ، يتمتع Art Nouveau بصلات مع أنماط Pre-Raphaelites والرمزية ، ويمكن تصنيف فنانين مثل Aubrey Beardsley و Alphonse Mucha و Edward Burne-Jones و Gustav Klimt و Jan Toorop في أكثر من واحد من هذه الأساليب. على عكس الرسم الرمزي ، فإن فن الآرت نوفو له مظهر مميز ، وعلى عكس حركة الفنون والحرف اليدوية ، استخدم فنانو الفن الحديث بسهولة المواد الجديدة والأسطح المشكّلة والتجريد في خدمة التصميم النقي.

لم يتجنب الفن الحديث استخدام الآلات ، كما فعلت حركة الفنون والحرف. بالنسبة للنحت ، كانت المواد الرئيسية المستخدمة هي الزجاج والحديد المطاوع ، مما أدى إلى صفات نحتية حتى في الهندسة المعمارية. تم استخدام الخزف أيضًا في إنشاء إصدارات من المنحوتات لفنانين مثل أوغست رودين. [155] على الرغم من أن منحوته لا يعتبر فن الآرت نوفو.

استفادت الهندسة المعمارية لفن الآرت نوفو من العديد من الابتكارات التكنولوجية في أواخر القرن التاسع عشر ، وخاصة استخدام الحديد المكشوف وقطع الزجاج الكبيرة غير المنتظمة للهندسة المعمارية.

تم استيعاب ميول الفن الحديث أيضًا في الأنماط المحلية. في الدنمارك ، على سبيل المثال ، كان أحد جوانب Skønvirke ("العمل الجمالي") ، والذي يرتبط ارتباطًا وثيقًا بأسلوب الفنون والحرف اليدوية. [156] [157] وبالمثل ، اعتمد الفنانون العديد من الزخارف النباتية والعضوية للفن الحديث في مودا بولسكا ("الشباب البولندي") في بولندا. [158] مودا بولسكاومع ذلك ، كان أيضًا شاملاً للأنماط الفنية الأخرى وشمل نهجًا أوسع للفن والأدب ونمط الحياة. [159]

يتم تمثيل الفن الحديث في الرسم والنحت ، ولكنه الأبرز في العمارة والفنون الزخرفية. كان مناسبًا تمامًا لفنون الجرافيك ، وخاصة الملصق والتصميم الداخلي وفن المعدن والزجاج والمجوهرات وتصميم الأثاث والسيراميك والمنسوجات.

تحرير الملصقات وفن الجرافيك

العدد الأول من الاستوديوبغطاء لأوبري بيردسلي (1893)

ملصق لـ Grafton Galleries بواسطة Eugène Grasset (1893)

الطابعة الداخلية غلاف مجلة ويل إتش برادلي (1894)

ملصق لـ كتاب الفصل بقلم ويل إتش برادلي (1895)

بسكويت Lefèvre-Utile بواسطة ألفونس موتشا (1896)

تقويم زودياك بواسطة ألفونس موتشا (1896)

فير ساكروم رسم توضيحي لـ Koloman Moser (1899)

توضيح من فير ساكروم بواسطة Koloman Moser (1900)

ازدهرت فنون الجرافيك في فترة الفن الحديث ، وذلك بفضل تقنيات الطباعة الجديدة ، وخاصة الطباعة الحجرية الملونة ، والتي سمحت بالإنتاج الضخم للملصقات الملونة. لم يعد الفن محصوراً في المعارض والمتاحف وصالونات التجميل ، فقد كان من الممكن العثور عليه على جدران باريس ، وفي المجلات الفنية المصورة ، التي تم تداولها في جميع أنحاء أوروبا والولايات المتحدة. كان الموضوع الأكثر شيوعًا لملصقات فن الآرت نوفو هو المرأة التي ترمز إلى البريق والحداثة والجمال ، وغالبًا ما تكون محاطة بالزهور.

في بريطانيا ، كان الفنان الجرافيكي الرائد في أسلوب الفن الحديث هو أوبري بيردسلي (1872-1898). بدأ برسوم توضيحية لكتاب محفور لـ لو مورتي دارثر، ثم الرسوم التوضيحية بالأبيض والأسود لـ سالومي بواسطة أوسكار وايلد (1893) ، والتي جلبت له الشهرة. في نفس العام بدأ في نقش الرسوم التوضيحية والملصقات للمجلة الفنية الاستوديوالتي ساعدت في الدعاية للفنانين الأوروبيين مثل فرناند خنوف في بريطانيا. جذبت الخطوط المنحنية والأنماط الزهرية المعقدة قدرًا كبيرًا من الاهتمام مثل النص. [160]

كان الفنان السويسري الفرنسي يوجين غراست (1845-1917) من أوائل المبدعين لملصقات الفن الحديث الفرنسية. ساعد في تزيين الملهى الشهير Le Chat noir في عام 1885 وصنع ملصقاته الأولى لـ Fêtes de Paris. قام بعمل ملصق شهير لسارة برنهارد في عام 1890 ، ومجموعة متنوعة من الرسوم التوضيحية للكتب. صمم كل من الفنانين والمصممين جول شيريه وجورج دي فيور والرسام هنري دي تولوز لوتريك ملصقات للمسارح والمقاهي وقاعات الرقص في باريس. وصل الفنان التشيكي ألفونس موتشا (1860-1939) إلى باريس عام 1888 ، وفي عام 1895 رسم ملصقًا للممثلة سارة برنهارد في المسرحية. جيسموندا بواسطة فيكتورين ساردو. أدى نجاح هذا الملصق إلى عقد لإنتاج ملصقات لستة مسرحيات أخرى لبرنهاردت. على مدى السنوات الأربع التالية ، قام أيضًا بتصميم مجموعات وأزياء وحتى مجوهرات للممثلة. [161] [162] بناءً على نجاح ملصقاته المسرحية ، صنع موتشا ملصقات لمجموعة متنوعة من المنتجات ، بدءًا من السجائر والصابون إلى بسكويت البيرة ، وكلها تتميز بشخصية أنثوية مثالية مع شكل الساعة الرملية. ذهب لتصميم المنتجات ، من المجوهرات إلى علب البسكويت ، بأسلوبه المميز. [163]

في فيينا ، كان المصمم الأكثر إنتاجًا للرسومات والملصقات هو كولومان موسر (1868-1918) ، الذي شارك بنشاط في حركة الانفصال مع جوستاف كليمت وجوزيف هوفمان ، وقام بعمل رسوم توضيحية وأغلفة لمجلة الحركة ، فير ساكروموكذلك اللوحات والأثاث والديكور. [164]

تحرير اللوحة

بيير بونارد ، نساء في الحديقة (1890-1891) ، شاشات مطلية باليابانية كاميمونو نمط

لو كورساج راي بقلم إدوارد فويلارد (1895) ، المعرض الوطني للفنون

بول سيروزيه ، المرأة في الربيعمتحف أورسيه (1898)

بيتهوفن إفريز في Sezessionshaus في فيينا بواسطة غوستاف كليمت (1902)

لوحة بالألوان المائية والحبر لرقصة Loïe Fuller ، بقلم كولومان موسر (1902)

Sgraffito بواسطة Paul Cauchie في مقر إقامته واستوديوه ، بروكسل (1905)

تفاصيل الإفريز لجوستاف كليمت في قصر ستوكليت ، بروكسل (1905-1911)

كان الرسم مجالًا آخر للفن الحديث ، على الرغم من أن معظم الرسامين المرتبطين بالفن الحديث يوصفون في المقام الأول بأنهم أعضاء في حركات أخرى ، لا سيما ما بعد الانطباعية والرمزية. اشتهر ألفونس موتشا بملصقات فن الآرت نوفو التي أحبطته. وفقًا لابنه وكاتب سيرته الذاتية ، جيري موتشا ، لم يفكر كثيرًا في الفن الحديث. "ما هذا، فن حديث؟ سأل. "لا يمكن للفن أن يكون جديدًا أبدًا." [165] كان يفخر بعمله كرسام للتاريخ. لوحته الوحيدة المستوحاة من الفن الحديث ، "سلافا" ، هي صورة لابنة راعيه بالزي السلافي ، والتي تم تصميمها على غرار ملصقاته المسرحية. [165]

كان الرسامون الأكثر ارتباطًا بالفن الحديث هم Les Nabis ، فنانون ما بعد الانطباعية الذين نشطوا في باريس من عام 1888 حتى عام 1900. كان أحد أهدافهم المعلنة هو كسر الحاجز بين الفنون الجميلة والفنون الزخرفية. لم يرسموا اللوحات القماشية فحسب ، بل رسموا أيضًا الشاشات والألواح الزخرفية. تأثر العديد من أعمالهم بجماليات المطبوعات اليابانية. وكان من بين الأعضاء بيير بونارد ، وموريس دينيس ، وبول رانسون ، وإدوار فويلارد ، وكير كزافييه روسيل ، وفيليكس فالوتون ، وبول سيروزيه. [166]

في بلجيكا ، عمل فرناند خنوف في الرسم والتصميم الجرافيكي. تم دمج الجداريات الجدارية لجوستاف كليمت في مخطط زخرفي لجوزيف هوفمان في قصر ستوكليت. تعتبر لوحة كليمت الجدارية لغرفة الطعام في قصر ستوكليت (1905-1911) من روائع الفن الحديث المتأخر.

ظهر موضوع واحد في كل من الرسم التقليدي وفن الآرت نوفو ، الراقصة الأمريكية لوي فولر ، تم تصويرها من قبل الرسامين الفرنسيين والنمساويين وفناني الملصقات. [167]

أحد الأساليب الخاصة التي أصبحت شائعة في فترة الفن الحديث ، وخاصة في بروكسل ، كان sgraffito ، وهي تقنية اخترعت في عصر النهضة لتطبيق طبقات من الجص الملون لعمل جداريات على واجهات المنازل. تم استخدام هذا على وجه الخصوص من قبل المهندس المعماري البلجيكي بول هانكار للمنازل التي بناها لاثنين من أصدقائه الفنانين ، بول كوشي وألبرت سيامبرلاني.

تحرير فن الزجاج

فنجان الاسم المستعار بواسطة إميل جالي ، فرنسا ، (1894)

لامب أوكس أومبيل بواسطة إميل غالي ، فرنسا (حوالي 1902)

روز دي فرانس كوب من إميل جالي ، (1901)

نافذة الزجاج الملون فيراندا دي لا سال بقلم جاك جروبر في نانسي ، فرنسا (1904)

الزجاج المنفوخ بتصميم زهرة بواسطة كارل كوبينج ، ألمانيا ، (1896)

زجاج من تصميم أوتو بروتشر (النمسا) (1909)

نافذة لمنزل عاشق للفنون ، بقلم مارغريت ماكدونالد ماكينتوش (1901)

مزهرية Jack-in-the-pulpit ، لويس كومفورت تيفاني ، الولايات المتحدة (1910) [168]

نافذة الزجاج الملون هندسة معمارية بواسطة John La Farge US (1903)

نوافذ زجاجية ملونة من تصميم كولومان موسر لكنيسة القديس ليوبولد ، فيينا (1902–07)

كان فن الزجاج وسيطًا وجد فيه الفن الحديث طرقًا جديدة ومتنوعة للتعبير. استمر قدر مكثف من التجارب ، لا سيما في فرنسا ، لإيجاد تأثيرات جديدة للشفافية والتعتيم: في نقش النقش ، والطبقات المزدوجة ، والنقش بالحمض ، وهي تقنية سمحت بالإنتاج في سلسلة. أصبحت مدينة نانسي مركزًا مهمًا لصناعة الزجاج الفرنسية ، وكانت هناك ورش عمل إميل جالي واستوديو دوم ، بقيادة أوغست وأنطونين دوم ، هناك. لقد عملوا مع العديد من المصممين البارزين ، بما في ذلك إرنست بوسيير [فرنسي] وهنري بيرجي (رسومي) [فرنسي] وأمالريك والتر. لقد طوروا طريقة جديدة لقشر الزجاج عن طريق ضغط أجزاء من زجاج ملون مختلف في القطعة غير المكتملة. غالبًا ما تعاونوا مع مصمم الأثاث لويس ماجوريل ، الذي كان منزله وورش العمل في نانسي. ميزة أخرى لفن الآرت نوفو هي استخدام النوافذ الزجاجية الملونة مع هذا النمط من الموضوعات الزهرية في الصالونات السكنية ، لا سيما في منازل الفن الحديث في نانسي. كان العديد من أعمال جاك جروبر ، الذي صنع نوافذ لفيلا ماجوريل ومنازل أخرى. [169]

في بلجيكا ، كانت الشركة الرائدة هي مصنع الزجاج في Val Saint Lambert ، الذي صنع مزهريات بأشكال عضوية وزهرية ، صمم العديد منها فيليب ولفرس. لوحظ ولفرس بشكل خاص لإنشاء أعمال زجاجية رمزية ، غالبًا مع زخرفة معدنية ملحقة. في بوهيميا ، التي كانت آنذاك منطقة من الإمبراطورية النمساوية المجرية تشتهر بصناعة الكريستال ، شركتا J. & amp L. Lobmeyr و Joh. جرب Loetz Witwe أيضًا تقنيات تلوين جديدة ، مما أدى إلى إنتاج ألوان أكثر إشراقًا وثراءً. في ألمانيا ، قاد كارل كوبنج التجارب ، الذي استخدم الزجاج المنفوخ لصنع أكواب رقيقة للغاية على شكل أزهار حساسة للغاية لدرجة أن القليل منها ما زال على قيد الحياة اليوم. [170]

في فيينا ، كانت التصاميم الزجاجية لحركة الانفصال هندسية أكثر بكثير من تلك الخاصة بفرنسا أو بلجيكا كان أوتو بروتشر أكثر مصمم الزجاج صرامة في الحركة. [170] في بريطانيا ، ابتكرت مارجريت ماكدونالد ماكينتوش عددًا من تصاميم الزجاج المعشق بالزهور من أجل العرض المعماري المسمى "بيت عاشق الفن".

في الولايات المتحدة ، اشتهر لويس كومفورت تيفاني ومصمموه بشكل خاص بمصابيحهم ، التي استخدمت ظلالها الزجاجية موضوعات زهرية مشتركة تم تجميعها معًا بشكل معقد. اكتسبت مصابيح تيفاني شعبية بعد المعرض الكولومبي العالمي في شيكاغو عام 1893 ، حيث عرض تيفاني مصابيحه في كنيسة صغيرة تشبه البيزنطية. جربت تيفاني على نطاق واسع عمليات تلوين الزجاج ، وحصلت على براءة اختراع في عام 1894 لعملية زجاج فافريل ، والتي تستخدم أكاسيد معدنية لتلوين الجزء الداخلي من الزجاج المصهور ، مما يعطيها تأثيرًا قزحيًا. أنتجت ورشته عدة مجموعات مختلفة من مصباح تيفاني بتصميمات نباتية مختلفة ، جنبًا إلى جنب مع نوافذ زجاجية ملونة ، وشاشات ، ومزهريات ومجموعة من الأشياء الزخرفية. تم استيراد أعماله لأول مرة إلى ألمانيا ، ثم إلى فرنسا بواسطة Siegfried Bing ، ثم أصبحت واحدة من الأحاسيس الزخرفية في معرض عام 1900. تم تأسيس Steuben Glass ، المنافس الأمريكي لـ Tiffany ، في عام 1903 في Corning ، نيويورك ، بواسطة Frederick Carder ، الذي استخدم ، مثل Tiffany ، عملية Fevrile لإنشاء أسطح بألوان قزحية. كان الفنان الزجاجي الأمريكي البارز جون لا فارج ، الذي ابتكر نوافذ زجاجية ملونة ومعقدة في كل من الموضوعات الدينية والزخرفية البحتة. [170]

يمكن العثور على أمثلة على النوافذ الزجاجية الملونة في الكنائس في مقالة المباني الدينية على طراز فن الآرت نوفو.

تحرير فن المعادن

شرفة Castel Béranger في باريس ، بواسطة هيكتور غيمار (1897-1898)

درابزين من تصميم لويس ماجوريل لبنك رينو في نانسي

شمعدان توليب لفرناند دوبوا (1899)

مصباح طاولة بقلم فرانسوا راؤول لارش من البرونز المذهب ، مع الراقصة Loïe Fuller كنموذج (1901)

شواية مدخل فيلا ماجوريل في نانسي (1901–02)

درابزين من الحديد الزهر لجورج جرانت إلمسلي (1899-1904)

مصباح للمهندس الألماني فريدريش أدلر (1903–04)

مصباح لإرنست ريجل مصنوع من الفضة والملاكيت (1905)

بوابة قصر Stoclet لجوزيف هوفمان ، بروكسل (1905-1911)

بوابة فيلا كنوبف في ستراسبورغ (1905)

دعا المنظر المعماري في القرن التاسع عشر Viollet-le-Duc إلى إظهار الأطر الحديدية للمباني الحديثة بدلاً من إخفائها ، لكن المهندسين المعماريين في فن الآرت نوفو فيكتور هورتا وهيكتور غيمارد ذهبوا إلى أبعد من ذلك: لقد أضافوا زخرفة حديدية في منحنيات مستوحاة من الأزهار والنباتات. أشكال في كل من الداخلية والخارجية لمبانيهم. لقد اتخذوا شكل درابزين الدرج في الداخل ، ومصابيح الإضاءة ، وتفاصيل أخرى في الداخل ، وشرفات وزخارف أخرى في الخارج. أصبحت هذه بعض السمات الأكثر تميزًا لعمارة فن الآرت نوفو. وسرعان ما ظهر استخدام الزخرفة المعدنية بأشكال نباتية في الأواني الفضية والمصابيح وغيرها من العناصر الزخرفية. [171]

في الولايات المتحدة ، صمم المصمم جورج جرانت إلمسلي تصميمات معقدة للغاية من الحديد الزهر للدرابزينات والديكورات الداخلية الأخرى لمباني المهندس المعماري في شيكاغو لويس سوليفان.

بينما استخدم المصممون الفرنسيون والأمريكيون الأشكال الزهرية والنباتية ، صمم جوزيف ماريا أولبريتش وفناني الانفصال الآخرين أقداح الشاي وغيرها من الأشياء المعدنية بأسلوب هندسي ورصين. [172]

تحرير المجوهرات

قرن منحوت مزين باللآلئ ، رسمه لويس أوكوك (حوالي عام 1900)

أزهار المينا الشفافة مع عروق الماس الصغيرة ، بقلم لويس أوكوك (حوالي عام 1900)

بروش "فلورا" من تصميم لويس أوكوك (حوالي عام 1900)

زخرفة الصدار بواسطة لويس تيفاني (1900)

بروش اليعسوب ليدي من تصميم رينيه لاليك ، مصنوع من الذهب والمينا والكرزوبريز وحجر القمر والماس (1897-1898)

بروش مع امرأة - رينيه لاليك

بروش من القرن المطلي بالمينا والذهب والزبرجد من تصميم بول فولوت (1904-1909)

تشتمل خصائص مجوهرات الآرت نوفو على منحنيات وخطوط دقيقة. غالبًا ما يتميز تصميمه بأشياء طبيعية بما في ذلك الزهور أو الحيوانات أو الطيور. الجسد الأنثوي أيضًا شائع الظهور في كثير من الأحيان على النقش. غالبًا ما تضمنت قلادات طويلة مصنوعة من اللؤلؤ أو سلاسل من الفضة الإسترليني تتخللها خرز زجاجي أو تنتهي بقلادة فضية أو ذهبية ، وغالبًا ما تُصمم نفسها كزخرفة لعقد جوهرة واحدة ذات أوجه من الجمشت أو الزبرجد أو السترين. [173]

جلبت فترة الفن الحديث ثورة أسلوبية ملحوظة في صناعة المجوهرات ، بقيادة الشركات الكبرى في باريس إلى حد كبير. على مدى القرنين الماضيين ، كان التركيز في المجوهرات الراقية على خلق إعدادات دراماتيكية للماس. في عهد الفن الحديث ، لعب الماس دورًا داعمًا. جرب الجواهريون مجموعة متنوعة من الأحجار الأخرى ، بما في ذلك العقيق والعقيق والأوبال وحجر القمر والزبرجد والأحجار شبه الكريمة الأخرى ، وباستخدام مجموعة متنوعة من التقنيات الجديدة ، من بين أمور أخرى ، المينا ، والمواد الجديدة ، بما في ذلك القرن ، والزجاج المصبوب ، والعاج.

كان من بين أوائل صائغي المجوهرات البارزين البارزين على طراز فن الآرت نوفو لويس أوكوك ، الذي يرجع تاريخ شركة مجوهرات عائلته إلى عام 1821. وقد خدم رينيه لاليك ، المصمم الأكثر شهرة في فترة الفن الحديث ، تدريبه المهني في استوديو Aucoc من عام 1874 إلى عام 1876. شخصية من المجوهرات والزجاج على طراز فن الآرت نوفو ، باستخدام الطبيعة ، من اليعسوب إلى الأعشاب ، كنماذج له. جرب فنانون من خارج عالم المجوهرات التقليدي ، مثل Paul Follot ، المعروف باسم مصمم الأثاث ، تصميمات المجوهرات. ومن بين مصممي المجوهرات الفرنسيين البارزين الآخرين فن الآرت نوفو جول براتو وجورج هنري. في الولايات المتحدة ، كان المصمم الأكثر شهرة لويس كومفورت تيفاني ، الذي عُرضت أعماله في متجر سيجفريد بينغ وأيضًا في معرض باريس عام 1900.

في بريطانيا ، كان الشخصية الأبرز هو مصمم Liberty & amp Co. & amp Cymric ، أرشيبالد نوكس ، الذي صنع مجموعة متنوعة من قطع الآرت نوفو ، بما في ذلك أبازيم الحزام الفضي. قام C.R Ashbee بتصميم المعلقات على شكل طاووس. كما صنع المصمم تشارلز ريني ماكينتوش المصمم متعدد الاستخدامات في غلاسكو المجوهرات باستخدام رموز سلتيك التقليدية. في ألمانيا ، مركز جوجيندستيل كانت المجوهرات مدينة بفورتسهايم ، حيث كانت تقع معظم الشركات الألمانية ، بما في ذلك تيودور فاهرنر. قاموا بسرعة بإنتاج أعمال لتلبية الطلب على النمط الجديد. [173]

تحرير العمارة والزخرفة

مدخل فندق سولفاي في بروكسل بقلم فيكتور هورتا (1898)

تفاصيل واجهة فيلا ماجوريل بواسطة هنري سوفاج في نانسي (1901–02)

الأشواك وماسكارون مبطنة بالمنحنى في زخرفة مبنى Les Chardons بواسطة Charles Klein في باريس (1903)

زخارف الاصابة في محطة سكة حديد فيتيبسكي بواسطة سيما ميهاش وستانيسلاف برزوزوفسكي ، سانت بطرسبرغ (1904)

أحد الماسكارون الذي صنعه آدمو بواري في واجهة Palacio de Bellas Artes في مكسيكو سيتي ، المكسيك (1904-1934)

واجهة غير متماثلة مع خطوط منحنية لمبنى De Beck من تصميم Gustave Strauven في بروكسل (1905)

قزحية وماسكارون في واجهة مبنى Schichtel من تصميم Aloys Walter في ستراسبورغ ، فرنسا (1905–06)

كانت العمارة على طراز فن الآرت نوفو بمثابة رد فعل ضد الأساليب الانتقائية التي هيمنت على العمارة الأوروبية في النصف الثاني من القرن التاسع عشر. تم التعبير عنها من خلال الزخرفة: إما الزينة (على أساس الزهور والنباتات ، مثل الأشواك ، [174] قزحية ، [175] بخور مريم ، بساتين الفاكهة ، زنابق الماء وما إلى ذلك) أو منحوتة (انظر القسم المعني أدناه). بينما يشار إلى وجوه الأشخاص (أو الماسكارونات) إلى الزخرفة ، كان استخدام الأشخاص في أشكال مختلفة من النحت (التماثيل والنقوش: انظر القسم المعني أدناه) شائعًا أيضًا في بعض أشكال الفن الحديث. قبل انفصال فيينا ، كانت Jugendstil والأشكال المختلفة للواجهات ذات الطراز الرومانسي الوطني غير متناظرة ، وغالبًا ما كانت مزينة ببلاط خزفي متعدد الألوان. تشير الزخرفة عادة إلى الحركة ولم يكن هناك تمييز بين الهيكل والزخرفة. [176] تم استخدام شكل الكيرلنج أو "الجيرلاش" ، المستند إلى أشكال النباتات والزهور ، على نطاق واسع في أوائل الفن الحديث ، ولكن الزخرفة أصبحت أكثر تجريدًا وتناظرًا في فصل فيينا والإصدارات اللاحقة الأخرى من النمط ، كما في قصر ستوكليت في بروكسل (1905-1911). [177]

ظهر النمط لأول مرة في Hankar House في بروكسل بواسطة Paul Hankar (1893) و Hôtel Tassel (1892-1893) لفيكتور هورتا. زار هيكتور غيمارد فندق Hôtel Tassel ، الذي استخدم نفس الأسلوب في أول أعماله الرئيسية ، Castel Béranger (1897-1898). قام Horta و Guimard أيضًا بتصميم الأثاث والديكور الداخلي ، وصولاً إلى مقابض الأبواب والسجاد. في عام 1899 ، بناءً على شهرة Castel Béranger ، تلقى Guimard عمولة لتصميم مداخل محطات مترو Paris Métro الجديد ، الذي تم افتتاحه في عام 1900. وعلى الرغم من بقاء القليل من النسخ الأصلية ، إلا أنها أصبحت رمزًا لحركة Art Nouveau في باريس.

في باريس ، كان النمط المعماري أيضًا رد فعل على اللوائح الصارمة المفروضة على واجهات المباني من قبل جورج أوجين هوسمان ، محافظ باريس تحت حكم نابليون الثالث. تم السماح أخيرًا بنوافذ القوس في عام 1903 ، وذهب مهندسو فن الآرت نوفو إلى الطرف المقابل ، وعلى الأخص في منازل Jules Lavirotte ، التي كانت في الأساس عبارة عن أعمال نحتية كبيرة ، مغطاة بالكامل بالديكور. ظهر حي مهم من منازل الفن الحديث في مدينة نانسي الفرنسية ، حول فيلا ماجوريل (1901–02) ، مقر إقامة مصمم الأثاث لويس ماجوريل. تم تصميمه من قبل Henri Sauvage كواجهة عرض لتصميمات أثاث ماجوريل. [176]

مباني المدخل في Parc Güell بواسطة Antoni Gaudí في برشلونة (1900-1914)

تم إدراج العديد من مباني الفن الحديث في قائمة اليونسكو للتراث الثقافي العالمي كجزء من مراكز مدنهم (في برن ، بودابست ، لفيف ، باريس ، بورتو ، براغ ، ريغا ، سانت بطرسبرغ ، ستراسبورغ (نيوستادت) ، فيينا). إلى جانبهم ، كانت هناك مبانٍ تم إدراجها في القائمة كأشياء منفصلة:

  • بلجيكا: أعمال فيكتور هورتا (فندق تاسيل ، فندق سولفاي ، فندق فان إيتفيلدي ، ميزون وأتيليه هورتا) [5] وقصر ستوكليت لجوزيف هوفمان في بروكسل
  • إسبانيا: أعمال Lluís Domènech i Montaner [105] (Palau de la Música Catalana and Hospital de Sant Pau في برشلونة) ، وأعمال أنطوني غاودي [178] (Park Güell ، Palau Güell ، Sagrada Família ، Casa Batlló ، Casa Milá ، Casa Vicens في برشلونة Colònia Güell في سانتا كولوما دي سيرفيلو).

تحرير النحت

راقصة مع وشاح من Agathon Léonard ، صنعت للمصنع الوطني de Sèvres ، فرنسا (1898)

تمثال من الطين متعدد الألوان بواسطة لامبرت إسكالر [كاليفورنيا] في برشلونة (1901)

نقش مرتفع للبجع والتماثيل في الجزء الداخلي من مسرح آرهوس لكارل هانسن ريستروب في آرهوس ، الدنمارك (1897-1900)

نقش مرتفع للبوم في Katajanokka بواسطة Georg Wasastjerna ، هلسنكي (1903)

النحت لإرنست بوسيير في نانسي ، فرنسا

نقش بارز في Sprudelhof بواسطة Heinrich Jobst في Bad Nauheim ، ألمانيا (1905-1911)

نقش من الخزف وتمثال لستانيسلاف سوشاردا في هراديك كرالوف ، جمهورية التشيك (1909-1912)

Gargoyle بواسطة Josep Plantada i Artiga في طرطوشة ، كاتالونيا ، إسبانيا (1915)

Atlantes ، caryatids في Sankt-Mang-Brunnen بواسطة Georg Wrba في Kempten ، ألمانيا (1905)

المعجون الخزفي في كونسرفتوار الموسيقى في برشلونة ليوسيبي أرناو (1916-1928)

كان النحت شكلاً آخر من أشكال التعبير لفناني الفن الحديث ، حيث كان يتقاطع مع السيراميك أحيانًا. تمثال من الخزف راقصة مع وشاح بواسطة Agathon Léonard حصل على التقدير في كل من الخزف والنحت في معرض باريس في عام 1900. كما أنشأ النحاتون من البلدان الأخرى منحوتات خزفية: البوهيمي ستانيسلاف سوشاردا ولاديسلاف ألون ، البلجيكي تشارلز فان دير ستابن وكاتالان لامبرت إسكالر [كاليفورنيا] ، الذي صنع التماثيل من الطين متعدد الألوان. كان النحات البارز الآخر في ذلك الوقت هو Agustí Querol Subirats من كاتالونيا الذي صنع تماثيل في إسبانيا والمكسيك والأرجنتين وكوبا. [179]

في النحت المعماري ، لم يتم استخدام التماثيل فحسب ، بل تم استخدام النقوش أيضًا. وجد مهندسو فن الآرت نوفو ونحاتو الإلهام في الزخارف الحيوانية (الفراشات ، [180] طاووس ، [181] البجع ، [182] البوم ، [183] ​​الخفافيش ، [184] التنين ، [185] الدببة [186]). كما تم استخدام أتلانتس ، [187] كارياتيدات ، [188] بوتي ، [189] والغرغول [190].

تحرير الأثاث

خزانة ملابس ريتشارد ريمرشميد ، ألمانيا (1902)

غرفة الطعام من قبل Eugène Vallin ، فرنسا (1903)

الأثاث الذي وضعه فيكتور هورتا في فندق Aubeque من بروكسل (1902-1904)

"كرسي الحلزون" وأثاث آخر لكارلو بوجاتي ، إيطاليا (1902)

كرسي من قبل جاسبار هومار ، إسبانيا (1903)

سرير "الفجر والغسق" بواسطة إميل غالي ، فرنسا (1904)

كرسي بذراعين قابل للتعديل طراز 670 "آلة جلوس" صممه جوزيف هوفمان ، النمسا (1904–1906)

فيكتور هورتا ، أثاث من تورين (1902) ، ضمن مجموعة مؤسسة الملك بودوان.

ارتبط تصميم الأثاث في فترة الفن الحديث ارتباطًا وثيقًا بهندسة المباني التي صممها المهندسون المعماريون غالبًا الأثاث والسجاد وتجهيزات الإضاءة ومقابض الأبواب والتفاصيل الزخرفية الأخرى. غالبًا ما كان الأثاث معقدًا ومكلفًا ، وكان يُنظر إلى التشطيب الجيد ، وعادة ما يكون مصقولًا أو ملمعًا ، على أنه ضروري ، وكانت التصاميم القارية عادةً معقدة للغاية ، مع أشكال منحنية كانت باهظة الثمن. كما أن له عيبًا يتمثل في عدم قدرة صاحب المنزل على تغيير الأثاث أو إضافة قطع بأسلوب مختلف دون الإخلال بتأثير الغرفة بالكامل. لهذا السبب ، عندما خرجت العمارة في فن الآرت نوفو عن الطراز ، اختفى نمط الأثاث أيضًا إلى حد كبير.

في فرنسا ، كان مركز تصميم وتصنيع الأثاث في نانسي ، حيث كان لدى اثنين من المصممين الرئيسيين ، إميل جالي ولويس ماجوريل ، استوديوهات وورش عمل ، وحيث تحالف الصناعات الفنية (التي سميت فيما بعد بمدرسة نانسي) تأسست في عام 1901. كلا المصممين يعتمدان على بنيتهما وزخارفهما على أشكال مأخوذة من الطبيعة ، بما في ذلك الزهور والحشرات ، مثل اليعسوب ، وهو موضوع شائع في تصميم فن الآرت نوفو. اشتهر غالي بشكل خاص باستخدام التطعيم في الإغاثة ، في شكل مناظر طبيعية أو موضوعات شعرية. اشتهر ماجوريل باستخدامه للأخشاب الغريبة والمكلفة ، ولربط قطع أثاثه بالبرونز المنحوت على شكل نباتات. استخدم كلا المصممين آلات في المراحل الأولى من التصنيع ، ولكن تم الانتهاء من جميع القطع يدويًا. من بين مصممي الأثاث البارزين الآخرين في مدرسة نانسي ، كان كل من يوجين فالين وإميل أندريه مهندسين معماريين من خلال التدريب ، وكلاهما مصمم أثاثًا يشبه الأثاث من المصممين البلجيكيين مثل Horta و Van de Velde ، اللذان كان لهما زخرفة أقل واتبعت عن كثب النباتات المنحنية والزهور. ومن بين المصممين الفرنسيين البارزين الآخرين هنري بيليري ديسفونتين ، الذي استوحى إلهامه من الأساليب القوطية الجديدة في فيوليت لو دوك وجورج دي فيور ، ويوجين جيلارد ، وإدوارد كولونا ، الذين عملوا مع تاجر الأعمال الفنية سيغفريد بينغ لتنشيط الفرنسيين. صناعة الأثاث بمواضيع جديدة. عُرف عملهم بـ "الطبيعة المجردة" ، ووحدتها للخطوط المستقيمة والمنحنية ، وتأثيرها الروكوكو. فاز أثاث de Feure في جناح Bing بميدالية ذهبية في معرض باريس 1900. كان المصمم الفرنسي الأكثر غرابة وخلابة هو فرانسوا روبرت كارابين ، وهو نحات من خلال التدريب ، وقد تميز أثاثه بأشكال نسائية عارية منحوتة وحيوانات رمزية ، خاصة القطط ، التي جمعت بين عناصر فن الآرت نوفو والرمزية. ومن المصممين الآخرين المؤثرين في باريس للأثاث تشارلز بلوميت وألكسندر شاربينتير. [191] من نواحٍ عديدة ، أعيد تفسير المفردات والتقنيات القديمة لأثاث الروكوكو الفرنسي الكلاسيكي في القرن الثامن عشر بأسلوب جديد. [10]

في بلجيكا ، كان المهندسين المعماريين الرواد في حركة الفن الحديثقام كل من فيكتور هورتا وهنري فان دي فيلدي بتصميم أثاث لمنازلهم باستخدام خطوط تقويس قوية وحد أدنى من الزخرفة.أضاف المصمم البلجيكي Gustave Serrurier-Bovy مزيدًا من الزخرفة ، حيث استخدم شرائط نحاسية في أشكال منحنية. في هولندا ، حيث كان يسمى النمط نيو كونست أو نيو آرت ، و H. P. Berlag ، و Lion Cachet و Theodor Nieuwenhuis اتبعوا مسارًا مختلفًا ، وهو مسار حركة الفنون والحرف الإنجليزية ، مع أشكال عقلانية هندسية أكثر.

في بريطانيا ، كان أثاث تشارلز ريني ماكينتوش عبارة عن فنون وحرف بحتة ، صارم وهندسي ، بخطوط مستقيمة طويلة وزوايا قائمة مع حد أدنى من الزخرفة. [192] كانت التصاميم القارية أكثر تفصيلاً ، وغالبًا ما تستخدم الأشكال المنحنية في كل من الأشكال الأساسية للقطعة ، وفي الزخارف الزخرفية المطبقة. في ألمانيا ، كان أثاث Peter Behrens و Jugendstil عقلانيًا إلى حد كبير ، مع خطوط هندسية مستقيمة وبعض الزخارف الملحقة بالسطح. كان هدفهم هو عكس بساطة التصميم الفرنسي للفن الحديث وبساطة المواد ، للأثاث الذي يمكن أن يكون غير مكلف ويمكن تصنيعه بكميات كبيرة بسهولة. وينطبق الشيء نفسه على أثاث مصممي Wiener Werkstätte في فيينا ، بقيادة أوتو واجنر وجوزيف هوفمان وجوزيف ماريا أولبريتش وكولومان موسر. كان الأثاث هندسيًا وله حد أدنى من الزخرفة ، على الرغم من أنه غالبًا ما يتبع في الأسلوب سابقة تاريخية وطنية ، لا سيما أسلوب بيدماير. [193]

ذهب تصميم الأثاث الإيطالي والإسباني في اتجاههم الخاص. صمم كارلو بوجاتي في إيطاليا كرسي الحلزون الاستثنائي ، من الخشب المغطى بالرق المطلي والنحاس ، لمعرض تورين الدولي لعام 1902. في إسبانيا ، على غرار أنطوني غاودي و مودرنسمو الحركة ، صمم مصمم الأثاث غاسبار هومار أعمالاً مستوحاة من الأشكال الطبيعية مع لمسات من الأساليب التاريخية الكاتالونية. [120]

في الولايات المتحدة ، كان تصميم الأثاث مستوحى في كثير من الأحيان من حركة الفنون والحرف اليدوية ، أو من النماذج الأمريكية التاريخية ، أكثر من فن الآرت نوفو. أحد المصممين الذين قدموا موضوعات فن الآرت نوفو كان تشارلز رولفز في بوفالو ، نيويورك ، الذي تأثرت تصاميمه للأثاث الأمريكي من خشب البلوط الأبيض بزخارف الفن السلتي والفن القوطي ، مع لمسات من فن الآرت نوفو في الزخرفة المعدنية المطبقة على القطع. [120]


التاريخ وراء ... مجوهرات الفن الحديث

يفحص أحدث جزء في سلسلة المجوهرات العتيقة والعقارية من National Jeweller مجوهرات Art Nouveau ، التي تم إنشاؤها في فرنسا بين عامي 1895 و 1910.

نيويورك - كانت فترة قصيرة من التصميم ركزت على المرأة والطبيعة وكان يرتديها أعضاء مختارون فقط من المجتمع.

أحد الأمثلة على مجوهرات فن الآرت نوفو هو قلادة الوجه العاجية هذه ، التي ابتكرها المصمم الفرنسي ليون جاريود حوالي عام 1859.

كانت عبارة عن مجوهرات على طراز فن الآرت نوفو ، تم إنشاؤها في فرنسا في أواخر القرن التاسع عشر وأوائل القرن العشرين ، قبل الحرب العالمية الأولى ، عندما بدأ التصنيع بالجملة وكان الأفسنتين يتدفق.

في الآونة الأخيرة ، سار إليز زورن كارلين ، المدير المشارك لجمعية دراسة المجوهرات والفنون ذات الصلة الجواهري الوطني من خلال هذه الفترة الرائعة ، ولكن قصيرة العمر ، في تصميم المجوهرات.

متى وأين كانت مجوهرات الفن الحديث مشهورة؟ تم إنشاء مجوهرات Art Nouveau ("الفن الجديد") في فرنسا بين حوالي 1895 و 1910 ، وجاءت في أعقاب التصاميم "المجهدة" للعصر الفيكتوري (والتي انتهت بوفاة الملكة فيكتوريا في عام 1901) وخلقت تباينًا صارخًا مع قال كارلين إن التصاميم الإدواردية السائدة في ذلك الوقت.

بينما كانت المجوهرات ذات الجماليات المماثلة تُصنع في بلدان أخرى خلال نفس الفترة الزمنية - على سبيل المثال ، Jungenstil في ألمانيا والنمسا - فإن مجوهرات Art Nouveau الحقيقية هي بالتأكيد فرنسية.

لقد كانت فترة قصيرة في تصميم المجوهرات ، استمرت حوالي 15 عامًا فقط ، بسبب بداية الحرب العالمية الأولى ولأن القطع كانت مبالغًا فيها لدرجة أن الناس سرعان ما فقدوا الاهتمام بها.

لماذا تم إنشاء مجوهرات Art Nouveau؟ مثل كل الفن ، فإن روح العصر في عصر معين مكتوب في تصميم مجوهراته.

قالت كارلين إن مجوهرات فن الآرت نوفو كانت رد فعل لعدد من الأشياء التي كانت تحدث في المجتمع الفرنسي في ذلك الوقت ، بما في ذلك كفاح النساء لتأمين المزيد من الحقوق لأنفسهن خارج المنزل من خلال الحصول على التعليم والوظيفة.

وقالت إنه يبدو أن الفرنسيين على وجه الخصوص لديهم خوف "مفرط" مما قد يحدث لمجتمعهم إذا فازت النساء بحقوق متساوية كن يناضلن من أجلها.

كان هذا يرجع جزئيًا إلى خسارة الأمة في الحرب الفرنسية البروسية ، والتي كانت مهينة للغاية وجعلت فرنسا تشعر بالضعف. أثارت فكرة مغادرة النساء للعمل خارج المنزل مخاوف من انخفاض معدل المواليد ، مما ترك البلاد دون عدد كافٍ من الرجال لدعم جيوش المستقبل.

قالت كارلين إن هذا هو السبب في أن الكثير من الفن الحديث تتمحور حول المرأة.

تصور القطع امرأة جميلة غير مهددة بشعر متدفق ووجه جميل "خيالي" ، مثل النساء اللواتي يمارسن الجنس


كتب تاريخ آرت ديكو

كان بيفيس هيلر هو من كتب أول كتاب عن تاريخ وتصميم آرت ديكو في عام 1968 وكان على الأرجح أول من استخدم المصطلح لوصف أسلوب عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي. & # xa0

في الوقت الحاضر ، من المفهوم أن الأسلوب بدأ في حوالي عام 1910 واستمر حتى عام 1939 واندلاع الحرب العالمية الثانية. واضح جدا عندما تراه. & # xa0

تم الآن كتابة جبل من أدلة وكتب هواة الجمع لتحليل التأثيرات التي اجتمعت خلال تاريخ آرت ديكو ، والذي كان حقًا أسلوبًا مهيمنًا في معظم القرن العشرين. & # xa0 Decolish لديها مكتبة خاصة بها - انقر هنا من أجل تصفح. & # xa0


الفن الحديث وتاريخ آرت ديكو - التاريخ

كان الفن الحديث ظاهرة نابضة بالحياة ولكنها قصيرة العمر ازدهرت ولكن من عام 1890 إلى عام 1910 وتطرق إلى جميع الفنون البصرية. الموضة والأثاث والأواني واللوحات والكتب والمباني ، لم يكن أي شيء صغيرًا جدًا أو كبيرًا جدًا ، ثمينًا جدًا أو عاديًا جدًا ، بحيث لا يمكن أن يتشكل من قبل المصمم الذي يعمل وفقًا للمثل العليا - الأخلاقية والاجتماعية وكذلك الجمالية - المرتبطة بـ الفن الحديث ، على الرغم من أن هذه المثل العليا لم يتم تدوينها أبدًا في بيان متماسك وتم تغييرها وفقًا للمكان الذي تمارس فيه. على الرغم من أن المؤرخين قد يتساءلون عن المدى الزمني والجغرافي وكذلك مدى صحة أسلوب فن الآرت نوفو ، يمكن تلخيص العديد من الخصائص التي تربط ممثليها معًا بمصداقية: أولاً ، الرغبة في تجنب التاريخية السائدة خلال القرن التاسع عشر ، استخدام الطبيعة في كل خصوبتها وعدم تجانسها كمصدر إلهام ثانيًا ، والتأكيد على القوة التعبيرية للشكل واللون والطموح لصقل العالم المادي والارتقاء به ثالثًا ، وتصميمًا على محو التمييز بين الفنون الجميلة والفنون التطبيقية ، بين المصمم والحرفي ، بين الفن والحياة اليومية والرابعة ، الرغبة في تجربة المواد ، وتحويل الطابع التقليدي ، مثل الحجر والزجاج الملون والفسيفساء ، وابتكار استخدامات وأشكال جديدة لتلك المطورة حديثًا ، أعلاه كل الحديد الزهر والمطاوع.

في العمارة والفنون الزخرفية ، هناك تقدير متزايد لدور الزخرفة ، لكن الزخرفة كانت جديدة في طابعها الرسمي ولم يتم تطبيقها فقط على الهيكل ، ولكن تم دمجها معها. إذا كانت هناك تأثيرات من الماضي البعيد في الزمان والمكان ، فإنها لم تؤد إلى إحياء مقلد نموذجي جدًا للقرن التاسع عشر. على الرغم من دراسة الفن الياباني والإسلامي والجاوي والعمارة في العصور الوسطى والديكورات الداخلية للروكوكو ، فقد تم استيعاب الدروس المستفادة في توليفة إبداعية تهدف إلى الاستجابة لبزوغ فجر القرن الجديد. كانت المصادر الأكثر إلحاحًا هي المنظرون الناقدون للإحياء القوطي ، ولا سيما جون روسكين (1819-1900) و EEViollet-le-Duc (1814–1879) ، والشخصيات المرتبطة بالفنون الإنجليزية والحرف اليدوية والحركات الجمالية ، مثل William موريس (1834-96). إذا تم تفسير أهدافهم في بعض الأحيان بطرق متناقضة ، فإن الإصلاحات الاجتماعية والمهنية التي تبناها هؤلاء المفكرون توقعت العديد من جوانب الثورة الإيجابية في التصميم التي تم إنجازها تحت رعاية Art Nouveau & rsquos aegis.

يتجسد الدافع لاحتضان الجديد والابتعاد عن الماضي في الأسماء التي تحدد ظاهرة نهاية القرن هذه: الطراز الحديث في فرنسا ، Jugendstil في ألمانيا ، Modernismo في إسبانيا ، Nieuwe Kunst في هولندا ، لا يزال حديثًا في روسيا ، والفن الحديث في البلدان الناطقة باللغة الإنجليزية. يتجسد موقفها المناهض للأكاديمية في مصطلح Secessionstil ، المستخدم في النمسا وأوروبا الشرقية. يحدد التوصيفان الإيطاليان المصادر: stilo Liberty ، مما يشير إلى كل من البحث عن الحرية والتأثير الإنجليزي (كان المتجر ، Liberty & rsquos of London ، أحد أوائل موردي السلع التي ناشدت حساسيات الفن الحديث) ، و stilo floreale ، مما يعني ضمنيًا رسميًا نشأة في عالم النباتات. ربما أطلق عليها منتقديها اسم الشعيرية-stijl (هولندا) أو أسلوب الشبح (بريطانيا العظمى) ، لكن هذه الصفات لم تمنع اعتمادها على نطاق واسع. كان الفن الحديث دوليًا وإقليميًا في آنٍ واحد. تُرجمت مبادئ الأصالة والسلامة العضوية والاستخدام الرمزي للزخرفة وفقًا للتقاليد الوطنية. خاصة في الدول الاسكندنافية ، واسكتلندا ، وسويسرا ، وروسيا ، وأوروبا الشرقية ، كانت الرومانسية الوطنية أحد مكونات فن الآرت نوفو ، وكانت الزخارف الفلاحية والعامية المنمقة بالإضافة إلى ذكرى المباني المحلية في العصور الوسطى تنكه منتجاتها.

هناك مبدأ آخر للتمايز وهو ما إذا كانت اللغة في الغالب منحنية أو مستقيمة. في بلجيكا وفرنسا وإسبانيا ، كان الفرع المنحني ، حيث تم تجنب التماثل والتكرار بشكل دؤوب ، وأبلغت الأشكال النباتية المتعرجة كلا من الهيكل والزخرفة ، وأثرت على الخط المستقيم ، حيث كانت الهندسة تتحكم في تبسيط الأشكال الطبيعية ، كان سائدًا في هولندا ، الإمبراطورية النمساوية المجرية واسكتلندا والولايات المتحدة. ومع ذلك ، يمكن للمرء أن يتعرف على الفور في التباديل الوطني أو المحلي على العناصر المرئية واللمسية المرتبطة بالفن الحديث. سعى مهندسو فن الآرت نوفو إلى التحدي المتمثل في أنواع المباني غير المسبوقة ، مثل محطات النقل السريع والمتاجر الكبرى ، ولم يقتصروا عمولاتهم على الهندسة المعمارية المحلية ، على الرغم من المنازل الخاصة - هيل هاوس ، هيلينسبورو (1902–04) بواسطة تشارلز ريني ماكينتوش (1868–1928) ) منزل ديفيد غامبل في باسادينا (1908) بواسطة جرين وغرين (تشارلز سومنر [1868–1957] وهنري ماثر [1870–1954]) - وكتل من الشقق - كاستل برينجر ، باريس (1895-1897) لهيكتور غيمارد ( 1967-1942) Majolikahaus ، فيينا (1898-99) لأوتو واجنر (1841-1918) - تقدم بعض الأمثلة الأكثر شهرة. وهكذا ، استخدم مترو باريس Guimard ، وقام Stadtbahn الفييني بتكليف Wagner لإنشاء هياكل مناسبة لهذه المرافق الحضرية الأكثر حداثة. يشهد La Samaritaine ، باريس (1903–05) لـ Frantz Jourdain (1847–1935) وكارسون ، بيري ، سكوت ، شيكاغو (1899–1904) بواسطة لويس سوليفان (1856-1924) على جاذبية الفن الحديث والمتسوقين التجاريين.

تعقد مفارقات مختلفة تعريف الفن الحديث. لقد دفعت العناصر الرائعة المعلقين إلى وصف تلاميذه و ldquoIRational ، و rdquo كان العديد من المهندسين المعماريين عقلانيين في نهجهم المتطور للتكنولوجيا ، تمامًا كما كان الدافع وراء معظمهم الرغبة في إضفاء الطابع الديمقراطي على المجتمع. كان بعض مساعديه فرديين بشدة ، بينما عمل البعض الآخر بشكل تعاوني في الكوميونات وورش العمل. كانت منتجاتها في كثير من الأحيان فاخرة للغاية ومصممة حسب الطلب للمستفيدين الأثرياء ، ومع ذلك تم إنتاج العديد منها بكميات كبيرة ، والمفردات ، كما تظهر في الملصقات وأدوات المائدة والمنسوجات ، جذبت بشكل ملحوظ الذوق الشعبي. كان العداء بين المصنوعات الآلية والمصنوعات اليدوية الذي اندلع خلال القرن التاسع عشر متصالحًا إلى حد ما في فن الآرت نوفو. كانت واحدة من أولى الحركات التي تم نشرها عبر الدوريات المتخصصة التي عززت انتشارها: Van Nu en Straks (Brussels-Antwerp، 1892)، The Studio (London، 1893)، Pan (Berlin، 1895)، Dekorative Kunst (Munich، 1897) ، و Deutsche Kunst und Dekoration (دارمشتات ، 1897) ، و L & rsquoArt Decorati f (باريس ، 1898) ، و Ver Sacrum (فيينا ، 1898) ليست سوى عدد قليل من المجلات التي دعت إلى فن العمارة والتصميم على طراز فن الآرت نوفو.

كان مفهوم Gesamtkunstwerk (العمل الفني الكلي) أكثر فاعلية من أي وقت مضى منذ القرن الثامن عشر. وهكذا ، لعب المصممون والحرفيون في العديد من الوسائط دورًا حاسمًا ، على الرغم من أن المهندس المعماري ، الذي كان يتحكم في الإعداد العام ، كان قويًا بشكل خاص. واحدة من أكثر الحالات لفتًا للنظر هي البلجيكي ، هنري فان دي فيلدي (1863–1957) ، الذي بدأ حياته المهنية كرسام وفي عام 1895 ، في منزله في أوكل ، أسس شركة تزيين مؤثرة. لم يقم بتصميم المبنى فحسب ، بل قام بتصميم كل شيء بداخله: الأثاث ، وإعدادات الطاولة ، وورق الحائط ، وتركيبات الإضاءة ، والمفروشات - حتى ملابس زوجته ورسكووس. استمر فان دي فيلدي في تزويد Samuel Bing ، رجل الأعمال الذي كان متجره الباريسي يُدعى & ldquoArt Nouveau ، & rdquo بالعديد من المفروشات التي ترسم صيحات الموضة. عضو في المنظمة البلجيكية الطليعية ، Les Vingt (Les XX) ، التي كانت لها روابط بالرمزية الفرنسية والفنون والحرف الإنجليزية ، كان Van de Velde رابطًا مهمًا بين المجموعات المختلفة التي تغذت على Art Nouveau في عام 1897 وانتقل إلى ألمانيا وساعدت على بلورة Jugendstil الوليدة. توضح مسيرته الشخصية العالمية لفن الآرت نوفو.

كان المعرض الدولي أحد محركات الانتشار السريع لفن الآرت نوفو. يمكن اعتبار المعارض في باريس عام 1900 وتورينو عام 1902 ، حيث أعلن كل جناح تقريبًا ومحتوياته عن صعود فن الآرت نوفو ورسكووس ، أعلى نقطة في الحركة. ومن الوسائل الأخرى للنشر مدارس ومتاحف الفنون التطبيقية التي تأسست في أواخر القرن التاسع عشر ، لتثقيف الحرفيين وعامة الناس حول أهمية البيئة المبنية. اتبع متحف فولكوانج في هاغن بألمانيا والمتحف النمساوي للفنون التطبيقية في فيينا خطى متحف لندن ورسكووس فيكتوريا وألبرت ، الذي أنشئ في أعقاب أول معرض دولي (قصر الكريستال) ، عام 1851 ، لعرض الفنون الزخرفية التي تستحق محاكاة. كان من دواعي فضول الحركة ميل بعض أتباعها ، بما في ذلك الرعاة ، إلى إطلاق ورش العمل والشركات وحتى المجتمعات ذات النفوس المتشابهة في التفكير. أنتجت كل من Vereinigte Werkstätten für Kunst und Handwerk (ميونيخ ، 1897) ، والداخلية (أمستردام ، 1900) ، و Wiener Werkstätte (فيينا ، 1903) عناصر زخرفية تستند إلى مبادئ الفن الحديث.

بدأت المستعمرات حيث يمكن للفنانين السعي بشكل مشترك لتحقيق المثل الأعلى لـ Gesamtkunstwerk بما في ذلك Künstlerkolonie في دارمشتات ، ألمانيا ، حيث دعا Grand Duke Ernst of Hesse في عام 1899 عددًا من المصممين للعيش والعمل. يمكن القول إن بروكسل هي مسقط رأس فن الآرت نوفو الناضج ، والشخصية الأكثر ارتباطًا بتألقها هو فيكتور هورتا. تم قبول منزله ذو الشرابة (1893) على نطاق واسع باعتباره المثال الأول لعمارة فن الآرت نوفو: تم تقليد المنحنيات المتعرجة للزخرفة العضوية ثنائية وثلاثية الأبعاد والمزج الرائع بين البناء والمعدن والبلاط والزجاج الملون في جميع أنحاء القارة . أظهر أعظم أعمال Horta & rsquos ، Maison de Peuple (1895-99) ، الجانب الشعبي للأسلوب. لم يستطع الصناعيون الأثرياء فقط أن ينغمسوا في ذوقهم ، لكن موظفيهم أدركوا أيضًا أنه يثير تطلعاتهم. وهكذا انتخب حزب العمال الاشتراكي الديمقراطي البلجيكي & [رسقوو] فن الآرت نوفو كلغة مناسبة لمقره الجديد. يبدو أن المبنى المذهل ، المزخرف بأسماء كارل ماركس وغيره من الاشتراكيين ، ينمو من موقعه الجبلي ، وتموج معالمه كما لو كان يتوافق مع إملاءات السياق. يسمح الإطار الحديدي المستخدم مع الطوب والحجر بخطة مجانية بمساحات ذات ارتفاعات وأبعاد مختلفة ، مما يجعلها مثالية لاستيعاب وظائف البرنامج و rsquos المختلفة ، والتي تم الكشف عنها من الخارج من خلال النوافذ الفردية التي لا يوجد شيء منتظم أو متكرر. يشبه الباب الرئيسي كهفًا أو فمًا غامضًا يجذب المرء إلى فترات الاستراحة ، حيث يكون التعاطف صفة يستغلها العديد من المهندسين المعماريين في فن الآرت نوفو.

يمكن مقارنتها من حيث المظهر الطبيعي ، والبصمة غير المنتظمة ، والاستكشاف الجريء للاستجابات الحركية والعاطفية للشكل والفضاء ، في Casa Mila (1906-10) في برشلونة بواسطة أنطونيو غاودي ، ومبنى Humbert de Romans في باريس (1897–1901 الذي تم تدميره ) بواسطة Guimard. مثل البلجيكي ، كان الكاتالوني والفرنسي مدينين لـ Viollet-le-Duc ، خاصةً مشاريعه التي تستخدم مادة الحديد الجديدة ، ولكن حيث كان فيوليت لا يزال مستعبدًا لمصادره القوطية ، فإن هذا الثلاثي اللاحق يدمجهم في مفردات جديدة تمامًا مشتق من النباتات والحيوانات.

يعتقد Gaudí المتدين أن & ldquonature هو God & rsquos architecture & rdquo (Collins ، 1960) ، بينما رأى Guimard الطبيعة على أنها & ldquoa كتابًا عظيمًا يستمد منه الإلهام ، & rdquo لتحل محل المجلدات الأثرية للبعثيين. تحتفظ النسخة الأكثر استقامة من Art Nouveau بالطبيعة كمصدر أساسي للصور ولكنها تؤكد على البنية التحتية الهندسية الكامنة وراء الأشكال العضوية ، كما هو موصوف ببصيرة خاصة من قبل المنظر الألماني Gottfried Semper (1803-1879) ، ولا يتم رفض التناظر. تنتمي أعمال HP Berlage و Wagner و Olbrich و Josef Hoffmann إلى هذا المعسكر ، وكذلك أعمال المصممين في بريطانيا والولايات المتحدة الذين لديهم جذور مباشرة في حركة الفنون والحرف اليدوية (على سبيل المثال ، CRAshbee و Mackintosh و Charles Harrison Townsend و Frank لويد رايت والأخوين جرين). تسود الزوايا اليمنى والخطوط المستقيمة ، والزخارف الزخرفية المنمقة أقل حدسية وأكثر ذكاءً ، والبنية المعدنية ، على الرغم من وجودها في بعض الأحيان ، تخضع لمواد أكثر تقليدية مثل الخشب والحجر والطوب ، وغالبًا ما يتم تلبيسها. ابتعد معظم المهندسين المعماريين في High Art Nouveau عن الأسلوب بحلول نهاية العقد الأول من القرن العشرين ، أولئك من الفرع المنحني نحو التعبيرية ، أولئك الذين يمارسون النسخة المستقيمة نحو الحداثة أو الأكاديمية في فرنسا والنمسا ، فن الآرت نوفو تحول بسلاسة إلى آرت ديكو. في النصف الثاني من القرن العشرين ، حدثت عمليات إحياء متفرقة للفن الحديث. ربما كان عهدها قصيرًا ، لكن تعويذة الفن الحديث و rsquos لا تزال قائمة.

سينوت ر. موسوعة العمارة في القرن العشرين ، المجلد 1 (A-F). فيتزروي ديربورن ، 2004.

روابط داخلية

قراءة المزيد

بعد الرفض الحاسم في العقد الأول من القرن العشرين ، تبخر الاهتمام الأكاديمي والشعبي بالفن الحديث (على الرغم من أن مسار آرت ديكو لخص من نواح كثيرة مسار الفن الحديث) ، ويرجع الفضل في ذلك جزئيًا إلى إحياء النزعة التاريخية ولكن بشكل أكثر تحديدًا انتصار الحداثة العالمية ، بتحريمها للزخرفة.ثم في عام 1959 ، أقيم المعرض الرائد في نيويورك ومتحف رسكووس للفن الحديث. من الصعب التأكد مما إذا كان الاهتمام المتجدد مدفوعًا بالمعرض أو ما إذا كان العرض نفسه مدفوعًا بجنون التجميع المفاجئ لكائنات Art Nouveau ، ولكن ما هو واضح هو أن Art Nouveau حقق تدريجيًا الاحترام الذي لم يتنازل عنه. كان كتالوج MoMA مهمًا أيضًا لأنه تضمن الهندسة المعمارية ، على الرغم من أن معظم المنشورات اللاحقة استمرت في التأكيد على الفنون الزخرفية حتى عام 1979 ، عندما قام فرانك راسل بتحرير مجلد مخصص للهندسة المعمارية. منذ ذلك الحين ، تم التعرف على الأهمية الحيوية للهندسة المعمارية للحركة ككل ، ولا تفشل الدراسات الاستقصائية في تضمين المباني التي تتناسب مع القانون.

أمايا ، ماريو ، فن الآرت نوفو ، لندن: ستوديو فيستا ، 1966

بورسي ، فرانكو ، بروكسل 1900 ، بروكسل: إم فوكاير ، 1974

بورسي ، فرانكو ، وإزيو جودولي ، باريس 1900 ، نيويورك: ريزولي ، 1977

برونهامر ، إيفون ، آرت نوفو بلجيكا ، فرنسا ، هيوستن: جامعة رايس ، 1976

كولينز ، جورج ، أنطونيو غاودي ، نيويورك: برازيلر ، 1960

Cremonan، Italo، Il Tempo dell & rsquoArt Nouveau: Mode rn Style، Sezession، Jugendstil، Arts and Crafts، Floreale، Liberty، Florence: Vallechi، 1964

لامبورن ، ليونيل ، حرفيون يوتوبيون ، سالت ليك سيتي: بيريجرين سميث ، 1980

بيفسنر ، نيكولاس ، وجي إم ريتشاردز (محررون) ، المناهضون للعقلانيين ، لندن: المطبعة المعمارية ، 1973

ريمس ، موريس ، The Flowering of Art Nouveau ، ترجمة باتريك إيفانز ، نيويورك: أبرامز ، [1966] راسل ، فرانك (محرر) ، فن الآرت نوفو للهندسة المعمارية ، لندن: إصدارات الأكاديمية ، 1979

Selz و Peter و Mildred Constantine (محررون) ، Art Nouveau - Art and Design at the Turn of the Century ، نيويورك: متحف الفن الحديث ، 1975

سيلفرمان ، ديبوراه ، الفن الحديث في Fin-de -Siècle France: السياسة وعلم النفس والأسلوب ، بيركلي: مطبعة جامعة كاليفورنيا ، 1989

Thiébaut ، Philippe ، and Bruno Girveau ، Art Nouveau Architecture ، London: Thames and Hudson ، 2000

Tschudi-Madsen، Stephen، Art Nouveau، London: Thames and Hudson، 1967

Varnedoe، Kirk، Vienna 1900: Art، Architecture & Design، New York: Museum of Modern Art، 1986

Weisberg، Gabriel، and Elizabeth Menon، Art Nouveau: A Research Guide for Design Reform in France، Belgium، England and the United States، New York: Garland، 1998


تاريخ فضية الفن الحديث

كان هيكتور غيمار (1867-1942) هو المهندس المعماري الفرنسي الذي صمم مداخل المترو الباريسية. تُظهر الصورة أعلاه مدخل Station d'Etoile. للأسف ، لم يعد هذا الهيكل موجودًا ، ولكن بقي ثمانية وثمانين من هذه الهياكل.

HECTOR GUIMARD و ADELINE OPPENHEIM GUIMARD

في فرنسا ، عُرف الفن الحديث باسم Guimard بعد هذا المهندس العظيم. في إيطاليا كان يسمى Stile Floreale (نمط الأزهار) ، في النمسا - Sezessionstil (أسلوب الانفصال) ، إسبانيا - Modernisme ، ألمانيا Jugendstil (أسلوب الشباب).

من عام 1820 إلى عام 1890 ، سيطرت الفضة الفرنسية على ما يمكن وصفه بأنه أفضل ما يمكن وصفه بـ "الانتقائية" وهو عبارة عن مزيج من التأثيرات من جميع أنماط القرن التاسع عشر من الأشكال الكلاسيكية الجديدة إلى الأساليب الزهرية الباهظة التي بلغت ذروتها في فن الآرت نوفو المذهل الطبيعي ، حيث كان طبيعيًا. تجعلك الأشكال والفن تنسى تقريبًا المواد المستخدمة ، مثل الباب في La Maison Lavirotte. يبدو الأمر كما لو أن الشكل أصبح أكثر أهمية من المواد المستخدمة. يجذب فن الآرت نوفو انتباه المرء مثل أي حركة أخرى ، ولا حتى آرت ديكو.

كان جول لافيروت (1864-1929) هو المهندس المعماري الذي صمم La Maison Lavirotte. يُظهر هذا المدخل الطبيعة البراقة والمعقدة لفن الآرت نوفو.

أروع ختم الكلب المصور على شكل فن الآرت نوفو المصنوع بالكامل من الفضة الإسترليني. يحتوي هذا الختم الجميل على أكثر الأشكال الورقية المزخرفة البارزة. تم تصميم هذا الطراز العتيق جيدًا بحيث يتم تزيين كل جزء منه ، ويتم تقديم الأسطح بحيث لا تظهر بصمات الأصابع أو العلامات ، باستثناء الختم المنقوش في القاعدة والذي يحمل الحرف الأول L M بالخط القوطي. يبلغ قياسها 7 سم ووزنها 15 جرام. المزيد من الهدايا الفضية العتيقة.

بعد عام 1850 ، بدأ صانعو الفضة في التعاون مع عمال المينا المهرة والنحاتين وعمال الرسم. تعكس هذه القطع الرائعة هذه الفترة الإنتاجية العالية للإبداع في فرنسا. يمكن قول الشيء نفسه عن صائغ الفضة الإنجليز أيضًا.

قلادة رائعة من اللؤلؤ من الذهب الإدواردي عيار ٩ قيراط مع قلادة من الأكوامارين. قطعة فنية مجيدة على شكل قلب. تزين هذه القلادة بلآلئ صغيرة من البذور وهي مصممة لتشكل وسط الزخارف الزهرية والتوت على الأوراق. تقليديا الزبرجد هو حجر بخت شهر مارس.

لم يتم تصميم الغرور خلال هذه الحقبة لتكون محمولة. كانوا يرتدون إكسسوارات منضدة الزينة. غطاء وعاء البودرة الجميل من فن الآرت نوفو مزين بصدفة البطلينوس وأعمال التمرير والنباتات والورق. يستمر هذا التصميم في جميع أنحاء القطع الأثرية بأكملها - المنفذة بتوازن وتناسق مثاليين. يحتوي الغطاء والقاعدة على علامة سنتوريون مسبوقة بالرقم 1 الذي يشير إلى 0.950 فضة وعلامة الصانع. M يخفف 5 سم ويزن 26.9 جرام.

تم تزيين الفضة بشخصيات مجازية وأسطورية. تم تحويل الأمثال المعروفة إلى هدف دارت. على سبيل المثال Le Renard et les Raisins من La Fontaine. شاهد حالة فيستا التي تصور الحكاية الشهيرة حيث يتطلع الثعلب إلى بعض العنب الذي لا يستطيع الوصول إليه ، ويعلن بتجهم أنه كان شديد الخضرة على أي حال - "ILS SONT TROP VERT".

أتقن صانعو الفضة فنهم إلى مستوى تحولت فيه المواد. من الصعب فهم ذلك حتى ترى الباب في La Maison Lavirotte. يسود الأسلوب كثيرًا لدرجة أن هذا الفن أكثر من كونه مدخلًا لمبنى. نحن في حالة من الرهبة. تم استخدام عبارة Art Nouveau Spectacular Naturalism لتلخيص ذلك.

تم تشكيل العلبة أدناه لدرجة أنه حتى المفصلات والحواف والمنطقة المحيطة بمقبض الإبهام تم العمل عليها لإضفاء مظهر أن هذا كان شيئًا طبيعيًا. هذه ليست مجرد حالة تم فيها عمل نقش على الغطاء أو القاعدة أو كليهما. يتم تحويل القطعة الفضية بأكملها.

صنعت حافظة Emile Grénet هذه في القرن التاسع عشر. كان نشيطًا في عام 1888 ولكن لا يُعرف سوى القليل جدًا عن هذا المصنّع & amp ؛ حتى الآن لم نتمكن من العثور على أي قطع أخرى صنعها. بالتأكيد يجب أن يكون هناك البعض ولكن فرنسا عانت من مثل هذه الاضطرابات الكبيرة خلال الحربين العالميتين واختفت العديد من القطع الفنية الجميلة وتحولت سجلات الشركة إلى غبار.

تم صنع العلبة وفقًا للتقاليد العظيمة لصانعي الفضة الفرنسيين في القرن التاسع عشر الذين اشتهروا بتصويرهم للخرافات والقصص الرمزية والأمثال. للعثور على حالة مثل هذه توضح ربما المثال الأكثر شهرة `` أشجار البلوط القوية تنمو من البلوط الصغير '' هو حلم يتحقق وعندما تمسك بالحالة تدرك أن Emile Grénet قد حول الفضة إلى طبيعة - انظر إلى كل حافة ، المنطقة من خلال المصيد ، تم تحويل القضية برمتها. ليس من أجل هذا الصائغ ، غطاء وقاعدة مع صور محفورة ، لكن العلبة الخارجية بأكملها هي مزيج من الطبيعة مع الفضة عالية الجودة. هذه قطعة واحدة لا يجب تنظيفها أبدًا لأنها ستفسدها. ينهي الضوء والظل الجراب بشكل مثالي.


مجموعة من الفضة الإسترليني الفرنسية تعود للقرن التاسع عشر من علب السجائر والفيستا ريبوساج ، وكلاهما مزين بمانتكور. هذه المجموعة عالية الجودة من صنع الفضة تشارلز مراد. اختيار الهجين الأسطوري لتزيين هذه الحالات يجعلها قابلة للتحصيل بشكل كبير. يختلف وصف مانتيكور من عصر إلى بلد الراوي. حتى يومنا هذا ، تظهر manticores في الكتب والأفلام المشهورة للغاية ، مثل سلسلة هاري بوتر. وُصِف المانتيكور على أنه يمتلك رأس وجسم أسد / لبؤة ، ولسان وذيل ثعبان أو سحلية وأجنحة تنين أو طائر. في هذه الحالة لديهم رأس وجسم لبؤة ، سحلية مثل اللسان والذيل وأجنحة طائر. في بعض الحالات ، يكون للمانتوريس رؤوس بشرية. واجهات هذه الحالات لها صور رائعة تبدو شرسة للغاية بالفعل. يوجد أسفل المخلوقات درعًا مثل الخراطيش وزخرفة Repoussage بأكملها رائعة ومزخرفة ومعقدة. يحظى ظهور الحقائب بنفس الاهتمام بالتفاصيل ويتم دمجه في التصميم المنبثق من الورقة الورقية ، رأس مانتيكور - أنيق وشبيه بالأسد وشرس. كلتا الحالتين مميّزة بالكامل وتحمل علامة صانعها تشارلز مراد. مقاس علبة السجائر 8 سم × 6.3 سم ووزن الأمبير 61.6 جرام. يبلغ مقاس حقيبة Vesta 4.6 سم × 3.2 سم ويزن 18.7 جرامًا.


شاهد الفيديو: Conférence Expos universelles stylées: Art nouveau et Art Déco dans les expositions universelles (شهر نوفمبر 2021).